Mérites artistiques des « Contes sur l'étagère. Un essai sur le thème Les mérites artistiques du roman « Un héros de notre temps » Quels sont les mérites artistiques

Concept artistique

Mot " art" tant en russe que dans de nombreuses autres langues, il est utilisé dans deux sens :

• V étroit sens-le formulaire spécifique exploration pratique et spirituelle du monde;
• V large- le plus haut niveau de compétence, de compétence, quelle que soit la manière dont elle se manifeste (l'art de poêle, de médecin, de boulanger, etc.).

- un sous-système spécial de la sphère spirituelle de la vie sociale, qui est une reproduction créative de la réalité dans des images artistiques.

L'art s'appelait à l'origine haut degré maîtrise en toute matière. Ce sens du mot est encore présent dans la langue lorsque l'on parle de l'art d'un médecin ou d'un enseignant, d'un art martial ou d'un art oratoire. Plus tard, le concept « d'art » a commencé à être de plus en plus utilisé pour décrire des activités spéciales visant à refléter et à transformer le monde conformément à normes esthétiques, c'est-à-dire selon les lois de la beauté. Dans le même temps, le sens originel du mot a été préservé, car pour créer quelque chose de beau, il faut la plus haute compétence.

Sujet l'art est le monde et l'homme dans la totalité de leurs relations les uns avec les autres.

Forme d'existence art - une œuvre d'art (poème, peinture, performance, film, etc.).

L'art utilise également des des fonds pour reproduction de la réalité réelle : pour la littérature c'est un mot, pour la musique - le son, pour les beaux-arts - la couleur, pour la sculpture - le volume.

Cible l'art est double : pour le créateur, c'est une expression artistique de soi, pour le spectateur, c'est la jouissance de la beauté. En général, la beauté est aussi étroitement liée à l’art que la vérité à la science et la bonté à la morale.

L'art est une composante importante de la culture spirituelle de l'humanité, une forme de connaissance et de reflet de la réalité qui entoure une personne. En termes de potentiel de compréhension et de transformation de la réalité, l’art n’est pas inférieur à la science. Cependant, les manières de comprendre le monde par la science et l'art sont différentes : si la science utilise pour cela des concepts stricts et sans ambiguïté, alors l'art le fait.

L’art, en tant que branche indépendante de la production spirituelle, est né de la production matérielle et y a été initialement intégré comme un moment esthétique, mais purement utilitaire. C'est un artiste par nature et il s'efforce d'apporter de la beauté partout, d'une manière ou d'une autre. L'activité esthétique humaine se manifeste constamment dans la vie quotidienne, vie publique, et pas seulement dans l'art. Événement exploration esthétique du monde une personne sociale.

Fonctions de l'art

L'art réalise une série fonctions publiques.

Fonctions de l'art peut être distingué, résumant ce qui a été dit :

• fonction esthétique permet de reproduire la réalité selon les lois de la beauté, forme le goût esthétique ;
• fonction sociale se manifeste dans le fait que l'art a un impact idéologique sur la société, transformant ainsi la réalité sociale ;
• fonctions compensatoires vous permet de retrouver la tranquillité d'esprit, de résoudre problèmes psychologiques, pour « s'évader » un moment de la monotonie du quotidien, pour compenser le manque de beauté et d'harmonie du quotidien ;
• fonction hédonique reflète la capacité de l'art à apporter du plaisir à une personne ;
• fonction cognitive permet de comprendre la réalité et de l'analyser à l'aide d'images artistiques ;
• fonction pronostique reflète la capacité de l'art à faire des prévisions et à prédire l'avenir ;
• fonction éducative se manifeste dans la capacité des œuvres d’art à façonner la personnalité d’une personne.

Fonction cognitive

Tout d'abord ceci pédagogique fonction. Les œuvres d’art sont de précieuses sources d’informations sur des processus sociaux complexes.

Bien sûr, tout dans le monde qui nous entoure ne s'intéresse pas à l'art, et si c'est le cas, alors à des degrés divers, et dans l'approche même de l'art à l'objet de sa connaissance, la perspective de sa vision est très spécifique par rapport aux autres formes de conscience sociale. L'objet principal de la connaissance en art a toujours été et reste. C'est pourquoi l'art en général et en particulier fiction appelées études humaines.

Fonction éducative

Pédagogique fonction - la capacité d'avoir un impact important sur le développement idéologique et moral d'une personne, par l'auto-amélioration ou le déclin.

Pour autant, les fonctions cognitives et éducatives ne sont pas spécifiques à l’art : d’autres formes de conscience sociale remplissent également ces fonctions.

Fonction esthétique

La fonction spécifique de l'art, qui en fait un art au vrai sens du terme, est esthétique fonction.

En percevant et en comprenant une œuvre d'art, nous assimilons non seulement son contenu (comme le contenu de la physique, de la biologie, des mathématiques), mais nous transmettons ce contenu à travers le cœur, les émotions, et donnons aux images sensuellement spécifiques créées par l'artiste une évaluation esthétique comme beau ou laid, sublime ou vil, tragique ou comique. L'art façonne en nous la capacité de donner de telles évaluations esthétiques, de distinguer le vraiment beau et le sublime de toutes sortes d'ersatz.

Fonction hédonique

Les aspects cognitif, éducatif et esthétique se confondent dans l’art. Grâce au moment esthétique, nous apprécions le contenu d'une œuvre d'art et c'est dans le processus de jouissance que nous sommes éclairés et éduqués. À cet égard, ils parlent de hédonistique(traduit du grec - plaisir) fonctions art.

