A. Kruchenykh, V

À Moscou, pour la première fois depuis cent ans, se tient une exposition à grande échelle de l'artiste Natalya Goncharova, qui contient plus de 4 cents œuvres de musées du monde entier. Je rêvais de visiter l’exposition et je l’ai fait.

L'exposition a lieu à la Galerie Tretiakov sur Krymsky Val. Voici des tableaux de Gontcharova datant du début du siècle dernier, et des tableaux du milieu du siècle, c'est-à-dire des tableaux. écrit presque avant le décès de l'artiste. C’est intéressant de voir l’évolution des compétences, le passage entre différents styles, groupes et genres, le changement de couleurs et de thèmes.

Natalia Gontcharova était surnommée « l’Amazone de l’avant-garde russe ». Représentante de l'ancienne famille Gontcharov, arrière-arrière-petite-fille de l'épouse d'Alexandre Sergueïevitch Pouchkine, son homonyme Natalya Goncharova, l'artiste a laissé une marque brillante sur la peinture mondiale. Ses peintures se trouvent dans de nombreux musées à travers le monde, dans des collections privées, et nos musées nationaux peuvent se vanter de posséder de nombreuses peintures. La Galerie Tretiakov possède également une riche collection de peintures de Natalia Gontcharova, qui a présenté ses salles pour la première exposition des cent dernières années. Natalya Sergueïevna Gontcharova est née le 4 juin 1881 à Ladyshino, non loin de Toula, dans la famille de l'architecte moscovite Sergueï Mikhaïlovitch Gontcharov et d'Ekaterina Ilyinichna, née Belyaeva. Dès son enfance, Natalya a montré des capacités de dessin, mais elle a d'abord commencé à étudier comme. sculpteur à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou dans la classe de P. Troubetskoy. Comme la peinture attirait davantage la jeune fille, elle fut transférée dans la classe de Konstantin Korovin, diplômé en 1902. Comme tous les jeunes artistes de cette époque, Gontcharova a changé de style et de genre, niant vieille école- Cubisme, rayonnisme, peinture non objective, primitivisme, voire estampes populaires, illustration de livres, création de costumes et de décors de théâtre, participation à des défilés de mode et peinture de tissus, divers cycles de peinture - telle est la palette multiforme de l'artiste.
Naturellement, tout le monde se tenait devant ces peintures qu'il aimait particulièrement, pour moi c'étaient des peintures de style primitif, ressemblant davantage à une estampe populaire ordinaire - des femmes et des hommes aux visages pas très clairs, vêtus de vêtements nationaux russes, les nôtres, des gens familiers , simples et travailleurs : ils sèment, récoltent, lavent et blanchissent les toiles, récoltent, en général, tout est fait et en place.

Gontcharova a toujours eu des fleurs, elles étaient dessinées de manière réaliste - de jolis bouquets dans des vases, abstraitement et étoilés. mais tout est lumineux et joyeux, vous vous tenez près des lys radieux et devinez leurs contours, ou essayez de distinguer de belles orchidées, ou reposez votre âme près d'un arbre dans un coin du jardin, mais ne laissez pas indifférent. Une douce fille avec un bouquet de lys est un autoportrait de l’artiste.

Non seulement les fleurs, mais aussi les animaux intéressent Natalya Goncharova, voici de drôles de coqs - français et avec un garçon.

Essayez de repérer l'animal préféré de tous dans ces cubes rayonnants : un chat mignon !

Les photos de la ville sont également intéressantes - "Cycliste",

"Avion au-dessus de l'entrée"

Le cadeau d'aujourd'hui et les anges qui l'accompagnent - "Anges et avions".

"Grippe espagnole" - ce cycle nous a captivés pendant longtemps ; nous avons marché, regardé et nous ne pouvions pas quitter les yeux. Toutes différentes, colorées, fières, en mantilles et avec des peignes, force est de constater que l’artiste est tombé amoureux de ces beautés du sud et est revenu encore et encore à leurs images !

Toute sa vie, Natalya Gontcharova a marché main dans la main avec Mikhaïl Larionov. Ils se sont rencontrés en 1900 lors d'une des expositions à l'étranger et ont vécu presque tout le temps à mariage civil, principalement à Paris, officialisant leur relation presque à la fin de leur vie. Larionov n'a survécu que deux ans à sa femme et est décédé en 1964.

