Les peintures les plus célèbres et les plus significatives du monde pour l'histoire de l'art. Les meilleurs artistes de tous les temps Noms d'artistes célèbres du monde

Citation du message Les peintures les plus célèbres et les plus significatives du monde pour l’histoire de l’art. | 33 chefs-d'œuvre de la peinture mondiale.

Sous les photos des artistes auxquels ils appartiennent se trouvent des liens vers les publications.

Les peintures immortelles de grands artistes sont admirées par des millions de personnes. L'art, classique et moderne, est l'une des sources d'inspiration, de goût et d'éducation culturelle les plus importantes de toute personne, et plus encore créative.
Il existe certainement plus de 33 tableaux de renommée mondiale, il y en a plusieurs centaines, et tous ne rentreraient pas dans une seule revue. Par conséquent, pour faciliter la visualisation, nous avons sélectionné plusieurs peintures les plus importantes pour la culture mondiale et qui sont souvent copiées dans la publicité. Chaque œuvre est accompagnée fait intéressant, une explication de la signification artistique ou de l'histoire de sa création.

Conservé à la Galerie des Maîtres Anciens de Dresde.

Le tableau a un petit secret : le fond, qui de loin ressemble à des nuages, se révèle être des têtes d'anges en y regardant de plus près. Et les deux anges représentés sur l’image ci-dessous sont devenus le motif de nombreuses cartes postales et affiches.

Rembrandt "La Ronde de nuit" 1642
Conservé au Rijksmuseum d'Amsterdam.

Le véritable titre du tableau de Rembrandt est « La représentation de la compagnie de fusiliers du capitaine Frans Banning Cock et du lieutenant Willem van Ruytenburg ». Les historiens de l’art qui ont découvert le tableau au XIXe siècle pensaient que les personnages se détachaient sur un fond sombre, et il s’appelait « La Ronde de nuit ». Plus tard, on a découvert que image sombre crée une couche de suie, mais l'action se déroule en réalité pendant la journée. Cependant, le tableau a déjà été inclus dans le trésor de l'art mondial sous le nom de « Night Watch ».

Léonard de Vinci "La Cène" 1495-1498
Situé dans le monastère de Santa Maria delle Grazie à Milan.

Au cours des plus de 500 ans d'histoire de l'œuvre, la fresque a été détruite à plusieurs reprises : une porte a été percée à travers le tableau puis bloquée, le réfectoire du monastère où se trouve l'image a été utilisé comme armurerie, prison , et a été bombardé. La célèbre fresque a été restaurée au moins cinq fois, la dernière restauration ayant duré 21 ans. Aujourd'hui, pour voir l'art, les visiteurs doivent réserver leurs billets à l'avance et ne peuvent passer que 15 minutes au réfectoire.

Salvador Dali "La persistance de la mémoire" 1931

Selon l'auteur lui-même, le tableau a été peint à la suite des associations que Dalí avait avec la vue du fromage fondu. De retour du cinéma où elle s'est rendue ce soir-là, Gala a prédit à juste titre que personne, après avoir vu La Persistance de la mémoire, ne l'oublierait.

Pieter Bruegel l'Ancien "Tour de Babel" 1563
Conservé au Kunsthistorisches Museum de Vienne.

Selon Bruegel, l'échec de la construction de la Tour de Babel n'était pas dû à ceux qui sont soudainement apparus, selon Bruegel. histoire biblique les barrières linguistiques et les erreurs commises pendant le processus de construction. À première vue, l'immense structure semble assez solide, mais en y regardant de plus près, il est clair que tous les niveaux sont posés de manière inégale, que les étages inférieurs sont soit inachevés, soit déjà en train de s'effondrer, que le bâtiment lui-même penche vers la ville et que les perspectives de l'ensemble du projet est très triste.

Kazimir Malevitch « Carré Noir » 1915

Selon l'artiste, il a peint le tableau pendant plusieurs mois. Par la suite, Malevitch a réalisé plusieurs copies du « Carré Noir » (selon certaines sources, sept). Selon une version, l'artiste n'a pas pu terminer le travail sur le tableau en période requise, il a donc dû recouvrir l'œuvre de peinture noire. Par la suite, après la reconnaissance publique, Malevitch a peint de nouveaux « Carrés noirs » sur des toiles vierges. Malevitch a également peint la « Place Rouge » (en deux exemplaires) et une « Place Blanche ».

Kuzma Sergueïevitch Petrov-Vodkine « Le bain du cheval rouge », 1912
Situé à la Galerie nationale Tretiakov à Moscou.

Peint en 1912, le tableau s’avère visionnaire. Le cheval rouge agit comme le destin de la Russie ou de la Russie elle-même, que le jeune et fragile cavalier est incapable de tenir. Ainsi, l'artiste a symboliquement prédit avec son tableau le sort « rouge » de la Russie au XXe siècle.

Peter Paul Rubens "Le Viol des filles de Leucippe" 1617-1618
Conservé à l'Alte Pinakothek de Munich.

Le tableau « Le viol des filles de Leucippe » est considéré comme la personnification de la passion virile et de la beauté physique. Les bras forts et musclés des jeunes hommes ramassent les jeunes femmes nues pour les monter à cheval. Les fils de Zeus et Léda volent les épouses de leurs cousins.

Paul Gauguin « D'où venons-nous ? Qui sommes-nous ? Où allons-nous ? 1898
Conservé au Musée des Beaux-Arts de Boston.

Selon Gauguin lui-même, le tableau doit être lu de droite à gauche : trois groupes principaux de personnages illustrent les questions posées dans le titre. Trois femmes avec un enfant représentent le début de la vie ; groupe intermédiaire symbolise l'existence quotidienne de la maturité; dans le groupe final, selon le plan de l’artiste, « vieille, proche de la mort, semble réconciliée et livrée à ses pensées », à ses pieds « un étrange oiseau blanc... représente la futilité des mots ».

Eugène Delacroix "La Liberté guidant le peuple" 1830
Conservé au Louvre à Paris

Delacroix a créé un tableau basé sur la Révolution de Juillet de 1830 en France. Dans une lettre à son frère du 12 octobre 1830, Delacroix écrit : « Si je ne me suis pas battu pour ma Patrie, du moins j'écrirai pour elle. » Les seins nus d’une femme dirigeant le peuple symbolisent le dévouement des Français de cette époque qui, avec « torse nu"Nous allions vers l'ennemi.

Claude Monet "Impression. Soleil Levant" 1872
Conservé au Musée Marmottan à Paris.

Le titre de l'ouvrage « Impression, soleil levant », grâce à la main légère du journaliste L. Leroy, est devenu le nom direction artistique"impressionnisme". Le tableau a été peint d'après nature dans le vieux port du Havre en France.

Jan Vermeer "La Jeune Fille à la Boucle d'Oreille" 1665
Conservé à la Galerie Mauritshuis à La Haye.