Pendant de nombreux siècles, le débat sur la relation entre la beauté dans l’art et la réalité s’est poursuivi dans la littérature socio-philosophique et esthétique. Dans ce cas, deux positions principales se révèlent. Selon l'un d'eux (en Russie, il a été soutenu par N.G. Chernyshevsky), le beau dans la vie est toujours et à tous égards supérieur au beau dans l'art. Dans ce cas, l’art apparaît comme une copie de personnages et d’objets typiques de la réalité elle-même et comme un substitut de la réalité. Évidemment, un concept alternatif est préférable (G.V.F. Hegel, A.I. Herzen, etc.) : le beau dans l'art est supérieur au beau dans la vie, puisque l'artiste voit plus précisément et plus profondément, se sent plus fort et plus lumineux, et c'est pourquoi il peut inspirer par son art l'art des autres. Autrement (étant un substitut ou même un double), l’art ne serait pas nécessaire à la société.

Oeuvres d'art, étant l'incarnation objective du génie humain, devient la spiritualité et les valeurs les plus importantes transmises de génération en génération, propriété d'une société esthétique. La maîtrise de la culture et l’éducation esthétique sont impossibles sans exposition à l’art. Les œuvres d'art des siècles passés capturent le monde spirituel de milliers de générations, sans maîtriser lequel une personne ne peut devenir une personne au vrai sens du terme. Chaque personne est une sorte de pont entre le passé et le futur. Il doit maîtriser ce que la génération précédente lui a laissé, comprendre de manière créative son expérience spirituelle, comprendre ses pensées, ses sentiments, ses joies et ses souffrances, ses hauts et ses bas, et transmettre tout cela à ses descendants. C’est la seule façon dont l’histoire évolue, et dans ce mouvement une immense armée appartient à l’art, exprimant sa complexité et sa richesse. monde spirituel personne.

Types d'art

La principale forme d'art était une forme spéciale syncrétique complexe (indivis) activité créative. Pour homme primitif il n’y avait ni musique, ni littérature, ni théâtre séparés. Tout était fusionné en une seule action rituelle. Plus tard, des types d’art distincts ont commencé à émerger de cette action syncrétique.

Types d'art- ce sont des formes historiquement établies de réflexion artistique du monde, utilisant des moyens particuliers pour construire une image - le son, la couleur, le mouvement du corps, les mots, etc. Chaque type d'art a ses propres variétés particulières - genres et genres, qui, ensemble, offrent une variété d'attitudes artistiques face à la réalité. Considérons brièvement les principaux types d'art et certaines de leurs variétés.

Littérature utilise des moyens verbaux et écrits pour construire des images. Il existe trois principaux types de littérature : le drame, la poésie épique et lyrique et de nombreux genres : la tragédie, la comédie, le roman, le conte, le poème, l'élégie, la nouvelle, l'essai, le feuilleton, etc.

Musique utilise des moyens sonores. La musique est divisée en vocale (destinée au chant) et instrumentale. Genres musicaux - opéra, symphonie, ouverture, suite, romance, sonate, etc.

Danse utilise des mouvements plastiques pour construire des images. Il y a du rituel, du folk, de la salle de bal,

danse moderne, ballet. Directions et styles de danse - valse, tango, foxtrot, samba, polonaise, etc.

Peinture affiche la réalité sur un plan en utilisant la couleur. Genres de peinture : portrait, nature morte, paysage, ainsi que genres quotidiens, animaliers (représentations d'animaux), historiques.

Architecture forme l'environnement spatial sous la forme de structures et de bâtiments pour la vie humaine. Il est divisé en résidentiel, public, jardinage, industriel, etc. Également distingué styles architecturaux- Gothique, Baroque, Rococo, Art Nouveau, Classicisme, etc.

Sculpture crée oeuvres d'art ayant un volume et une forme tridimensionnelle. La sculpture peut être ronde (buste, statue) et en relief (image convexe). Par taille, il est divisé en chevalet, décoratif et monumental.

Arts et artisanat liés aux besoins appliqués. Cela inclut les objets artistiques pouvant être utilisés dans la vie quotidienne - vaisselle, tissus, outils, meubles, vêtements, bijoux, etc.

Théâtre organise une représentation scénique spéciale à travers la performance d'acteurs. Le théâtre peut être dramatique, opéra, de marionnettes, etc.

Cirque présente une performance spectaculaire et divertissante avec des numéros inhabituels, risqués et amusants dans une arène spéciale. Il s'agit de l'acrobatie, de l'équilibrisme, de la gymnastique, de l'équitation, de la jonglerie, des tours de magie, de la pantomime, du clown, du dressage des animaux, etc.

Film est le développement d’une représentation théâtrale basée sur des moyens techniques audiovisuels modernes. Les types de cinéma comprennent les longs métrages, les documentaires et l'animation. Les genres comprennent des comédies, des drames, des mélodrames, des films d'aventure, des romans policiers, des thrillers, etc.

Photo capture des images visuelles documentaires à l'aide de moyens techniques - optiques, chimiques ou numériques. Les genres de la photographie correspondent aux genres de la peinture.

Scène comprend les petites formes d'arts du spectacle - théâtre, musique, chorégraphie, illusions, numéros de cirque, performances originales, etc.

Aux types d'art répertoriés, vous pouvez ajouter des graphiques, des arts radiophoniques, etc.

Pour montrer caractéristiques communes différents types d'art et leurs différences, divers motifs de classification ont été proposés. Ainsi, on distingue les types d'art :

• par le nombre de moyens utilisés - simples (peinture, sculpture, poésie, musique) et complexes ou synthétiques (ballet, théâtre, cinéma) ;
• en termes de rapport entre les œuvres d'art et la réalité - picturale, représentant la réalité, la copiant (peinture réaliste, sculpture, photographie) et expressive, où la fantaisie et l'imagination de l'artiste créent une nouvelle réalité (ornement, musique) ;
• par rapport à l'espace et au temps - spatial (beaux-arts, sculpture, architecture), temporel (littérature, musique) et spatio-temporel (théâtre, cinéma) ;
• par époque d'origine - traditionnelle (poésie, danse, musique) et nouvelle (photographie, cinéma, télévision, vidéo), utilisant généralement des moyens techniques assez complexes pour construire une image ;
• selon le degré d'applicabilité dans la vie quotidienne - appliqué (arts décoratifs et appliqués) et raffiné (musique, danse).