C’est ainsi qu’était Larionov dans la vie, et c’est ainsi que j’ai vu l’homme bien-aimé de Gontcharov.

Il y a plus de 4 cents tableaux à l'exposition, il est impossible de tout montrer, et ce n'est pas nécessaire, vous pouvez toujours aller à la galerie de tableaux et voir tout ce que vous voulez. La photographie est interdite dans nos expositions. Par conséquent, tous ceux présentés proviennent d’Internet à partir de différents sites. Peut être. Je reviendrai sur cette exposition, en exposant séparément des peintures du cycle religieux, des œuvres théâtrales et des graphiques de livres. tout cela est aussi très intéressant.

10 œuvres d'art les plus chères créées par des femmes

Une vaste collection d'œuvres de Natalia Gontcharova, la célèbre artiste d'avant-garde russe partie pour Paris au début du XXe siècle, a été amenée à Moscou. Il s'agit de la plus grande exposition de Gontcharova en Russie au cours des 100 dernières années : jusqu'au 16 février 2014 à Galerie Tretiakov Environ 400 pièces seront présentées, dont la plupart n'ont jamais été exposées en Russie auparavant.

Gontcharova a été reconnue non seulement en Russie, mais aussi dans le monde. Son plus travail coûteux- "Fleurs" - a été vendu pour plus de 10 millions de dollars. Et c'est un record pour des œuvres d'art créées par des femmes.

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Natalia Gontcharova « Fleurs » (1912)
Prix ​​: 10,9 $ / Enchères : Christie’s / Année de vente : 2008

Ce tableau est considéré comme emblématique de l’avant-garde russe. Gontcharova y mélange les dernières tendances de l'art européen (elle a étudié les peintures de Gauguin, Matisse, Picasso) et sa propre nouvelle direction - le rayonnisme. Ce style - l'une des premières formes d'abstractionnisme - a été inventé par Gontcharova avec son mari, le futuriste Mikhaïl Larionov. Les artistes représentaient des rayons de lumière avec des lignes colorées et transmettaient ainsi l'image des objets. Ils croyaient que les objets dans la perception humaine sont « la somme des rayons provenant d'une source de lumière, réfléchis par un objet et tombant dans notre champ de vision » (« Manifeste du Rayisme »).

Louise Bourgeois "Araignée"
Prix ​​: 10,7 millions de dollars / Enchères : Christie's / Année : 2011

Américaine d'origine française, Louise Bourgeois a vécu près de cent ans et s'est essayée à presque toutes les grandes directions de l'art du XXe siècle - cubisme, futurisme, surréalisme, constructivisme et abstractionnisme. Mais Bourgeois est devenu célèbre avant tout comme sculpteur. Toutes ses œuvres sont unies par un système unique de symboles. Le thème clé de son travail est celui des souvenirs d'enfance. Une araignée, ou plutôt une araignée, dans système de signalisation La bourgeoise est un symbole de la mère. « Elle était aussi intelligente, patiente, pure, raisonnable et obligeante qu’une araignée. Et elle savait comment se protéger", a déclaré l'artiste à propos de sa mère.

Les sculptures géantes d'araignées en bronze de Louise Bourgeois battent des records aux enchères. Le dernier record en date appartient à l'« Araignée » de près de sept mètres provenant d'une collection privée de la Napa Valley, près de San Francisco : le 8 novembre 2011, elle a été achetée chez Christie's pour 10,7 millions de dollars.

Natalya Gontcharova « Grippe espagnole » (1916)
Prix ​​: 10,7 millions de dollars / Enchères : Christie’s / Année de vente : 2010

Ce tableau a été peint par Gontcharova pendant la Première Guerre mondiale. Puis de sérieux changements se produisent dans la vie de l’artiste. Elle a quitté la Russie pour Paris, où elle a réalisé des décors pour les Ballets Russes de Diaghilev. « La grippe espagnole » a démontré les compétences de Gontcharova en tant qu'artiste de théâtre : la composition transmettait la puissante énergie de la danse espagnole. Dans le même temps, elle parvient à combiner les détails des décors théâtraux et la simplification inhérente à l'art abstrait. Dans « La grippe espagnole », il s’est manifesté de manière radicale nouvelle technologie, qui fut plus tard appelé constructivisme théâtral.