L’une des peintures les plus célèbres de l’artiste néerlandais Jan Vermeer est souvent appelée la Joconde nordique ou hollandaise. On sait très peu de choses sur le tableau : il n’est pas daté et le nom de la jeune fille représentée est inconnu. En 2003, basé sur le roman du même nom de Tracy Chevalier, le long métrage «La Fille à la perle» a été tourné, dans lequel l'histoire de la création du tableau a été hypothétiquement restituée dans le contexte de la biographie et de la vie de famille de Vermeer. .

Ivan Aivazovsky "La Neuvième Vague" 1850
Conservé à Saint-Pétersbourg au Musée d'État russe.

Ivan Aivazovsky - mondialement connu artiste russe-mariniste qui a consacré sa vie à représenter la mer. Il a créé environ six mille œuvres, dont chacune a été reconnue de son vivant. Le tableau « La Neuvième Vague » est inclus dans le livre « 100 Great Paintings ».

Andreï Roublev « La Trinité » 1425-1427

L'icône de la Sainte Trinité, peinte par Andrei Rublev au XVe siècle, est l'une des icônes russes les plus célèbres. L'icône est un tableau au format vertical. Les rois (Ivan le Terrible, Boris Godounov, Mikhaïl Fedorovitch) « ont recouvert » l'icône d'or, d'argent et de pierres précieuses. Aujourd'hui, le salaire est stocké à Sergiev Possad musée d'état-réserve.

Mikhaïl Vroubel « Démon assis » 1890
Conservé à la Galerie Tretiakov à Moscou.

L’intrigue du film est inspirée du poème de Lermontov « Le Démon ». Démon - image du pouvoir esprit humain, lutte interne, doutes. Joignant tragiquement ses mains, le Démon est assis avec de grands yeux tristes dirigés au loin, entouré de fleurs sans précédent.

William Blake "Le Grand Architecte" 1794
Conservé au British Museum de Londres.

Le titre du tableau « L’Ancien des jours » se traduit littéralement de l’anglais par « Ancien des jours ». Cette expression était utilisée comme nom de Dieu. Personnage principal Les peintures montrent Dieu au moment de la création, qui n'établit pas d'ordre, mais limite la liberté et dénote les limites de l'imagination.

Edouard Manet "Bar aux Folies Bergère" 1882
Conservé au Courtauld Institute of Art de Londres.

Les Folies Bergère sont un spectacle de variétés et cabaret à Paris. Manet visite souvent les Folies Bergère et finit par peindre ce tableau, son dernier avant sa mort en 1883. Derrière le bar, au milieu d'une foule de gens qui boivent, mangent, parlent et fument, une barman est absorbée dans ses pensées, regardant l'acrobate trapéziste que l'on aperçoit dans le coin supérieur gauche de l'image.

Titien « Amour terrestre et amour céleste » 1515-1516
Conservé à la Galerie Borghèse à Rome.

Il est à noter que le nom moderne du tableau n'a pas été donné par l'artiste lui-même, mais n'a commencé à être utilisé que deux siècles plus tard. Jusqu'à cette époque, le tableau portait différents titres : « La beauté embellie et sans fioritures » (1613), « Trois types d'amour » (1650), « Femmes divines et laïques » (1700) et, finalement, « Amour terrestre et céleste ». Amour" "(1792 et 1833).

Mikhaïl Nesterov « Vision du jeune Barthélemy » 1889-1890
Conservé à la Galerie nationale Tretiakov à Moscou.

La première et la plus importante œuvre du cycle dédié à Serge de Radonezh. Jusqu'à la fin de ses jours, l'artiste était convaincu que « La Vision du jeune Barthélemy » était sa meilleure œuvre. Dans ses vieux jours, l’artiste aimait répéter : « Ce n’est pas moi qui vivrai. « Le Jeune Barthélemy » vivra. Maintenant, si trente ou cinquante ans après ma mort, il dit encore quelque chose aux gens, cela signifie qu’il est vivant, et cela signifie que je suis vivant.

Pieter Bruegel l'Ancien "Parabole des aveugles" 1568
Conservé au Musée Capodimonte de Naples.

Les autres titres du tableau sont « Les aveugles », « Parabole des aveugles », « Les aveugles guidant les aveugles ». On pense que l’intrigue du film est basée sur la parabole biblique des aveugles : « Si un aveugle conduit un aveugle, ils tomberont tous les deux dans une fosse. »

Victor Vasnetsov "Alyonouchka" 1881
Conservé à la Galerie nationale Tretiakov.

Il est basé sur le conte de fées « À propos de sœur Alyonouchka et de frère Ivanouchka ». Initialement, le tableau de Vasnetsov s’appelait « Le fou Alyonushka ». À cette époque, les orphelins étaient traités de « fous ». « Alyonushka », a déclaré plus tard l'artiste lui-même, « semblait avoir vécu dans ma tête depuis longtemps, mais en réalité, je l'ai vue à Akhtyrka, lorsque j'ai rencontré une fille aux cheveux simples qui a captivé mon imagination. Il y avait tant de mélancolie, de solitude et de tristesse purement russe dans ses yeux... Un esprit russe particulier émanait d'elle.

Vincent van Gogh "Nuit étoilée" 1889
Conservé au Museum of Modern Art de New York.

Contrairement à la plupart des peintures de l’artiste, « La Nuit étoilée » a été peinte de mémoire. Van Gogh était alors à l'hôpital de Saint-Rémy, tourmenté par des crises de folie.

Karl Bryullov « Le dernier jour de Pompéi » 1830-1833
Conservé au Musée d'État russe de Saint-Pétersbourg.

Le tableau représente la célèbre éruption du Vésuve en 79 après JC. e. et la destruction de la ville de Pompéi près de Naples. L'image de l'artiste dans le coin gauche du tableau est un autoportrait de l'auteur.

Pablo Picasso « Fille au bal » 1905
Conservé au Musée Pouchkine, Moscou

Le tableau est arrivé en Russie grâce à l'industriel Ivan Abramovitch Morozov, qui l'a acheté en 1913 pour 16 000 francs. En 1918, la collection personnelle de I. A. Morozov est nationalisée. DANS moment présent le tableau fait partie de la collection du Musée d'État beaux arts nommé d'après A.S. Pouchkine.

Léonard de Vinci "Madonna Litta" 1491

Conservé à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg.

Le titre original du tableau était « Madonna and Child ». Le nom moderne du tableau vient du nom de son propriétaire - le comte Litt, propriétaire de la famille galerie d'artà Milan. On suppose que la figure du bébé n'a pas été peinte par Léonard de Vinci, mais appartient au pinceau de l'un de ses élèves. En témoigne la pose du bébé, inhabituelle pour le style de l'auteur.

Jean Ingres « Bains turcs » 1862
Conservé au Louvre à Paris.

Ingres a fini de peindre ce tableau alors qu'il avait déjà plus de 80 ans. Avec ce tableau, l'artiste résume l'image des baigneurs, dont le thème est présent depuis longtemps dans son œuvre. Initialement, la toile avait la forme d'un carré, mais un an après son achèvement, l'artiste l'a transformée en une peinture ronde - un tondo.