Chaque type, genre ou genre reflète un côté ou une facette particulière de la vie humaine, mais pris ensemble, ces composantes de l’art fournissent une image artistique complète du monde.

Besoin de créativité artistique ou la jouissance des œuvres d’art augmente avec l’augmentation du niveau culturel d’une personne. L’art devient d’autant plus nécessaire qu’une personne s’éloigne de l’état animal.

02 août 2010

Les techniques donnent le droit de le considérer comme l'un des chefs-d'œuvre de la littérature dramatique. Admirant la pièce de L'Orage, I. A. Gontcharov a écrit : « Peu importe de quel côté on la prend, que ce soit du plan de création, ou du mouvement dramatique, ou, enfin, des personnages, partout elle est capturée avec le pouvoir de la créativité, la subtilité de observation et grâce à la finition". Gontcharov a particulièrement souligné le caractère typique des images de « L'Orage » : « Chaque visage du drame est un personnage typique, arraché directement à l'environnement. vie populaire. j'en ai donné un tout monde diversifié personnalités existantes à chaque étape. A cela, nous pouvons ajouter que la ville de Kalinov elle-même, représentée dans.

L'action du drame se révèle avec un schéma intérieur profond, harmonieux et naturel. Dans le même temps, le dramaturge utilise habilement des techniques de composition qui confèrent à la pièce une qualité scénique particulière et le mouvement de l'action - netteté et tension. C'est la technique consistant à utiliser le paysage tout au long de la pièce.

Le paysage remplit une double fonction dans The Thunderstorm. Au début de la pièce, il est le décor sur lequel se déroule l'action dramatique.

Il semble souligner le décalage entre la vie morte et immobile des Kalinovites et leur « morale cruelle", d'une part, et les beaux dons de la nature, que les Kalinovites ne savent pas apprécier, d'autre part. Ce paysage est vraiment magnifique. L'admirant, il dit à Boris :

• « D’accord, monsieur, allons faire un tour maintenant.
• Silence, grand air,
• A cause de la Volga, les prairies sentent les fleurs, le ciel est clair.
• Un abîme ouvert, un régiment d'étoiles.
• Le nombre des étoiles est ket, le fond de l’abîme.

Mais Kuligin, un rêveur, est seul dans la ville avec son attitude enthousiaste envers la nature. L'indifférence à l'égard de tout ce qui est élégant et beau apparaît d'autant plus clairement de la part des Wild et des Kabanov, prêts à étouffer toute manifestation de bon sentiment naturel dans leur environnement. Les orages jouent un rôle différent dans la pièce des premier et quatrième actes. Un orage dans la nature, un orage atmosphérique, envahit ici directement le drame spirituel de l’héroïne, influençant l’issue même de ce drame. Cela arrive au moment des expériences les plus intenses de Katerina.

Dans l'âme de Katerina, sous l'influence d'un sentiment d'amour pour Boris, la confusion commence. Elle révèle son secret à Varvara et se débat entre deux sentiments : l'amour pour Boris et la conscience du péché, de « l'illégalité » de cet amour. Katerina a l'impression qu'une sorte de désastre l'approche, terrible et inévitable, et à ce moment-là, un orage commence. "Tempête! Rentrons à la maison ! Dépêche-toi!" - s'exclame-t-elle avec horreur. Le premier coup de tonnerre se fait entendre - et Katerina Skova s'exclame : "Oh, dépêche-toi, dépêche-toi !" C'est le premier acte de la pièce. Mais maintenant, la tempête approche à nouveau :

Femme. Eh bien, le ciel a tout recouvert. Exactement avec le capuchon, il l'a recouvert.

1er marcheur. Eco, mon frère, c'est comme si un nuage s'enroulait comme une balle, comme s'il y avait quelque chose de vivant dedans qui se tournait et se retournait.

2ème marcheur. Souvenez-vous de ma parole : cette tempête ne sera pas vaine... Soit elle tuera quelqu'un, soit la maison brûlera...

Katerina (écoutant). Que disent-ils ? On dit qu'il va tuer quelqu'un... Tisha, je sais qui il va tuer... Il va me tuer. Un orage éclate et les nerfs tendus de Katerina ne peuvent pas le supporter : elle se repent publiquement de sa culpabilité. Un coup de tonnerre – et elle perd connaissance.

Le rôle de la vieille « dame aux deux valets de pied » est également important du point de vue de la composition. Son apparition coïncide également avec des images d’orages. « Ce serait une sorte de péché », dit Katerina. « Une telle peur m'envahit, telle ou telle peur m'envahit ! C’est comme si je me trouvais au-dessus d’un abîme et que quelqu’un me poussait là-bas… »

Oka a peur de la tentation, du « terrible péché » de l'amour interdit - et puis la vieille femme apparaît avec ses discours inquiétants : « Quoi, beautés ? Que faites-vous ici? Vous attendez des gentils messieurs ? Est-ce que tu t'amuses ? Drôle? Votre beauté vous rend heureuse ? Ici, ici, directement dans le tourbillon », prophétise-t-elle le sort de Katerina. Au loin, au-delà de la Volga, des nuages ​​rampent et enveloppent le ciel avant un orage.