Natalya Gontcharova « Cueillette de pommes » (1909)
Prix ​​: 9,8 millions de dollars / Enchères : Christie’s / Année de vente : 2006

Selon les résultats de la vente aux enchères « Impressionnistes et maîtres du XXe siècle » en 2006, « La cueillette des pommes » a établi un record pour la peinture russe. Certes, on ne sait pas qui a acheté le tableau : l'acheteur a souhaité rester anonyme.

Au moment où cette œuvre est peinte, l'artiste s'intéresse à l'impressionnisme, au post-impressionnisme, au cubisme et au futurisme, mais l'influence de Gauguin y est particulièrement perceptible. Gontcharova s'est également inspirée de la peinture d'icônes russe et de la tradition populaire de l'imprimerie. En conséquence, tout un cycle de « Collecte de fruits » est né, exécuté de manière tout à fait originale.

Joan Mitchell "Sans titre" (1959)
Prix ​​: 9,3 M$ / Enchères : Sotheby’s / Année de vente : 2011

"Untitled" est l'une des premières œuvres de Mitchell dans le style de l'expressionnisme abstrait, nouveau pour elle à l'époque. Selon la société commerciale berlinoise Artnet.com, Mitchell est l'artiste le plus titré en termes de chiffre d'affaires aux enchères. Entre 1985 et 2013, 646 de ses œuvres ont été vendues, pour un montant total de 239,8 millions de dollars. Contrairement à d’autres artistes américains travaillant dans le style de l’expressionnisme abstrait, Mitchell s’est tournée vers la tradition européenne.

Tamara de Lempicka « Rêve » (« Rafaela sur fond vert ») (1927)
Prix ​​: 8,5 M$ / Enchères : Sotheby’s / Année de vente : 2011

Tamara de Lempicka est une artiste américaine d'origine polonaise qui a vécu quelque temps à Saint-Pétersbourg. Elle a travaillé dans le style Art Déco, apparu dans les années 1920 et 1930 et absorbant l'esprit de l'ère du jazz. « Dream » a été peint par Lempicka pendant la période fructueuse à Paris et après la vente aux enchères de 2011, il s'est avéré être la création la plus chère de l'artiste. Avant cela, ses œuvres les plus chères étaient « Portrait de Marjorie Ferry » (4,9 millions de dollars) et « Portrait de Madame M », vendues en 2009. (6,1 millions de dollars).

Joan Mitchell "Salut, Sally!" (1970)
Prix ​​: 7 millions de dollars / Enchères : Chistie's / Année : 2012

Ce tableau est dédié à la sœur aînée de Mitchell, Sally. L'œuvre diffère fortement de ses peintures précédentes. Des temps brillants sont arrivés dans la vie de l’artiste, ce qui se reflète sur la toile. "Salut, Sally!" - une photo lumineuse et ensoleillée. En 1970, Mitchell avait trouvé un domicile permanent et s'était installé dans la petite ville de Vétheuil, à 55 km de Paris. Là, elle observe la nature et dessine constamment sur sa terrasse, principalement des tournesols et autres fleurs lumineuses. Mitchell a reçu la reconnaissance du public parisien - la première exposition personnelle de l'artiste abstrait a eu lieu dans la capitale française dans les mêmes années 1970.

Le tableau est peint à l'huile sur toile. Avant la vente, le tableau se trouvait dans une collection privée.

Cady Noland "Ozwald" (1989)
Prix ​​: 6,6 millions de dollars / Enchères : Sotheby’s / Année : 2011

L'Américaine Cady Noland est une sculptrice et artiste d'installation travaillant dans le style postmoderniste. L'apogée de sa créativité s'est produite dans les années 1980-1990 et Noland a créé sa dernière œuvre il y a 11 ans. Cela n’empêche cependant pas que ses tableaux deviennent de plus en plus chers. Selon Bloomberg, Noland est l'un des trois artistes dont les œuvres ont le plus augmenté en prix au cours des 13 dernières années (+5,488%). Elle a atteint des chiffres aussi impressionnants grâce en partie au « Ozwald » vendu pour 6,6 millions de dollars.