Ivan Chichkine, Konstantin Savitsky « Matin dans une forêt de pins » 1889
Conservé à la Galerie Tretiakov à Moscou

« Matin dans une forêt de pins » est un tableau des artistes russes Ivan Shishkin et Konstantin Savitsky. Savitsky a peint les ours, mais le collectionneur Pavel Tretiakov, lorsqu'il a acquis le tableau, a effacé sa signature, de sorte que seul Shishkin est indiqué comme l'auteur du tableau.

Mikhaïl Vroubel « La princesse cygne », 1900
Conservé à la Galerie nationale Tretiakov

Le tableau est basé sur l’image scénique de l’héroïne de l’opéra « Le Conte du tsar Saltan » de N. A. Rimsky-Korsakov, basé sur l’intrigue du conte de fées du même nom de A. S. Pouchkine. Vroubel a créé des croquis pour les décors et les costumes de la première de l'opéra en 1900, et sa femme a chanté le rôle de la princesse cygne.

Giuseppe Arcimboldo "Portrait de l'empereur Rodolphe II en Vertumne" 1590
Situé dans le château de Skokloster à Stockholm.

L'une des rares œuvres survivantes de l'artiste, qui a composé des portraits à partir de fruits, légumes, fleurs, crustacés, poissons, perles, instruments de musique et autres, livres, etc. "Vertumnus" est un portrait de l'empereur, représenté comme l'ancien dieu romain des saisons, de la végétation et de la transformation. Sur la photo, Rudolph est entièrement composé de fruits, de fleurs et de légumes.

Edgar Degas "Danseuses bleues" 1897
Situé au Musée d'Art. A. S. Pouchkine à Moscou.

"Mona Lisa" n'aurait probablement pas reçu renommée mondiale, si elle n'avait pas été enlevée en 1911 par un employé du Louvre. Le tableau a été retrouvé deux ans plus tard en Italie : le voleur a répondu à une annonce dans le journal et a proposé de vendre « Gioconda » au directeur de la Galerie des Offices. Pendant tout ce temps, alors que l'enquête était en cours, la « Joconde » n'a pas quitté les couvertures des journaux et magazines du monde entier, devenant un objet de copie et de culte.

Sandro Botticelli "Naissance de Vénus" 1486
Conservé à Florence dans la Galerie des Offices

Le tableau illustre le mythe de la naissance d'Aphrodite. Une déesse nue nage jusqu'au rivage dans une coquille ouverte, poussée par le vent. Sur le côté gauche du tableau, Zéphyr (le vent d'ouest), dans les bras de son épouse Chloris, souffle sur un coquillage, créant un vent rempli de fleurs. Sur le rivage, la déesse rencontre l'une des grâces. La Naissance de Vénus est bien conservée grâce au fait que Botticelli a appliqué une couche protectrice de jaune d'œuf sur le tableau.

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Il y a des œuvres d'art qui semblent frapper le spectateur par-dessus la tête, époustouflantes et étonnantes. D’autres vous entraînent dans la réflexion et dans la recherche de couches de sens et de symbolisme secret. Certaines peintures sont entourées de secrets et de mystères mystiques, tandis que d'autres surprennent par des prix exorbitants.

Nous avons soigneusement examiné toutes les principales réalisations de la peinture mondiale et en avons sélectionné deux douzaines des plus peintures étranges. Salvador Dali, dont les œuvres s'inscrivent entièrement dans le format de ce matériel et sont les premières à venir à l'esprit, n'ont pas été volontairement incluses dans cette collection.

Il est clair que « l’étrangeté » est un concept plutôt subjectif et chacun a ses propres peintures étonnantes qui se démarquent des autres œuvres d’art. Nous serons heureux si vous les partagez dans les commentaires et nous en parlez un peu.

"Crier"

Edvard Munch. 1893, carton, huile, détrempe, pastel.
Galerie nationale, Oslo.

Le Cri est considéré comme un événement expressionniste marquant et l’une des peintures les plus célèbres au monde.

Il existe deux interprétations de ce qui est représenté : c'est le héros lui-même qui est saisi d'horreur et crie silencieusement, pressant ses mains contre ses oreilles ; ou le héros ferme ses oreilles au cri du monde et de la nature qui résonne autour de lui. Munch a écrit quatre versions de "Le Cri", et il existe une version selon laquelle ce tableau est le fruit de la psychose maniaco-dépressive dont souffrait l'artiste. Après un traitement à la clinique, Munch n'est pas retourné travailler sur la toile.

« Je marchais sur le chemin avec deux amis. Le soleil se couchait - tout à coup le ciel est devenu rouge sang, je me suis arrêté, épuisé, et je me suis appuyé contre la clôture - j'ai regardé le sang et les flammes au-dessus du fjord et de la ville d'un noir bleuâtre. Mes amis sont partis et je me suis levé, tremblant d'excitation, ressentant un cri sans fin perçant la nature », a déclaré Edvard Munch à propos de l'histoire du tableau.

« D'où venons-nous ? Qui sommes-nous ? Où allons-nous ?

Paul Gauguin. 1897-1898, huile sur toile.
Musée des Beaux-Arts, Boston.

Selon Gauguin lui-même, le tableau doit être lu de droite à gauche : trois groupes principaux de personnages illustrent les questions posées dans le titre.

Trois femmes avec un enfant représentent le début de la vie ; le groupe intermédiaire symbolise l'existence quotidienne de la maturité ; dans le dernier groupe, selon le plan de l'artiste, « la vieille femme, proche de la mort, semble réconciliée et livrée à ses pensées », à ses pieds « un étrange oiseau blanc... représente l'inutilité des mots ».

La peinture profondément philosophique du post-impressionniste Paul Gauguin a été peinte par lui à Tahiti, où il a fui Paris. Une fois l’œuvre terminée, il voulut même se suicider : « Je crois que ce tableau est supérieur à tous mes précédents et que je ne créerai jamais quelque chose de meilleur ou même de similaire. » Il vécut encore cinq ans, et c'est ce qui arriva.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, huile sur toile.
Musée Reina Sofía, Madrid.

Guernica présente des scènes de mort, de violence, de brutalité, de souffrance et d'impuissance, sans préciser leurs causes immédiates, mais elles sont évidentes. On raconte qu'en 1940, Pablo Picasso fut convoqué à la Gestapo de Paris. La conversation s’est immédiatement tournée vers le tableau. "As-tu fait ça?" - "Non, tu l'as fait."

L'immense fresque « Guernica », peinte par Picasso en 1937, raconte l'histoire d'un raid d'une unité de volontaires de la Luftwaffe sur la ville de Guernica, à la suite de laquelle la ville de six mille habitants fut complètement détruite. Le tableau a été peint littéralement en un mois - les premiers jours de travail sur le tableau, Picasso a travaillé pendant 10 à 12 heures, et déjà dans les premiers croquis, on pouvait voir idée principale. C’est l’une des meilleures illustrations du cauchemar du fascisme, ainsi que de la cruauté et du chagrin humains.

"Portrait du couple Arnolfini"

Jan van Eyck. 1434, bois, huile.
Galerie nationale de Londres, Londres.

Le célèbre tableau est entièrement rempli de symboles, d'allégories et de références diverses - jusqu'à la signature "Jan van Eyck était ici", qui a transformé le tableau non seulement en une œuvre d'art, mais en un document historique confirmant la réalité de l'événement. à laquelle l'artiste était présent.