La dame avec un bâton et deux valets de pied avec des tricornes sont à nouveau représentés de dos au moment de la plus haute tension de la pièce. Le tonnerre frappe. Katerina entend à nouveau les paroles de la vieille folle : « Pourquoi te caches-tu ? Il n'y a pas besoin de se cacher ! Apparemment tu as peur : tu ne veux pas mourir !.. Il vaut mieux aller dans la piscine en beauté. Vous brûlerez tous dans un feu inextinguible ! Katerina, horrifiée, court jusqu'au mur de la galerie et, comme exprès, s'agenouille à côté du tableau représentant la « Géhenne ardente » : « L'enfer ! Enfer! Enfer! Géhenne de feu ! Kabanova, Kabanov et Varvara l'entourent. Mon cœur tout entier a éclaté ! Je n'en peux plus. Mère! Tikhon ! Je suis un pécheur devant Dieu"

Kudryash, contrairement à Boris, est vif, courageux, adroit, capable de se défendre même devant le Wild ; il regarde simplement et facilement Varvara, n'est pas tourmenté par des remords, comme Katerina, et ne comprend même pas son tourment. « À mon avis, explique-t-elle, faites ce que vous voulez, du moment que c’est sûr et couvert. » Varvara ne se laisse pas offenser, ne cède pas à sa mère et, défendant sa liberté, s'enfuit de chez elle avec Kudryash.

Ostrovsky souligne les qualités caractéristiques des héros portant les noms de famille dits significatifs ou figuratifs, à l'aide desquels l'auteur révèle le monde intérieur de ses héros, les traits dominants de leur caractère (Dikoy - un homme sauvage, Kudryash - un frisé -un bon garçon aux cheveux, Tikhon - un homme calme, Kuligin - semblable à Kulibin ). Cette méthode de caractérisation est généralement largement utilisée dans la dramaturgie d'Ostrovsky, et ses héros ne portent pas seulement des noms de famille et des noms allégoriques : Gordey et Lyubim Tortsov dans « La pauvreté n'est pas un vice », Power Terrible dans les scènes dramatiques « La vérité est bonne, mais Mieux", Lup Lupych - un responsable de "Abyss", etc.

Ainsi, Kuligin, admirateur de Lomonossov et de Derjavin, est quelque peu démodé. Vous pouvez y ressentir l'influence de phrases livresques en slave de l'Église. La langue de Kudryash est parsemée de mots familiers (libre, allons-y... déchaîné) proverbes populaires, dictons et proverbes ; L'éloquence du greffier y est également visible.

La vagabonde Feklusha tisse ses paroles flatteuses, parle de ses merveilleuses « visions » et des terres « où tout le monde a des têtes de chien » - et elle se présente naturellement comme une hypocrite et une sainte, vivant de l'obscurité et de l'ignorance philistines.

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VALEUR ARTISTIQUE - une œuvre d'art dans sa relation avec les besoins et intérêts humains les plus élevés, réalisée dans ses mérites et fonctions artistiques de contenu, grâce à laquelle elle a un impact positif sur les sentiments, l'esprit, la volonté des personnes, contribuant à leur développement spirituel.

La valeur artistique représente le contenu émotionnel, sensori-psychologique et idéologique d'une œuvre en tant que système d'images, un ensemble de significations qu'elle contient et les significations générées par elle. Puisque ce contenu est objectivé par l'auteur à l'aide d'un « constructeur-porteur » (créé à partir d'un certain matériau conformément aux lois de ce type d'art), les qualités qui résultent du traitement artistique de ce matériau sont également précieux. Ces qualités (unité organique de forme et de contenu, harmonie compositionnelle, harmonie, complétude, expressivité, véracité artistique des moyens, intelligibilité linguistique) acquièrent une valeur esthétique en tant que perfection atteinte, manifestation de talent, preuve d'habileté.

La valeur artistique est formée par l'unité de valeurs objectives et de significations qui surviennent lors de l'élaboration d'une œuvre. Selon le genre de l'œuvre, son objectif et les aspects de son contenu qui lui sont organiques (psychologiques, socio-analytiques, philosophiques, etc.), certaines des significations de valeurs possibles peuvent prévaloir dans cette unité (par exemple, cognitives, éducatives, sociales). mobilisateur, hédoniste etc.).

Véritablement travaux importants l'art appartient aux artistes qui créent pour le bien de l'homme et donc protègent, affirment et poétisent des valeurs importantes de la vie et de la culture. En même temps, l’œuvre elle-même est créée comme valeur artistique potentielle. Il devient une valeur publique dans la mesure où les significations et les pensées de l'auteur qu'il contient sont reconnues, ses mérites sont reconnus et ses fonctions sont développées et mises en œuvre. Cette assimilation étant réalisée par des sujets dont les orientations de valeurs ne sont pas identiques, l'œuvre reçoit une évaluation non identique. Selon le concept relativiste, qui ignore la dialectique des relations esthétiques sujet-objet, la valeur artistique est interprétée en fonction d'une évaluation et s'avère découler des orientations, des goûts et des opinions de l'une ou l'autre partie du public ou d'un individu. destinataire. Ainsi, les produits d'avant-garde, les produits pseudo-artistiques, perçus comme des phénomènes artistiques, sont inclus dans la sphère de la valeur artistique. Selon le concept marxiste, une qualification adéquate de la valeur artistique n'est possible qu'à la condition que le sujet de l'attitude évaluative ait une culture générale, une éducation artistique appropriée, un bon goût esthétique et orientation vers la valeur, correspondant aux tendances du progrès social et culturel. La variabilité historique du goût artistique non seulement n'exclut pas, mais présuppose la continuité des idées sur des mérites bien définis qui ont une valeur durable et sur les critères correspondants.