La sculpture représente Lee Harvey Oswald, le seul suspect de l'assassinat du président américain John F. Kennedy. Noland a travaillé sur cette installation en utilisant sa technique habituelle. Elle utilise des images issues des médias (coupures de journaux, images d'actualité), les agrandit et utilise la sérigraphie, les applique sur des feuilles d'aluminium, puis les découpe. Pour donner de l'expressivité aux personnages, elle fait dans certains cas des trous - des traces de balles.

Les œuvres de Noland sont présentées dans les plus grandes galeries. Ses expositions personnelles ont eu lieu aux États-Unis, au Japon et en Europe et ses œuvres sont vendues par les plus grands maisons de ventes aux enchères paix.

Tamara de Lempicka "Dormir" (1930)
Prix ​​: 6,6 millions de dollars / Enchères : Sotheby's / Année : 2011

Les portraits, y compris ceux du genre nu, occupent une place sérieuse dans patrimoine créatif de Lempicka. Elle a créé l’image d’une femme forte et sexy (il n’est pas surprenant que Madonna soit devenue l’une des principales collectionneuses d’œuvres de Lempicka). Le monde de l'artiste est rempli de luxe, de robes chères et de corps parfaits.

Natalya Gontcharova « Arbres en fleurs » (« Fleur de pommier ») (1912)
Prix ​​: 3,96 millions de dollars / Enchères : Sotheby’s / Année : 2011

Dans cette œuvre, Gontcharova, selon les critiques, est beaucoup plus proche de la tradition picturale française du XIXe siècle que des œuvres de Kazimir Malevitch et de Vassily Kandinsky.

Anna Namit
Forbes

« Bien sûr, je pourrais me passer de fleurs, mais elles m'aident à garder le respect de moi-même, car elles prouvent que je ne suis pas enchaînée pieds et poings liés par les soucis quotidiens. Ils sont la preuve de ma liberté. » (Rabindranath Tagore)

Quelle pensée intéressante et profonde : les fleurs - et la liberté personnelle ! Ce que l’homme dit à ce sujet est encore plus étonnant. Écrivain, poète, compositeur, artiste, personnalité publique, lauréat Prix ​​Nobel en littérature... Il a trouvé le temps de profiter de la beauté des fleurs et de se sentir libre !

Six mois de froid en Russie, c'est beaucoup ! Jardins enneigés, champs et forêts, ciel gris... Le besoin d'un sentiment de plénitude de l'existence a toujours incité les gens à créer des analogues des belles créations de la nature, capables de ravir le cœur et l'âme toute l'année.

Donc russe art populaire si lumineux et festif. Et ce n'est pas un hasard si au 19ème siècle, une autre merveilleuse pêcherie est née dans le centre de la Russie, qui porte, comme c'est souvent le cas dans de tels cas, le nom de sa « résidence » - Zhostovo ! Il n'y a pratiquement personne dans notre pays dont la mémoire n'évoquera pas immédiatement des bouquets de fleurs lumineux, presque fabuleux, lorsqu'il entendra ce mot ! Compositions florales - sur un plateau en métal. Et il faut dire que la liberté que le génie de Tagore a constatée dans la communication avec les fleurs se manifeste le plus clairement dans la création des célèbres bouquets de Zhostovo.

Larisa Goncharova est une représentante de l’une des célèbres dynasties d’artistes de Zhostovo (exemples d’œuvres du maître). Une dynastie dans n'importe quel domaine d'activité est l'histoire d'une entreprise donnée. En contactant une famille, vous découvrirez l'histoire séculaire du développement de toute une pêcherie. Ainsi, parlant des secrets de l'artisanat, Larisa a dit que la peinture est une improvisation : l'auteur lui-même ne sait pas ce qui va se passer, sa main y va « automatiquement » !

Quel Maître il faut être pour que ces fleurs envoûtantes, rayonnantes du fond des bourgeons d'une lumière magique, « résonnent » avec révérence sur la surface vernie, comme des notes d'improvisation musicale virtuose ! La beauté exquise des fleurs créées par les Gontcharov est remplie d'une signification particulière, nous transmettant l'ambiance soit de vacances jubilatoires, soit de contemplation impartiale.