Le portrait supposé de Giovanni di Nicolao Arnolfini et de son épouse est l'un des plus travaux complexesÉcole occidentale de peinture de la Renaissance du Nord.

En Russie, ces dernières années, le tableau a acquis une grande popularité en raison de la ressemblance du portrait d’Arnolfini avec Vladimir Poutine.

"Démon assis"

Mikhaïl Vroubel. 1890, huile sur toile.
État Galerie Tretiakov, Moscou.

"Les mains lui résistent"

Bill Stoneham. 1972.

Bien entendu, cette œuvre ne peut pas être classée parmi les chefs-d'œuvre de la peinture mondiale, mais son étrangeté est un fait.

Il existe des légendes autour du tableau représentant un garçon, une poupée et ses mains pressées contre la vitre. De « des gens meurent à cause de cette image » à « les enfants qui y figurent sont vivants ». L'image a l'air vraiment effrayante, ce qui suscite beaucoup de craintes et de spéculations parmi les personnes au psychisme faible.

L'artiste a insisté sur le fait que le tableau le représentait à l'âge de cinq ans, que la porte représentait la ligne de démarcation entre le monde réel et le monde des rêves et que la poupée était un guide qui pouvait guider le garçon à travers ce monde. Les mains représentent des vies ou des possibilités alternatives.

Le tableau a gagné en notoriété en février 2000 lorsqu’il a été mis en vente sur eBay avec une histoire disant que le tableau était « hanté ». "Hands Resist Him" ​​a été acheté pour 1 025 $ par Kim Smith, qui a ensuite été simplement inondé de lettres de histoires effrayantes et exige de brûler le tableau.

"Joueurs de cartes"

Auteur

Paul Cézanne

Pays France
Années de vie 1839–1906
Style post-impressionnisme

L'artiste est né dans le sud de la France dans la petite ville d'Aix-en-Provence, mais a commencé à peindre à Paris. Un véritable succès lui vient après une exposition personnelle organisée par le collectionneur Ambroise Vollard. En 1886, 20 ans avant son départ, il s'installe en périphérie ville natale. Les jeunes artistes appelaient ses voyages « un pèlerinage à Aix ».

130x97cm
1895
prix
250 millions de dollars
vendu en 2012
aux enchères privées

L'œuvre de Cézanne est facile à comprendre. La seule règle de l’artiste était le transfert direct d’un objet ou d’une intrigue sur la toile, afin que ses peintures ne déconcertent pas le spectateur. Cézanne a combiné dans son art deux principales traditions françaises : le classicisme et le romantisme. À l’aide de textures colorées, il confère à la forme des objets une plasticité étonnante.

La série de cinq tableaux « Joueurs de cartes » a été peinte entre 1890 et 1895. Leur intrigue est la même : plusieurs personnes jouent au poker avec enthousiasme. Les œuvres ne diffèrent que par le nombre de joueurs et la taille de la toile.

Quatre tableaux sont conservés dans des musées en Europe et en Amérique (Musée d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation et Courtauld Institute of Art), et le cinquième, jusqu'à récemment, était une décoration de la collection privée de l'armateur milliardaire grec. Georg Embirikos. Peu avant son décès, à l'hiver 2011, il décide de la mettre en vente. Les acheteurs potentiels de l’œuvre « gratuite » de Cézanne étaient le marchand d’art William Acquavella et le galeriste de renommée mondiale Larry Gagosian, qui ont offert environ 220 millions de dollars pour l’acquérir. En conséquence, le tableau a été attribué à la famille royale de l'État arabe du Qatar pour 250 millions d'euros. La plus grande transaction d'art de l'histoire de la peinture a été conclue en février 2012. La journaliste Alexandra Pierce l'a rapporté dans Vanity Fair. Elle a découvert le coût du tableau et le nom du nouveau propriétaire, puis l'information a été diffusée dans les médias du monde entier.

En 2010, le Musée arabe d'art moderne et le Musée national du Qatar ont ouvert leurs portes au Qatar. Aujourd’hui, leurs collections s’agrandissent. Peut-être que la cinquième version des Joueurs de Cartes a été acquise par le cheikh à cet effet.

Le pluspeinture chèredans le monde

Propriétaire
Cheikh Hamad
ben Khalifa al-Thani

La dynastie al-Thani dirige le Qatar depuis plus de 130 ans. Il y a environ un demi-siècle, d'énormes réserves de pétrole et de gaz ont été découvertes ici, ce qui a instantanément fait du Qatar l'une des régions les plus riches du monde. Grâce à l'exportation d'hydrocarbures, ce petit pays possède le plus grand PIB par habitant. Cheikh Hamad bin Khalifa al-Thani a pris le pouvoir en 1995, alors que son père était en Suisse, avec le soutien de membres de sa famille. Selon les experts, le mérite du dirigeant actuel réside dans une stratégie claire pour le développement du pays et dans la création d’une image réussie de l’État. Le Qatar a désormais une constitution et un Premier ministre, et les femmes ont le droit de voter aux élections parlementaires. D’ailleurs, c’est l’émir du Qatar qui a fondé la chaîne d’information Al-Jazeera. Les autorités de l'État arabe accordent une grande attention à la culture.

2

"Numéro 5"

Auteur

Jackson Pollock

Pays USA
Années de vie 1912–1956
Style expressionnisme abstrait

Jack the Sprinkler - c'était le surnom donné à Pollock par le public américain pour sa technique de peinture particulière. L'artiste a abandonné le pinceau et le chevalet et a versé de la peinture sur la surface de la toile ou des panneaux de fibres tout en effectuant un mouvement continu autour et à l'intérieur d'eux. AVEC premières années il aimait la philosophie de Jiddu Krishnamurti, dont le message principal est que la vérité se révèle lors d'une « effusion » libre.

122x244cm
1948
prix
140 millions de dollars
vendu en 2006
aux enchères Sotheby's

La valeur du travail de Pollock ne réside pas dans le résultat, mais dans le processus. Ce n’est pas un hasard si l’auteur a appelé son art « action painting ». Avec sa main légère, il est devenu le principal atout de l'Amérique. Jackson Pollock a mélangé de la peinture avec du sable et du verre brisé, et a peint avec un morceau de carton, un couteau à palette, un couteau et une pelle à poussière. L'artiste était si populaire que dans les années 1950, on trouvait même des imitateurs en URSS. Le tableau « Numéro 5 » est reconnu comme l’un des plus étranges et des plus chers au monde. L'un des fondateurs de DreamWorks, David Geffen, l'a acheté pour une collection privée et l'a vendu en 2006 aux enchères de Sotheby's pour 140 millions de dollars au collectionneur mexicain David Martinez. Cependant, le cabinet d'avocats a rapidement publié un communiqué de presse au nom de son client indiquant que David Martinez n'était pas le propriétaire du tableau. Une seule chose est sûre : le financier mexicain a en effet récemment collectionné des œuvres d’art moderne. Il est peu probable qu’il ait manqué un « gros poisson » comme le « numéro 5 » de Pollock.