La valeur artistique est inégale dans sa signification objective, qui est déterminée par le degré de profondeur du sujet de l'exposition, de l'idéologie, de l'originalité créative et de l'innovation. Valeur la plus élevée posséder des œuvres qui, avec une aspiration humaniste et une véracité, contiennent des acquisitions et des découvertes créatives, incarnent de profondes généralisations des relations sociales, des personnages et des destins humains, des états et des sentiments psychologiques universellement significatifs. En fonction de la spécificité du sujet et de la problématique de l'œuvre, ses significations de valeur peuvent être principalement « situationnelles », de nature historique spécifique, ou avoir une universalité. Les significations des valeurs universelles surviennent dans des conditions historiques, sociales, nationales et des contextes culturels spécifiques. Cependant, si les conditions de vie des gens, leurs stéréotypes psychologiques, leurs mœurs et leurs coutumes changent, alors les questions fondamentales sur le sens de la vie et le bonheur humain, sa dignité et la recherche de l’harmonie dans les relations avec les autres restent généralement importantes. Les œuvres qui soulèvent et discutent de ces questions « éternelles » et contiennent des significations universelles ouvertes à la lecture par des personnes de différentes nations et de différentes époques acquièrent le statut de valeurs artistiques universelles. Ainsi, grâce à la certitude des propriétés de la « personne humaine » et à la présence de constantes axiologiques de la conscience esthétique humaniste, il devient possible d'hériter des valeurs artistiques, de leur échange international, de l'émergence et de l'enrichissement de leur fonds universel.