En admirant la perfection de la mise en œuvre du plan, en appréciant la liberté et la légèreté aérienne de la représentation des bouquets, vous commencez à comprendre qu'un objet autrefois utilitaire est devenu depuis longtemps un symbole de l'art et que la peinture de Zhostovo est une forme d'art indépendante. .

Le village de Zhostovo, situé tout près de la capitale, est depuis plusieurs siècles un symbole de l'artisanat russe unique. Au cours des dernières décennies du XXe siècle, le village a été choisi par les nouveaux Russes, fatigués de l'agitation de la ville et de la détérioration de l'environnement. À propos, Gerda, que nous connaissons depuis l'enfance depuis « Reine des Neiges", ou plutôt, la populaire actrice de théâtre et de cinéma Elena Proklova, qui l'incarnait, vit également depuis de nombreuses années dans ce village à côté de la forêt, profitant de l'aménagement paysager et de la culture de fruits et légumes biologiques. Elle n’a pas échappé à la tentation d’apprendre à peindre des plateaux !

Dans le contexte de la « ville des demeures » en constante expansion, les maisons des anciens sont devenues de plus en plus basses, « ont grandi » dans leur terre natale, s'accrochant de plus en plus profondément, comme s'ils avaient peur d'être déracinés. Et il y avait des raisons à cela.

Au début, il y avait des rumeurs, mais je ne voulais pas y croire. Un artisanat populaire ancien, dont l'État était si fier, pourrait-il devenir une propriété privée ? Un peu de temps a passé et les rumeurs sont devenues un fait accompli. La banque est devenue le propriétaire de la légendaire pêcherie de Zhostovo (nous ne ferons pas de publicité supplémentaire pour cela, d'autant plus que le propriétaire de la banque peut la vendre !). Et tout s’est déroulé selon le schéma habituel. La banque a promis de préserver l'artisanat populaire et célèbre musée Plateaux Zhostovo, mais le territoire et la superficie de l'usine ont commencé à être loués. Il existe aujourd'hui une trentaine d'entreprises non liées à la pêche au plateau. Les trente jeunes maîtres restés à l'usine se blottissent dans quatre petites salles réservées aux ateliers de peinture. Désormais, ils travaillent « pour le propriétaire ». Tous les grands artistes, maîtres anciens, vrais créateurs ont abandonné leur métier et travaillent chez eux. Dernièrement, ils ont pratiquement cessé de coopérer avec l'usine.

Le plateau comme article ménager est connu depuis l'Antiquité, mais c'est à partir du début du 19ème siècle, en raison de la croissance des villes, de l'émergence de nombreux hôtels, tavernes, restaurants, que les plateaux commencent à être exigés dans grandes quantités et étaient utilisés non seulement aux fins prévues, mais également pour la décoration intérieure. Bouquets lumineux, natures mortes, scènes de thé ou de chevauchée en troïka sont les sujets traditionnels des peintures sur plateaux qui ornaient les murs de ces établissements.

Les plateaux Zhostovo appartiennent à une tendance qui porte le nom général de « vernis russes ». Tout d’abord, à la fin du XVIIIe siècle, apparaît la peinture miniature en laque sur papier mâché. Le village de Danilkovo près de Fedoskino, les villages de Zhostovo et Ostashkovo étaient célèbres pour la production de boîtes, tabatières, boîtes, verres à crayons, étuis à cigarettes, albums, crackers, portefeuilles - objets décorés de peintures miniatures. Les artistes de l'époque se tournaient vers œuvres célèbres peinture de chevalet, gravures, interprétant librement ce qu'ils ont créé leurs œuvres. Issue du courant dominant des miniatures en laque, la production de plateaux est progressivement devenue un métier indépendant. Le point de départ se situe en 1807, lorsque l'atelier de Philippe Nikititch Vishnyakov commença à travailler à Zhostovo. Bien que la fondation de la pêcherie soit associée au nom d'un autre Vishnyakov - Osip Filippovich. Au milieu du XIXe siècle, il y avait déjà douze ateliers dans le quartier : Belyaev, Mitrofanov, Zaitsev, Leontyev et autres. L'artisanat s'est développé et les plateaux ont commencé à être fabriqués non seulement en papier mâché, mais aussi en fer. Sans aucun doute, à cet égard, l'influence du célèbre centre de production de plateaux de Nizhny Tagil depuis le XVIIIe siècle.