3

"Femme III"

Auteur

Willem de Kooning

Pays USA
Années de vie 1904–1997
Style expressionnisme abstrait

Originaire des Pays-Bas, il immigre aux États-Unis en 1926. En 1948 a lieu l’exposition personnelle de l’artiste. Les critiques d'art ont apprécié les compositions complexes et nerveuses en noir et blanc, reconnaissant leur auteur comme un grand artiste moderniste. Il a souffert d'alcoolisme pendant la majeure partie de sa vie, mais la joie de créer un nouvel art se ressent dans chaque œuvre. De Kooning se distingue par l'impulsivité de sa peinture et ses traits larges, c'est pourquoi parfois l'image ne rentre pas dans les limites de la toile.

121x171cm
1953
prix
137 millions de dollars
vendu en 2006
aux enchères privées

Dans les années 1950, des femmes aux yeux vides, aux seins massifs et aux traits laids du visage sont apparues dans les peintures de de Kooning. "Woman III" est la dernière œuvre de cette série à être mise aux enchères.

Depuis les années 1970, le tableau était conservé au Musée d'art moderne de Téhéran, mais après l'introduction de règles morales strictes dans le pays, ils ont tenté de s'en débarrasser. En 1994, l’œuvre a été exportée d’Iran et, 12 ans plus tard, son propriétaire David Geffen (le même producteur qui a vendu « Numéro 5 » de Jackson Pollock) a vendu le tableau au millionnaire Steven Cohen pour 137,5 millions de dollars. Il est intéressant de noter qu'en un an, Geffen a commencé à vendre sa collection de peintures. Cela a donné lieu à de nombreuses rumeurs : par exemple, selon lesquelles le producteur aurait décidé de racheter le journal Los Angeles Times.

Lors de l'un des forums artistiques, une opinion a été exprimée sur la similitude de « Femme III » avec le tableau « Dame à l'hermine » de Léonard de Vinci. Derrière le sourire aux dents longues et la silhouette informe de l'héroïne, le connaisseur de la peinture a vu la grâce d'une personne de sang royal. En témoigne également la couronne mal dessinée qui couronne la tête de la femme.

4

"Portrait d'AdèleBloch-Bauer I"

Auteur

Gustav Klimt

Pays Autriche
Années de vie 1862–1918
Style moderne

Gustav Klimt est né dans la famille d'un graveur et était le deuxième de sept enfants. Les trois fils d'Ernest Klimt sont devenus artistes, mais seul Gustav est devenu célèbre dans le monde entier. Il a passé la majeure partie de son enfance dans la pauvreté. Après la mort de son père, il devient responsable de toute la famille. C'est à cette époque que Klimt développe son style. Tout spectateur se fige devant ses tableaux : un érotisme franc est clairement visible sous les fins traits d'or.

138x136cm
1907
prix
135 millions de dollars
vendu en 2006
aux enchères Sotheby's

Le sort du tableau, appelé « La Joconde autrichienne », pourrait facilement devenir la base d'un best-seller. Le travail de l’artiste a provoqué un conflit entre tout un État et une dame âgée.

Ainsi, «Portrait d'Adèle Bloch-Bauer I» représente une aristocrate, épouse de Ferdinand Bloch. Son dernier souhait était de faire don du tableau à la Galerie nationale autrichienne. Cependant, Bloch a annulé la donation dans son testament et les nazis ont exproprié le tableau. Plus tard, la galerie a acheté avec difficulté la Golden Adele, mais une héritière est alors apparue - Maria Altman, la nièce de Ferdinand Bloch.

En 2005, le procès très médiatisé « Maria Altmann contre la République d'Autriche » a commencé, à la suite duquel le film est « parti » avec elle pour Los Angeles. L'Autriche a pris des mesures sans précédent : des négociations ont eu lieu sur des prêts, la population a donné de l'argent pour acheter le portrait. Le bien n’a jamais vaincu le mal : Altman a augmenté le prix à 300 millions de dollars. Au moment du procès, elle avait 79 ans et elle est entrée dans l’histoire comme celle qui a modifié le testament de Bloch-Bauer en faveur de ses intérêts personnels. Le tableau a été acheté par Ronald Lauder, propriétaire de la New Gallery à New York, où il se trouve encore aujourd'hui. Pas pour l’Autriche, car Altman a réduit le prix à 135 millions de dollars.

5

"Crier"

Auteur

Edvard Munch

Pays Norvège
Années de vie 1863–1944
Style expressionnisme

Le premier tableau de Munch, devenu célèbre dans le monde entier, « La Fille malade » (il existe cinq exemplaires) est dédié à la sœur de l’artiste, décédée de la tuberculose à l’âge de 15 ans. Munch a toujours été intéressé par le thème de la mort et de la solitude. En Allemagne, sa peinture lourde et maniaque provoque même un scandale. Cependant, malgré les sujets dépressifs, ses peintures possèdent un magnétisme particulier. Prenez « Scream » par exemple.

73,5x91 cm
1895
prix
119,992 millions de dollars
vendu dans 2012
aux enchères Sotheby's

Le titre complet du tableau est Der Schrei der Natur (traduit de l'allemand par « le cri de la nature »). Le visage d'un humain ou d'un extraterrestre exprime le désespoir et la panique – les mêmes émotions que le spectateur éprouve en regardant l'image. L'une des œuvres phares de l'expressionnisme met en garde contre des thèmes devenus aigus dans l'art du XXe siècle. Selon une version, l'artiste l'aurait créé sous l'influence d'un trouble mental dont il aurait souffert toute sa vie.

Le tableau a été volé à deux reprises dans différents musées, mais a été restitué. Légèrement endommagé après le vol, Le Cri a été restauré et était de nouveau prêt à être exposé au Musée Munch en 2008. Pour les représentants de la culture pop, l'œuvre est devenue une source d'inspiration : Andy Warhol en a créé une série de copies imprimées, et le masque du film « Scream » a été réalisé à l'image et à la ressemblance du héros de l'image.

Munch a écrit quatre versions de l'œuvre pour un même sujet : celle qui se trouve dans une collection privée est réalisée au pastel. Le milliardaire norvégien Petter Olsen l'a mis aux enchères le 2 mai 2012. L'acheteur était Leon Black, qui n'a pas épargné un montant record pour "Scream". Fondateur d'Apollo Advisors, L.P. et Lion Advisors, L.P. connu pour son amour de l'art. Black est un mécène du Dartmouth College, du Museum of Modern Art, du Lincoln Art Center et du Metropolitan Museum of Art. Il possède la plus grande collection de peintures artistes contemporains et les maîtres classiques des siècles passés.

6

"Nu sur fond de buste et de feuilles vertes"

Auteur

Pablo Picasso

Pays Espagne, France
Années de vie 1881–1973
Style cubisme

Il est espagnol d'origine, mais par son esprit et son lieu de résidence, c'est un vrai Français. Picasso a ouvert son propre atelier d'art à Barcelone alors qu'il n'avait que 16 ans. Il part ensuite pour Paris et y passe la majeure partie de sa vie. C'est pourquoi son nom de famille a un double accent. Le style inventé par Picasso repose sur le refus de l'idée selon laquelle un objet représenté sur toile ne peut être vu que sous un seul angle.