Ayant pris connaissance de la composition inhabituelle et complexe du roman «Un héros de notre temps», je voudrais souligner les mérites artistiques du roman. Le paysage de Lermontov a une caractéristique très importante : il est étroitement lié aux expériences des personnages, exprime leurs sentiments et leurs humeurs, tout le roman est imprégné d'un lyrisme profond. C'est là que naissent l'émotivité passionnée et l'excitation dans ses descriptions de la nature, créant un sentiment de musicalité dans sa prose. Le fil argenté des rivières et le brouillard bleuâtre glissant sur l'eau, s'échappant des rayons chauds dans les gorges des montagnes, et l'éclat de la neige sur les crêtes des montagnes - les couleurs précises et fraîches de la prose de Lermontov sont très fiables. Dans « Bel », nous sommes enchantés par les images fidèlement dessinées de la morale des montagnards, de leur mode de vie dur, de leur pauvreté. Lermontov écrit : « Le saklya était collé d'un côté au rocher, trois marches mouillées menaient à sa porte. Je suis entré à tâtons et j’ai croisé une vache ; je ne savais pas où aller : des moutons bêlaient par ici, un chien grommelait par là. Les peuples du Caucase ont vécu une vie difficile et triste, opprimés par leurs princes ainsi que par le gouvernement tsariste, qui les considérait comme des « natifs de Russie ». Montrant les côtés obscurs de la vie des montagnards, Lermontov sympathise avec le peuple. Les images majestueuses de la nature montagnarde sont dessinées avec beaucoup de talent. La description artistique de la nature dans le roman est très importante pour révéler l'image de Pechorin. Dans le journal de Pechorin, nous rencontrons souvent des descriptions de la nature associées à certaines pensées, sentiments, humeurs, ce qui nous aide à pénétrer son âme et à comprendre nombre de ses traits de caractère. Pechorin est une personne poétique, passionnée amoureux de la nature, qui sait transmettre au sens figuré ce qu'il voit. Souvent, ses pensées sur la nature semblent être liées à ses pensées sur les gens et sur lui-même. Pechorin décrit magistralement la nature de la nuit /son journal du 16 mai/ avec ses lumières aux fenêtres et ses « montagnes sombres et enneigées ». Parfois peintures naturelles Ils servent de motif de réflexion, de raisonnement et de comparaison. Un exemple d'un tel paysage est la description du ciel étoilé dans l'histoire « Fataliste », dont la vue l'amène à réfléchir sur le sort de la génération. Exilé à la forteresse, Pechorin s'ennuie ; la nature lui semble ennuyeuse. Le paysage ici permet également de comprendre l’état d’esprit du héros. Ceci est illustré par la description de la mer agitée dans le récit « Taman ». L'image qui apparaît à Grégoire depuis la place où le duel était censé avoir lieu, la vue du soleil, dont les rayons ne réchauffent pas Pechorin après le duel - toute la nature est triste. Ainsi, on voit que la description de la nature occupe une grande place a. révélant l'identité de Pechorin. Ce n'est que seul avec la nature que Pechorin éprouve la joie la plus profonde. « Je ne me souviens pas d’une matinée plus profonde et plus fraîche ! » - s'exclame Pechorin, émerveillé par la beauté du lever du soleil dans les montagnes. Les derniers espoirs de Pechorin se tournent vers les étendues infinies de la mer et le bruit des vagues. Se comparant à un marin né et élevé sur le pont d'un brick voleur, il dit que le sable côtier lui manque, qu'il écoute le rugissement des vagues venant en sens inverse et scrute au loin couvert de brouillard. Lermontov aimait beaucoup la mer, son poème « Voile » fait écho au roman « Héros de notre temps ». Pechorin recherche la « voile » souhaitée dans la mer. Ni pour Lermontov ni pour le héros de son roman, ce rêve ne s'est réalisé : la « voile désirée » n'est pas apparue et ne les a pas emportés vers une autre vie, vers d'autres rivages dans les dernières pages du roman. Pgchorin se décrit lui-même et sa génération comme « des descendants pathétiques, errant sur terre sans conviction ni fierté, sans plaisir ni peur ». L’image merveilleuse de la voile est le désir d’une vie insatisfaite. L'histoire « Princesse Mary » s'ouvre sur un paysage magnifique. Pechorin écrit dans son journal : « J'ai une vue magnifique de trois côtés. » Tchekhov appréciait Lermontov. Il a écrit ; « Je ne connais pas de meilleure langue que celle de Lermontov. J'ai appris à écrire grâce à lui. » Le langage du roman « Un héros de notre temps » a ravi les plus grands maîtres des mots. "Personne n'a jamais écrit dans notre pays avec une prose aussi correcte, belle et parfumée", a déclaré Gogol à propos de Lermontov. Comme Pouchkine, Lermontov cherchait l'exactitude et la clarté de chaque phrase, sa finition. Le langage du roman est le fruit du travail approfondi de l’auteur sur les manuscrits. La langue de Pechorin est très poétique, la structure flexible de son discours témoigne d'un homme de grande culture, possédant un esprit subtil et perspicace. La richesse du langage du roman repose sur la relation personnelle de Lermontov avec la nature. Il a écrit un roman dans le Caucase, la nature l'a inspiré. Particulièrement approfondi analyse psychologique caractérisé Partie centrale roman - "Journal de Pechorin". Pour la première fois dans la littérature russe, une telle exposition impitoyable de la personnalité du héros apparaît. Les expériences du héros sont analysées par lui avec « la rigueur d’un juge et d’un citoyen ». Pechorin dit: "J'essaie toujours de m'expliquer quel genre de sentiments bouillonnent dans ma poitrine." L'habitude de l'auto-analyse est complétée par les compétences d'observation constante des autres. En substance, toutes les relations de Pechorin avec les gens sont une sorte d’expériences psychologiques qui intéressent le héros par leur complexité » et le divertissent temporairement avec de la chance. C'est l'histoire de Bela, l'histoire de la victoire sur Marie. Le "jeu" psychologique avec Grushnitsky était similaire, que Pechorin trompait, déclarant que Marie ne lui était pas indifférente, afin de prouver plus tard sa déplorable erreur. Pechorin soutient que "l'ambition n'est rien de plus qu'une soif de pouvoir, et le bonheur n'est qu'une fierté pompeuse". Si A.S. Pouchkine est considéré comme le créateur du premier roman poétique réaliste sur la modernité, alors, à mon avis, Lermontov est l'auteur du premier roman social roman psychologique en prose, son roman se distingue par la profondeur de son analyse perception psychologique monde, décrivant son époque, Lermontov le soumet à une analyse critique approfondie, sans succomber à aucune illusion ni séduction. Lermontov montre tous les côtés les plus faibles de sa génération : froideur du cœur, égoïsme, infertilité de l'activité. Le réalisme de « Un héros de notre temps » est à bien des égards différent du réalisme du roman de Pouchkine. Laissant de côté les éléments quotidiens et l'histoire de la vie des héros, Lermontov se concentre sur leur monde intérieur, révélant en détail les motivations qui ont poussé tel ou tel héros à entreprendre une action. L'auteur dépeint toutes sortes de débordements de sentiments avec une telle profondeur, pénétration et détail que la littérature de son temps n'a pas encore connue. Beaucoup considéraient Lermontov comme le prédécesseur de Léon Tolstoï, et je suis tout à fait d'accord avec cela ; c'est de Lermontov que Tolstoï a appris les techniques permettant de révéler le monde intérieur des personnages, le portrait et le style de discours. Dostoïevski est également parti de l'expérience créatrice de Lermontov, mais les réflexions de Lermontov sur le rôle de la souffrance dans la vie spirituelle de l'homme, sur la dualité de la conscience, sur l'effondrement de l'individualisme forte personnalité Dostoïevski s'est transformé en une image de tension douloureuse et de souffrance douloureuse des héros de ses œuvres. La nature rebelle de Pechorin refuse la joie et la tranquillité d'esprit. Ce héros « demande toujours une tempête ». Sa nature est trop riche en passions et en pensées, trop libre pour se contenter de peu et ne pas exiger de grands sentiments, événements et sensations du monde. L'auto-analyse est nécessaire à l'homme moderne afin de corréler correctement son destin et son objectif avec la vraie vie pour comprendre votre place dans ce monde. Le manque de convictions est un véritable drame pour le héros et sa génération. Le «Journal de Pechorin» révèle un travail analytique vivant, complexe et riche de l'esprit. Cela nous prouve non seulement que personnage principal- un personnage typique, mais aussi le fait qu'en Russie il y a des jeunes tragiquement seuls, Pechorin se compte parmi les descendants pitoyables qui errent sur terre sans conviction. Il déclare : « Nous ne sommes plus capables de faire de grands sacrifices, ni pour le bien de l’humanité, ni même pour notre propre bonheur. » La même pensée est répétée par Lermontov dans le poème « Douma » : Nous sommes riches, à peine sortis du berceau, des erreurs de nos pères et de leurs esprits défunts, Et la vie nous tourmente déjà, comme un chemin lisse sans but, Comme un festin lors des vacances de quelqu'un d'autre. Toute personne véritablement russe se sent mal à l'aise à l'idée que M.Yu. Lermontov est décédé prématurément. Décider problème moral objectifs de la vie, le personnage principal de son œuvre, Grigori Pechorin, n'a pas pu utiliser ses capacités. « Pourquoi ai-je vécu ? Dans quel but suis-je né ? Mais c’est vrai, j’avais un objectif élevé, car je ressens une immense force dans mon âme », écrit-il. C’est dans cette incertitude que résident les origines de l’attitude de Pechorin envers son entourage. Il est indifférent à leurs expériences, alors il déforme sans hésitation le destin des autres. Pouchkine a écrit à propos de ces jeunes : « Il existe des millions de créatures à deux pattes ; pour eux, le nom est un. » En utilisant les mots de Pouchkine, on peut dire à propos de Pechorin que sa vision de la vie « reflétait le siècle, et homme moderne est représenté tout à fait correctement, avec son âme immorale, égoïste et sèche. C'est ainsi que Lermontov voyait sa génération.

Histoire

En 1240, un marché est né sur ce site, où le commerce des céréales s'effectuait dans une loggia ouverte avec des pilastres qui protégeaient de la pluie. En mémoire de l'église qui se trouvait à cet endroit, deux images de saint ont été installées sur les murs. Michel et Notre-Dame. On croyait que cette dernière possédait des pouvoirs miraculeux.