Si au début les propriétaires travaillaient sur un pied d'égalité avec les ouvriers, dans les années 1870-1880, ils se transformèrent de plus en plus en entrepreneurs. Au cours de ces années, l'industrie des plateaux près de Moscou comptait plus de 240 ouvriers embauchés. Habituellement, trois personnes travaillaient sur un plateau : un maréchal-ferrant qui fabriquait le moule, un putter qui apprêtait la surface et un peintre qui peignait le plateau. Après séchage, l'apprêt l'a recouvert de vernis.

Au début du XXe siècle, après avoir maîtrisé toutes les choses les plus intéressantes de la production de plateaux à Saint-Pétersbourg, de Nijni Tagil, des miniatures en laque près de Moscou, de la peinture sur chevalet, de la peinture sur porcelaine et d'autres formes d'art, les artistes de Zhostovo ont formé leur propre style, basé après tout avant tout sur le développement de leurs traditions locales. Un système a été développé, un canon pictural professionnel qui est encore aujourd'hui inhérent à l'art de Zhostovo. Dans la séquence de techniques d'écriture multicouche de Zhostovo, une sorte d'alphabet est enregistré, qui est absorbé par les maîtres, appelé « avec du lait ». Ombrage, ombrage, pose, mise en valeur, dessin, nouage - telles sont les « étapes » qui, à partir des silhouettes généralisées de fleurs et de feuilles d'ombrage, ont conduit à la création de compositions complexes avec les moindres détails de nouage, de combinaison de fleurs en bouquets et de connexion. avec le fond. Et ce n'est qu'en maîtrisant « parfaitement » cet alphabet, en ayant appris à « prononcer clairement les mots les plus difficiles », que l'artiste reçoit la Liberté tant attendue. Désormais, la main du Maître a le droit de le guider sur ses propres sentiers de jardins magiques dans lesquels vivent des oiseaux de paradis et, en improvisant magistralement, de créer toujours de nouveaux bouquets d'une beauté fabuleuse.

Communiquer avec maîtres célèbres divers métiers russes, j'ai remarqué qu'ils sont tous talentueux non seulement dans leur métier principal, mais souvent dans de nombreux autres domaines d'activité. Il y a quelques années, Nikolai Gushchin, artiste du peuple de Russie, artiste en chef de l'artisanat de Nijni Novgorod « Khokhloma Artist », a participé au festival de l'île de Buyan à Sotchi. Il a émerveillé les participants non seulement par les œuvres présentées à l'exposition, la peinture talentueuse qu'il a démontrée lors de la master class, mais aussi... par son merveilleux don de danseur ! Comme il a dansé au banquet ! Peu d’hommes peuvent se vanter de telles capacités. Et encore une chose : le regard de l’artiste arrache sans cesse à la réalité environnante les éléments nécessaires à la créativité, et chaque créateur a les siens. Je me souviens comment, étant venu me rendre visite, Gushchin a immédiatement trouvé de nouvelles idées pour ses peintures : dès la première minute de promenade dans le jardin, il a cueilli une fleur discrète. En regardant avec admiration les boucles de « l'herbe », il a déclaré qu'il n'avait jamais rien vu de tel dans la zone médiane et qu'il l'utiliserait certainement dans ses peintures. Il enveloppa soigneusement le brin d'herbe et le mit dans sa poche. Les fleurs sont le motif le plus populaire des peintures de l’artisanat artistique russe.

C'est ainsi que les traditions se développent. Chaque artiste apporte aux canons établis ce qu'il a vu et vécu. Chaque auteur a son propre style. Les professionnels peuvent facilement distinguer les « mains » des maîtres par la nature des traits et, notant l'individualité nourrie par le travail et le talent, ils donnent souvent des définitions qui ne sont en aucun cas des termes d'histoire de l'art. Ils appellent avec enthousiasme le coup de pinceau de l'artiste émérite de Russie Larisa Gontcharova, maître de la peinture de Zhostovo, « dansant ». Larisa chante comme... pendant qu'elle écrit ses célèbres fleurs (ou écrit pendant qu'elle chante !).