130x162cm
1932
prix
106,482 millions de dollars
vendu en 2010
aux enchères Christie's

Au cours de son travail à Rome, l'artiste rencontre la danseuse Olga Khokhlova, qui deviendra bientôt sa femme. Il met fin au vagabondage et emménage avec elle dans un appartement luxueux. À ce moment-là, la reconnaissance avait trouvé le héros, mais le mariage était détruit. L'un des plus peintures chères Le monde a été créé presque par accident - par un grand amour qui, comme toujours chez Picasso, a été de courte durée. En 1927, il s'intéresse à la jeune Marie-Thérèse Walter (elle a 17 ans, lui 45). Secrètement loin de sa femme, il part avec sa maîtresse dans une ville proche de Paris, où il peint un portrait représentant Marie-Thérèse à l'image de Daphné. La toile a été achetée par le marchand new-yorkais Paul Rosenberg et, en 1951, il l'a vendue à Sidney F. Brody. Les Brody n'ont montré le tableau au monde qu'une seule fois et uniquement parce que l'artiste avait 80 ans. Après le décès de son mari, Mme Brody a mis l'œuvre aux enchères chez Christie's en mars 2010. En six décennies, le prix a augmenté plus de 5 000 fois ! Un collectionneur inconnu l'a acheté pour 106,5 millions de dollars. En 2011, une « exposition d'un tableau » a eu lieu en Grande-Bretagne, où il a été publié pour la deuxième fois, mais le nom du propriétaire est encore inconnu.

7

"Huit Elvis"

Auteur

Andy Warhol

Pays USA
Années de vie 1928-1987
Style
pop-art

"Le sexe et les fêtes sont les seuls endroits où il faut apparaître en personne", a déclaré l'artiste culte du pop art, réalisateur, l'un des fondateurs du magazine Interview, le designer Andy Warhol. Il a travaillé avec Vogue et Harper's Bazaar, conçu des pochettes de disques et des chaussures pour la société I.Miller. Dans les années 1960, apparaissent des peintures représentant des symboles de l'Amérique : les soupes Campbell's et Coca-Cola, Presley et Monroe - qui font de lui une légende.

358x208cm
1963
prix
100 millions de dollars
vendu en 2008
aux enchères privées

Les années 60 de Warhol étaient le nom donné à l’ère du pop art en Amérique. En 1962, il travaille à Manhattan au studio Factory, où se réunissent tous les bohèmes de New York. Ses représentants éminents : Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote et d'autres personnalités célèbres du monde. Parallèlement, Warhol teste la technique de la sérigraphie - répétition répétée d'une image. Il a également utilisé cette méthode lors de la création des « Huit Elvis » : le spectateur semble voir des images d'un film dans lequel la star prend vie. Ici, il y a tout ce que l'artiste aimait tant : une image publique gagnant-gagnant, une couleur argentée et une prémonition de la mort comme message principal.

Il existe aujourd'hui deux marchands d'art qui font la promotion du travail de Warhol sur le marché mondial : Larry Gagosian et Alberto Mugrabi. Le premier a dépensé 200 millions de dollars en 2008 pour acquérir plus de 15 œuvres de Warhol. Le second achète et vend ses tableaux comme des cartes de Noël, mais pour plus d'argent. Mais ce ne sont pas eux, mais le modeste consultant en art français Philippe Segalot qui a aidé le connaisseur d’art romain Annibale Berlinghieri à vendre « Huit Elvis » à un acheteur inconnu pour un montant record pour Warhol – 100 millions de dollars.

8

"Orange,rouge, jaune"

Auteur

Marc Rothko

Pays USA
Années de vie 1903–1970
Style expressionnisme abstrait

L'un des créateurs de la peinture sur champs colorés est né à Dvinsk, en Russie (aujourd'hui Daugavpils, en Lettonie), en grande famille Pharmacien juif. En 1911, ils émigrent aux États-Unis. Rothko a étudié au département d'art de l'Université de Yale et a obtenu une bourse, mais des sentiments antisémites l'ont contraint à abandonner ses études. Malgré tout, les critiques d’art ont idolâtré l’artiste et les musées l’ont poursuivi toute sa vie.

206x236cm
1961
prix
86,882 millions de dollars
vendu en 2012
aux enchères Christie's

Les premières expériences artistiques de Rothko étaient d'orientation surréaliste, mais au fil du temps, il a simplifié l'intrigue pour colorer les taches, les privant de toute objectivité. Au début, ils avaient des nuances vives, puis dans les années 1960, ils sont devenus bruns et violets, devenant noirs au moment de la mort de l’artiste. Mark Rothko a mis en garde contre la recherche d'un sens à ses peintures. L'auteur a voulu dire exactement ce qu'il a dit : seulement la couleur qui se dissout dans l'air, et rien de plus. Il recommande de regarder les œuvres à une distance de 45 cm, afin que le spectateur soit « attiré » par la couleur, comme dans un entonnoir. Attention : regarder selon toutes les règles peut conduire à un effet de méditation, c'est-à-dire que la conscience de l'infini, l'immersion complète en soi, la relaxation et la purification surviennent progressivement. La couleur dans ses peintures vit, respire et a un fort impact émotionnel (on dit qu'elle guérit parfois). L'artiste a déclaré : « Le spectateur devrait pleurer en les regardant », et de tels cas se sont effectivement produits. Selon la théorie de Rothko, les gens vivent actuellement la même expérience spirituelle que lui lorsqu'il travaillait sur le tableau. Si vous étiez capable de le comprendre à un niveau aussi subtil, vous ne seriez pas surpris que ces œuvres d’art abstrait soient souvent comparées par les critiques à des icônes.

L’œuvre « Orange, Rouge, Jaune » exprime l’essence de la peinture de Mark Rothko. Son prix initial aux enchères Christie’s à New York est compris entre 35 et 45 millions de dollars. Un acheteur inconnu a proposé un prix deux fois supérieur à l'estimation. Le nom de l’heureux propriétaire du tableau, comme cela arrive souvent, n’est pas divulgué.

9

"Triptyque"

Auteur

François Bacon

Pays
Royaume-Uni
Années de vie 1909–1992
Style expressionnisme

Les aventures de Francis Bacon, homonyme complet et également lointain descendant du grand philosophe, ont commencé lorsque son père l’a renié, incapable d’accepter les penchants homosexuels de son fils. Bacon se rend d'abord à Berlin, puis à Paris, puis ses traces se confondent dans toute l'Europe. De son vivant, ses œuvres ont été exposées dans les plus grands centres culturels monde, notamment le musée Guggenheim et la galerie Tretiakov.

147,5x198 cm (chacun)
1976
prix
86,2 millions de dollars
vendu en 2008
aux enchères Sotheby's

Des musées prestigieux cherchaient à posséder les peintures de Bacon, mais le public anglais primitif n'était pas pressé de débourser pour un tel art. La légendaire Première ministre britannique Margaret Thatcher a dit de lui : « L’homme qui peint ces tableaux terrifiants ».