Arcades du rez-de-chaussée ornées de fenêtres à remplages

Les arcades extérieures aux fenêtres richement décorées ne sont apparues qu'en 1367. L'église n'a commencé à jouer son rôle dans l'histoire de l'art qu'en 1348, lorsque la première vague de peste a déferlé sur l'Europe. L'église d'Orsanmichele s'enrichit à cette époque : les survivants de la peste font don à la paroisse de 350 mille florins par culpabilité ou par repentir, ce qui dépasse budget annuel ville et permit à l'église de commander un grand tabernacle en marbre. Comme le commerce des céréales ne s'accordait pas bien avec le magnifique tabernacle réalisé par Orcagna, le marché fut déplacé vers un autre endroit. À partir de cette époque, l'étage inférieur de l'Orsanmichele servit exclusivement à des fins religieuses et, pour la première fois dans l'histoire de Florence, le commerce céda la place à l'art. Les étages supérieurs continuèrent à servir de grenier de réserve jusqu'au début du XVIe siècle.

Au XIVe siècle. Le bâtiment s'est vu attribuer une nouvelle fonction : un centre d'ateliers d'artisanat. Au cours des décennies suivantes, les guildes ont donné des fonds pour créer des sculptures de leurs saints patrons et d'autres saints, qui étaient installées dans 14 niches sur les quatre murs extérieurs de l'église. Les guildes étaient assez riches pour embaucher artistes célèbres: Nanni di Banco, Donatello, Lorenzo Ghiberti et Andrea del Verrocchio.

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Intérieur d'Orsanmichele

Tabernacle d'autel à Orsanmichel

Saint Marc de Donatello

Thomas qui doute de Verrocchio

Église catholique
Santa Maria dei Miracoli Santa Maria dei Miracoli
Auteur du projet	Lombardo, Pietro
· San Giorgio Maggiore · Santi Giovanni e Paolo · Santa Maria dei Frari · Santa Maria della Salute Constructeur	Lombardo, Pietro et Lombardo, Tullio
Construction	20 février 1367 - env. 1422
Chapelles latérales	6,96 m de profondeur et 5,38 m de largeur
Reliques et sanctuaires	fresques de Masolino, Masaccio et Filippino Lippi

Chapelle Brancacci(Italien Chapelle Brancacci) est une chapelle de l'église Santa Maria del Carmine de Florence, célèbre pour ses peintures murales du début de la Renaissance. Les fresques de Masaccio de la chapelle Brancacci ont révolutionné l'architecture européenne. beaux arts et prédéterminé le vecteur de son développement pour plusieurs siècles à venir.

L'église de Santa Maria del Carminevo à Florence, où se trouve la chapelle Brancacci, comme de nombreuses églises anciennes, se distingue par une façade extrêmement simple, cachant à l'intérieur une véritable perle de peinture.

Le 20 février 1367, Piero di Puvicese Brancacci ordonna la construction d'une chapelle familiale dans l'église du Carmine, en construction depuis 1268. Par la suite, la chapelle Brancacci n'est pas seulement devenue une chapelle familiale privée, elle a joué un rôle important dans la vie publique de Florence : elle a abrité la célèbre icône du XIIIe siècle « Madonna del Popolo », ancien sujet culte public (des trophées de la guerre de Pisan étaient accrochés devant elle). Ainsi, comme l'écrit V.N. Lazarev et le tableau qui décorait la chapelle contenaient un certain nombre d'allusions sans ambiguïté aux événements sociaux de l'époque.

Madone du Peuple

Cette salle doit son célèbre cycle de fresques à un descendant du fondateur de la chapelle, rival de Cosme l'Ancien de Médicis, homme d'État influent. Felice Brancacci(Italien Felice Brancacci; 1382-environ. 1450), qui vers 1422 chargea Masolino et Masaccio de peindre la chapelle située dans le transept droit de l'église (les dates exactes documentées des travaux sur les fresques n'ont pas survécu). On sait que Felice Brancacci revint de l'ambassade du Caire le 15 février 1423 et engagea peu de temps après Masolino. Il l'a fait première étape de la peinture: peint les fresques aujourd'hui perdues de la lunette et de la voûte, puis l'artiste part pour la Hongrie. Quand est-ce que ça a commencé deuxième étape de la peinture, on ne le sait pas avec certitude - Masolino n'est revenu de Hongrie qu'en juillet 1427, mais peut-être que son partenaire de travail Masaccio a commencé à travailler avant même son retour, en 1ère mi-temps. années 1420

Les travaux sur les fresques furent interrompus en 1436 après le retour d'exil de Cosme l'Ancien. Felice Brancacci fut emprisonné par lui en 1435 pendant dix ans à Kapodistrias, après quoi en 1458 il fut également déclaré rebelle avec la confiscation de tous ses biens. La peinture de la chapelle ne fut achevée qu'un demi-siècle plus tard, troisième étape, en 1480, par l'artiste Filippino Lippi, qui réussit à conserver caractéristiques stylistiques les manières de leurs prédécesseurs, copiant minutieusement. (D'ailleurs, selon les contemporains, il aurait lui-même voulu devenir artiste étant enfant après avoir vu les fresques de cette chapelle).

La chapelle a appartenu à la famille Brancacci pendant plus de quatre cents ans - jusqu'au 18 août 1780, date à laquelle le marquis de Ricordi signa un accord pour racheter le patronage pour 2 000 écus. Au XVIIIe siècle, les fresques furent restaurées à plusieurs reprises et en 1771 elles furent gravement endommagées par la suie d'un grand incendie. Des restaurations ont été réalisées au début du XXe siècle et dans les années 40-50. En 1988, les derniers travaux de restauration et de dégagement à grande échelle ont été réalisés.

Comme le souligne Lazarev, la restauration du XVIIIe siècle a affecté non seulement la peinture, mais aussi l'architecture de la pièce : la fenêtre à lancette à deux vantaux (biforium), sous laquelle se trouvait un autel et qui atteignait tout en haut, a été modifiée. à une fenêtre rectangulaire, l'arc d'entrée de la chapelle a été transformé de lancette en un arc semi-circulaire, la voûte d'ogives et les lunettes ont également été modifiées. À une époque, l’architecture de la chapelle paraissait plus « gothique » qu’elle ne l’est aujourd’hui.