Travaux de diplôme de Larisa Goncharova à l'école d'art du nom. Kalinina a été très appréciée par la commission et envoyée au VDNKh, et Larisa a reçu un prix du Comité central du Komsomol.

Enfant, Larisa a étudié la chorégraphie, mais ayant reçu le métier d'artiste, elle a chanté pendant de nombreuses années dans l'ensemble folklorique « Rus » et a fait des tournées. C'est aussi une créatrice de mode née ; elle peut se coudre une belle tenue du jour au lendemain. Essayez de le répéter : une robe en taffetas avec bordure en lapin, peinte de fleurs de Zhostovo - exclusive !

Un caractère positif et de brillantes inclinations artistiques se reflétaient naturellement dans la peinture. D’où le trait « dansant » !

Artiste de la quatrième génération, Larisa a pu observer dès son enfance toutes les étapes de la création des célèbres plateaux de Zhostovo, en courant vers le travail de sa mère (heureusement, l'usine de peinture décorative de Zhostovo était située à côté de la maison !), même si elle n'avait pas l'intention de suivre ses traces. Mais maman était femme sage et a pu la guider progressivement sur le bon chemin. C’est là que les gènes ont évidemment joué un rôle. Après tout, le même Timofey Maksimovich Belyaev, qui possédait dans les années 1830 son propre atelier de fabrication de plateaux à Zhostovo, était l'arrière-grand-père de la mère de Larisa Goncharova, Nina Nikolaevna, Artiste du peuple Russie, lauréate du Prix d'État du nom. I.E. Repin.

L'histoire de la pêche avant la guerre ne nous a laissé que prénoms masculins. Mais 1941 bouleverse la vie du pays et commence à écrire son histoire dans tous les domaines et sphères de la vie. Les hommes ont été emmenés au front. Et pour la première fois, pour que l'industrie de Zhostovo, déjà vieille de plus de 100 ans, ne périsse pas, six filles de 13 à 14 ans ont été embauchées à l'usine. Parmi eux se trouvait Nina Belyaeva (plus tard par son mari Goncharova). Enfance militaire en production - ceci est un article séparé. Vous pouvez écrire des romans et réaliser des longs métrages ! Nina Nikolaevna a raconté comment elles, petites filles, transportaient sur elles des bûches de la forêt pour produire de la chaleur et peignaient des canettes, car il n'y avait pas de fer (tout le métal était utilisé pour la défense). Il est peu probable qu'au cours de ces années-là, Nina ait pu présenter ses œuvres dans les collections de musées et les meilleures salles d'exposition paix! Évidemment : peu importe les murs, les sols, les pots et les bocaux peints par la main de votre enfant. Il est important de savoir qui « mise » cette main. Les filles ont été instruites par le maître le plus âgé Andrei Pavlovich Gogin, qui a joué un rôle exceptionnel dans l'histoire de Zhostovo. C'est Gogin qui, dans les années 20 du siècle dernier, est devenu un organisateur actif de l'artel, sur la base duquel il a créé de nombreuses œuvres exceptionnelles et enseigné les savoir-faire traditionnels à de nombreux étudiants. Il faisait partie de ceux dont les activités ont contribué à survivre à la crise qui a perturbé le travail de pratiquement tous les métiers populaires au début du XXe siècle. En 1928, les artels ont fusionné en un seul - « Plateau métallique », qui en 1960 a été rebaptisé Usine de peinture décorative de Zhostovo. Toutes ces étapes ont constitué la vie d'Andrei Pavlovich, et après la guerre, de 1948 à 1961, il a dirigé la pêcherie en tant que directeur artistique et l'artiste principal. À cette époque, l'équipe d'artistes de Zhostovo devait encore surmonter les tentatives des agences gouvernementales soviétiques, qui ont commencé dans les années 20 et 30, de changer la direction établie du développement de l'artisanat en introduisant une simple déclaration de réalisme. De telles innovations pourraient détruire tout un mouvement de l’art russe. Mais les grands maîtres ont su résister à cette situation, dirigeant la mise en œuvre de nouvelles idées pour approfondir l’artisanat traditionnel.