L'artiste lui-même considère l'après-guerre comme la période de départ de son œuvre. De retour du service, il se remet à la peinture et crée de grands chefs-d'œuvre. Avant la participation de « Triptyque, 1976 », l’œuvre la plus chère de Bacon était « Étude pour un portrait du pape Innocent X » (52,7 millions de dollars). Dans « Triptyque, 1976 », l'artiste a représenté l'intrigue mythique de la persécution d'Oreste par les Furies. Bien sûr, Oreste est Bacon lui-même, et les Furies sont son tourment. Pendant plus de 30 ans, le tableau a fait partie d'une collection privée et n'a pas participé à des expositions. Ce fait lui confère une valeur particulière et, par conséquent, augmente le coût. Mais qu’est-ce que quelques millions pour un amateur d’art, et qui plus est généreux ? Roman Abramovich a commencé à créer sa collection dans les années 1990, dans laquelle il a été fortement influencé par son amie Dasha Zhukova, devenue la Russie moderne galeriste à la mode. Selon des données non officielles, l'homme d'affaires possède personnellement des œuvres d'Alberto Giacometti et de Pablo Picasso, achetées pour des montants supérieurs à 100 millions de dollars. En 2008, il devient propriétaire du Triptyque. À propos, en 2011, une autre œuvre précieuse de Bacon a été acquise: «Trois esquisses pour un portrait de Lucian Freud». Des sources cachées affirment que Roman Arkadyevich est redevenu l'acheteur.

10

"Étang aux nénuphars"

Auteur

Claude Monet

Pays France
Années de vie 1840–1926
Style impressionnisme

L'artiste est reconnu comme le fondateur de l'impressionnisme, qui a « breveté » cette méthode dans ses toiles. D'abord travail important est devenu le tableau « Déjeuner sur l'herbe » (la version originale de l'œuvre d'Edouard Manet). Dans sa jeunesse, il dessinait des caricatures et vraie peinture entrepris lors de ses voyages le long de la côte et en plein air. A Paris, il menait une vie de bohème et ne l'a pas quitté même après avoir servi dans l'armée.

210x100cm
1919
prix
80,5 millions de dollars
vendu en 2008
aux enchères Christie's

En plus d'être un grand artiste, Monet était également un jardinier passionné et adorait la faune et les fleurs. Dans ses paysages, l'état de nature est momentané, les objets semblent flous par le mouvement de l'air. L'impression est renforcée par de grands traits ; à une certaine distance, ils deviennent invisibles et se fondent dans une image texturée en trois dimensions. Dans les peintures de Monet tardif, le thème de l'eau et de la vie y occupe une place particulière. Dans la ville de Giverny, l'artiste possédait son propre étang, où il cultivait des nénuphars à partir de graines spécialement apportées du Japon. Lorsque leurs fleurs éclosent, il se met à dessiner. La série « Nymphéas » se compose de 60 œuvres que l'artiste a peintes pendant près de 30 ans, jusqu'à sa mort. Sa vision s'est détériorée avec l'âge, mais il ne s'est pas arrêté. En fonction du vent, de la période de l'année et de la météo, l'apparence de l'étang changeait constamment et Monet voulait capturer ces changements. Grâce à un travail minutieux, il est parvenu à comprendre l’essence de la nature. Certaines des peintures de la série sont conservées dans les plus grandes galeries du monde : Musée national Art occidental (Tokyo), Orangerie (Paris). Une version du prochain « Étang aux Nymphéas » est passée entre les mains d’un acheteur inconnu pour un montant record.

11

Fausse étoile t

Auteur

Jasper Johns

Pays USA
Année de naissance 1930
Style pop-art

En 1949, Jones entre dans une école de design à New York. Avec Jackson Pollock, Willem de Kooning et d'autres, il est reconnu comme l'un des principaux artistes du XXe siècle. En 2012, il a reçu la Médaille présidentielle de la liberté, la plus haute distinction civile des États-Unis.

137,2x170,8 cm
1959
prix
80 millions de dollars
vendu en 2006
aux enchères privées

Comme Marcel Duchamp, Jones a travaillé avec des objets réels, les représentant sur toile et en sculpture en totale conformité avec l'original. Pour ses œuvres, il a utilisé des objets simples et compréhensibles : une bouteille de bière, un drapeau ou des cartes. Il n’y a pas de composition claire dans le film False Start. L’artiste semble jouer avec le spectateur, en étiquetant souvent « à tort » les couleurs du tableau, inversant ainsi le concept même de couleur : « Je voulais trouver un moyen de représenter la couleur afin qu’elle puisse être déterminée par une autre méthode. » Son tableau le plus explosif et le plus « incertain », selon les critiques, a été acquis par un acheteur inconnu.

12

"Assisnusur le canapé"

Auteur

Amédée Modigliani

Pays Italie, France
Années de vie 1884–1920
Style expressionnisme

Modigliani était souvent malade depuis son enfance ; lors d'un délire fébrile, il reconnut son destin d'artiste. Il étudie le dessin à Livourne, Florence, Venise et en 1906 il se rend à Paris, où son art s'épanouit.

65x100cm
1917
prix
68,962 millions de dollars
vendu en 2010
aux enchères Sotheby's

En 1917, Modigliani rencontre Jeanne Hébuterne, 19 ans, qui devient son modèle puis son épouse. En 2004, un de ses portraits s'est vendu pour 31,3 millions de dollars, dernier record avant la vente de Nu assis sur un canapé en 2010. Le tableau a été acheté par un acheteur inconnu au prix maximum pour Modigliani pour le moment. Les ventes actives d’œuvres n’ont commencé qu’après la mort de l’artiste. Il meurt dans la pauvreté, atteint de tuberculose, et le lendemain Jeanne Hébuterne, enceinte de neuf mois, se suicide également.

13

"Aigle sur un pin"

Auteur

Qi Baïshi

Pays Chine
Années de vie 1864–1957
Style Guohua

L'intérêt pour la calligraphie a conduit Qi Baishi à la peinture. A l’âge de 28 ans, il devient l’élève de l’artiste Hu Qingyuan. Le ministère chinois de la Culture lui a décerné le titre de « Grand Artiste » Chinois", en 1956 il reçoit le Prix International de la Paix.

10x26 cm
1946
prix
65,4 millions de dollars
vendu en 2011
aux enchères Gardien de la Chine

Qi Baishi s'intéressait aux manifestations du monde environnant auxquelles beaucoup n'attachent pas d'importance, et c'est sa grandeur. Un homme sans éducation est devenu un professeur et un créateur marquant de l'histoire. Pablo Picasso disait de lui : « J'ai peur d'aller dans votre pays, car il y a Qi Baishi en Chine. » La composition «Aigle sur un pin» est reconnue comme la plus grande œuvre de l’artiste. Outre la toile, il comprend deux rouleaux hiéroglyphiques. Pour la Chine, le montant pour lequel l'œuvre a été achetée représente un record : 425,5 millions de yuans. Le rouleau de l’ancien calligraphe Huang Tingjian a été vendu à lui seul pour 436,8 millions.