Description

Masaccio. «Expulsion du Paradis» (fragment, avant restauration)

Michelino da Besozzo, "Les Fiançailles de St. Catherine"- un tableau peint également dans les années 1420, exemple du style gothique international, en comparaison duquel le réalisme des fresques de la chapelle Brancacci était un véritable choc

Le thème principal des fresques, recommandé par le client, était la vie de l'apôtre Pierre et le péché originel. Les fresques sont réparties sur deux rangées le long des murs latéraux et arrière de la chapelle (la troisième rangée de lunettes a été perdue). En bas se trouve un panneau imitant un revêtement en marbre.

Au total, douze scènes ont survécu, dont six ont été entièrement ou presque entièrement écrites par Masaccio. La série commence avec la « Chute » d'Adam et Ève (mur latéral droit ci-dessus) et se poursuit avec l'expulsion du paradis (mur latéral gauche ci-dessus). Viennent ensuite « Le Miracle du Statir », « Le Sermon de Pierre aux Trois Mille », « Le Baptême des Néophytes par Pierre », « La Guérison des Infirmes par Pierre », « La Résurrection de Tabitha ». En bas à gauche : « Paul rend visite à Pierre en prison » ; « La Résurrection du Fils de Théophile » ; « Pierre guérissant les malades avec son ombre » ; « Pierre distribuant les biens de la communauté aux pauvres » ; « La Crucifixion de Pierre et la dispute entre Pierre et Simon le Mage » ; "Un ange libère Pierre de prison." En règle générale, les compositions d'images verticales relient plusieurs épisodes de différentes époques, ce qui constitue un hommage à la tradition médiévale de la narration visuelle.

"La Chute"

Aux angles de la chapelle se trouvent des pilastres doubles qui séparent les fresques de la scène de l'autel des fresques des murs latéraux. Ces pilastres portent une corniche à craquelins, qui court entre les registres (la même corniche était sans doute située au-dessus du deuxième registre). Des pilastres probablement similaires ont également été placés à l'extrémité des registres latéraux, près de l'arc d'entrée (les fresques extérieures ont été partiellement coupées lors de sa reconstruction).

• fresques perdues:
• En 1422, l'église fut consacrée, et Masaccio captura ensuite cet événement sur l'une des fresques de l'église, appelée « Sagra » et qui était alors très célèbre, mais, hélas, détruite au début du XVIIe siècle lors de la rénovation.
• peintures de lunettes (dont « La vocation de Pierre et André ») et voûtes de Masolino

Mérites artistiques

Les fresques de Masaccio dans la chapelle Brancacci sont considérées comme un chef-d'œuvre de la peinture de la Renaissance ; elles se distinguent par la clarté des lignes, le caractère concret vital dans la représentation des personnages et la capacité de pénétrer dans les caractères des personnes représentées. De plus, le grand Masaccio n'a vécu que 27 ans, et c'est ce cycle qui est resté son œuvre principale.

Les œuvres de Masaccio, grâce aux solutions artistiques qu'il a utilisées - en particulier l'utilisation de la perspective linéaire et aérienne jusqu'alors peu connue, sont immédiatement devenues un modèle, elles ont commencé à être appelées « le fondement sur lequel repose tout l'édifice de la peinture européenne ». ". Dans « Biographies des peintres les plus célèbres » est donné longue liste Des artistes italiens qui, selon Vasari, doivent leurs réalisations à l'influence de Masaccio :

« Tous les sculpteurs et peintres illustres de cette époque jusqu'à nos jours, qui ont exercé et étudié dans cette chapelle, sont devenus excellents et célèbres, à savoir Fra Giovanni da Fiesole, Fra Filippo, Filippino, qui l'a achevé, Alessio Baldovinetti, Andrea del Castagno, Andrea del Verrocchio, Domenico Ghirlandaio, Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci, Pietro Perugino, Fra Bartolomeo de San Marco... et le divin Michelangelo Buonarotti... Raphaël d'Urbino a également tiré d'ici le début de sa belle manière... et, en général, tous ceux qui s'efforçaient d'apprendre cet art, nous allions constamment étudier dans cette chapelle pour apprendre des figures de Masaccio les instructions et les règles du bon travail.

Un avantage important du travail de Masaccio était qu'il accordait une attention particulière à l'anatomie fiable de ses personnages, en appliquant les connaissances qu'il avait acquises sculpture ancienne- donc son peuple semble avoir des corps réels et massifs. De plus, il place ses fresques dans un véritable décor architectural, en prêtant attention à l'emplacement de la fenêtre de la chapelle, et en peignant les objets comme s'ils étaient éclairés par cette source lumineuse. Ils apparaissent donc tridimensionnels : ce volume est véhiculé grâce à une puissante modélisation de coupure. De plus, les personnages sont à l'échelle par rapport au fond du paysage, qui est également peint en gardant à l'esprit la perspective lumière-air.

Lazarev écrit à propos de la coloration de ces fresques : « Masaccio, comme tous les Florentins, subordonnait la couleur à la forme, utilisant la couleur pour révéler sa plasticité. Les couleurs pâles disparaissent de sa palette, la couleur devient dense et lourde. Le maître préfère les couleurs violet, bleu, jaune orangé, vert foncé, violet foncé et noir, blanc joue un rôle très modeste dans ses tableaux, toujours tournés vers le gris. Comparée aux couleurs allégées du gothique tardif, la couleur de Masaccio est perçue comme beaucoup plus matérielle, étroitement liée à la structure de la forme. Tout ce qui était fabuleux et festif a disparu de la palette de couleurs, mais c'est devenu beaucoup plus sérieux et significatif. Et grâce à la lumière, il a acquis une telle expressivité plastique qu'à côté, les solutions coloristiques des maîtres du gothique tardif semblent toujours quelque peu naïves.