Dans son travail, Gogin expérimente la forme des plateaux et les schémas de composition, utilisant des incrustations de nacre, des fonds colorés et dorés. Son don lyrique est resté inchangé, qu'il a transmis à son élève, Nina Goncharova. Depuis plus d'un demi-siècle, elle crée des œuvres qui nous ravissent par leur perfection.

Il est prouvé depuis longtemps qu'une personne qui ne vit pas dans la région où l'artisanat est né et s'est développé ne deviendra jamais son représentant et ne pourra pas développer des traditions. L'art de l'artisanat populaire russe n'est vraiment vivant que dans pays natal et s'en inspire. Malgré cela, dans différentes régions de notre pays et dans de nombreux pays du monde, il existe des gens passionnément attirés par la beauté de l'art russe et rêvant de maîtriser au moins les bases de l'artisanat. C'est pourquoi nos artistes sont invités à différents pays, organiser des écoles, animer des master classes. Larisa voyage souvent à l'étranger et enseigne aux étrangers. Tout le monde peut apprendre les bases de la peinture de Zhostovo, mais tout le monde ne peut pas être un artiste de cette peinture. Les étrangers étudient parce que c’est nouveau pour eux. Pour beaucoup, la connaissance de l’art russe s’est limitée pendant de nombreuses années aux poupées gigognes. Pour certains, c’est désormais du divertissement, pour d’autres, c’est du business. L. Goncharova a enseigné en Australie et à Taiwan. Elle a eu l'occasion de visiter l'Amérique à plusieurs reprises : des studios d'art dans 8 États ont organisé ses master classes. Et un jour, une telle master class sur plateaux de peinture s'est transformée en un spectacle véritable et unique : elle s'est déroulée sur fond de représentation d'un ensemble folklorique, dont les participants étaient vêtus de costumes russes chics et colorés. Larisa a également chanté, alternant ses performances et son enseignement. Dans un costume luxueux, elle était assise derrière un plateau sur fond d'ensemble ! Des Américaines ont couru voir la chanteuse-artiste se changer en une minute : le spectacle était à couper le souffle !

« Les pays étrangers nous aideront » est une expression si familière à tout le monde. Classique. Participer à dernières années Les voyages prolongés de nos artistes à l'étranger le confirment sans humour. Conditions de travail et de vie, les salaires y sont infiniment plus élevés ! Bien que non, vous pouvez le « mesurer », mais vous ne voulez pas ! L'argent, c'est bien : le maître n'est pas seulement satisfait du fait qu'il peut acheter du pain et du beurre. L'argent est une « mesure », une appréciation du créateur : « Ils me paient bien, ce qui veut dire qu'ils valorisent mon talent et les œuvres que je crée. Voilà, j'ai réussi quelque chose ! Ce n’est pas en vain que j’ai étudié et travaillé dur ! Il s'avère que l'argent est une incitation à travailler plus loin ! Mais la phrase : « Un artiste doit avoir faim »... Affamez-vous, messieurs !

Les temps changent, la peinture de Zhostovo, répondant aux tendances de la mode, décore désormais non seulement les plateaux traditionnels, mais aussi d'autres objets d'intérieur : armoires, tables, coffres, boîtes... et même des seaux ! S'il y avait des commandes : on pourrait peindre à la fois des chaussures et une robe. Et c'est vraiment beau. Il y a plusieurs années, l'exposition « Tout sur la structure du monde » s'est tenue à Moscou. Les organisateurs ont ordonné à Larisa Goncharova de peindre l'ordinateur. Le résultat était un artefact merveilleux et inhabituel !

Et pourtant artistes talentueux les artisans font tout pour préserver le plateau de Zhostovo comme un phénomène de la culture russe. Et "Fleurs des Gontcharov", avec son lyrisme subtil et la beauté exquise de la peinture, brise les chaînes quotidiennes de nos mains et de nos pieds et nous procure un sentiment de liberté et de joie !

Natalia Tsygikalo