14

"1949-A-N° 1"

Auteur

Clyfford encore

Pays USA
Années de vie 1904–1980
Style expressionnisme abstrait

À l’âge de 20 ans, j’ai visité le Metropolitan Museum of Art de New York et j’ai été déçu. Plus tard, il s'est inscrit à un cours à la Student Arts League, mais est parti 45 minutes après le début du cours - cela s'est avéré "pas pour lui". La première exposition personnelle a provoqué une résonance, l'artiste s'est retrouvé, et avec elle la reconnaissance

79x93cm
1949
prix
61,7 millions de dollars
vendu en 2011
aux enchères Sotheby's

Il a légué toutes ses œuvres, plus de 800 toiles et 1 600 œuvres sur papier, à une ville américaine où sera ouvert un musée qui portera son nom. Denver est devenue une telle ville, mais la construction à elle seule coûtait cher aux autorités, et pour la terminer, quatre œuvres ont été mises aux enchères. Il est peu probable que les œuvres de Still soient à nouveau mises aux enchères, ce qui a fait augmenter leur prix par avance. Le tableau « 1949-A-No.1 » a été vendu pour un montant record pour l'artiste, même si les experts prévoyaient une vente maximale de 25 à 35 millions de dollars.

15

"Composition suprématiste"

Auteur

Kazimir Malevitch

Pays Russie
Années de vie 1878–1935
Style Suprématisme

Malevitch a étudié la peinture à Kyiv école d'art, puis à l'Académie des Arts de Moscou. En 1913, il commence à peindre des peintures géométriques abstraites dans un style qu’il appelle suprématisme (du latin « domination »).

71x 88,5 cm
1916
prix
60 millions de dollars
vendu en 2008
aux enchères Sotheby's

Le tableau a été conservé au musée de la ville d'Amsterdam pendant environ 50 ans, mais après 17 ans de dispute avec les proches de Malevitch, le musée l'a cédé. L’artiste a peint cette œuvre la même année que le « Manifeste du suprématisme », c’est pourquoi Sotheby’s a annoncé avant même la vente aux enchères qu’elle n’entrerait pas dans une collection privée pour moins de 60 millions de dollars. Et c’est ce qui s’est passé. Il vaut mieux le regarder d'en haut : les personnages sur la toile ressemblent à une vue aérienne de la terre. D'ailleurs, quelques années plus tôt, les mêmes proches ont exproprié une autre « Composition suprématiste » du musée du MoMA afin de la vendre aux enchères Phillips pour 17 millions de dollars.

16

"Baigneurs"

Auteur

Paul Gauguin

Pays France
Années de vie 1848–1903
Style post-impressionnisme

Jusqu'à l'âge de sept ans, l'artiste vit au Pérou, puis rentre en France avec sa famille, mais les souvenirs d'enfance le poussent sans cesse à voyager. En France, il commence à peindre et se lie d'amitié avec Van Gogh. Il passe même plusieurs mois avec lui à Arles, jusqu'à ce que Van Gogh lui coupe l'oreille lors d'une dispute.

93,4x60,4cm
1902
prix
55 millions de dollars
vendu en 2005
aux enchères Sotheby's

En 1891, Gauguin organise une vente de ses tableaux afin d'utiliser les bénéfices pour voyager au cœur de l'île de Tahiti. Il y crée des œuvres dans lesquelles se fait sentir le lien subtil entre la nature et l'homme. Gauguin vivait dans une cabane au toit de chaume et un paradis tropical s'épanouissait sur ses toiles. Son épouse était Tehura, une Tahitienne de 13 ans, ce qui n'a pas empêché l'artiste de s'engager dans des relations de promiscuité. Ayant contracté la syphilis, il part pour la France. Cependant, il y avait du monde pour Gauguin là-bas et il retourna à Tahiti. Cette période est appelée la «deuxième Tahitienne» - c'est alors que fut peint le tableau «Baigneurs», l'un des plus luxueux de son œuvre.

17

"Jonquilles et nappe dans les tons bleus et roses"

Auteur

Henri Matisse

Pays France
Années de vie 1869–1954
Style Fauvisme

En 1889, Henri Matisse est victime d'une crise d'appendicite. Alors qu'il se remettait d'une opération, sa mère lui a acheté de la peinture. Au début, Matisse copiait des cartes postales en couleur par ennui, puis il copiait des œuvres de grands peintres qu'il voyait au Louvre, et au début du XXe siècle il inventa un style : le fauvisme.

65,2x81 cm
1911
prix
46,4 millions de dollars
vendu en 2009
aux enchères Christie's

Le tableau « Jonquilles et nappe en bleu et rose » a longtemps appartenu à Yves Saint Laurent. Après la mort du couturier, toute sa collection d’art passe entre les mains de son ami et amant Pierre Berger, qui décide de la mettre aux enchères chez Christie’s. La perle de la collection vendue était le tableau « Jonquilles et nappe dans les tons bleus et roses », peint sur une nappe ordinaire au lieu d'une toile. Comme exemple du fauvisme, il est rempli de l’énergie de la couleur, les couleurs semblent exploser et crier. Issue de la célèbre série de peintures peintes sur nappes, cette œuvre est aujourd'hui la seule à se trouver dans une collection privée.

18

"Fille endormie"

Auteur

RoyLee

Henstein

Pays USA
Années de vie 1923–1997
Style pop-art

L'artiste est né à New York et après avoir obtenu son diplôme, il s'est rendu dans l'Ohio, où il a suivi des cours d'art. En 1949, Lichtenstein obtient une maîtrise en beaux-arts. Son intérêt pour la bande dessinée et sa capacité à utiliser l’ironie ont fait de lui un artiste culte du siècle dernier.

91x91cm
1964
prix
44,882 millions de dollars
vendu en 2012
aux enchères Sotheby's

Un jour, du chewing-gum tomba entre les mains de Lichtenstein. Il redessine le tableau de l'insert sur la toile et devient célèbre. Cette histoire tirée de sa biographie contient tout le message du pop art : la consommation est le nouveau dieu, et il n'y a pas moins de beauté dans un emballage de chewing-gum que dans la Joconde. Ses peintures rappellent les bandes dessinées et les dessins animés : Lichtenstein a simplement agrandi l'image finie, dessiné des trames, utilisé la sérigraphie et la sérigraphie. Le tableau « Fille endormie » a appartenu pendant près de 50 ans aux collectionneurs Beatrice et Philip Gersh, dont les héritiers l'ont vendu aux enchères.

19

"Victoire. Boogie-Woogie"

Auteur

Piet Mondrian

Pays Pays-Bas
Années de vie 1872–1944
Style néoplasticisme

Mon vrai nom– Cornelis – l'artiste devient Mondrian lorsqu'il s'installe à Paris en 1912. Avec l'artiste Theo van Doesburg, il fonde le mouvement néoplasticisme. Le langage de programmation Piet porte le nom de Mondrian.

27x127cm
1944
prix
40 millions de dollars
vendu en 1998
aux enchères Sotheby's

Le plus « musical » des artistes du XXe siècle vivait de natures mortes à l’aquarelle, même s’il est devenu célèbre en tant qu’artiste néoplasique. Il a déménagé aux États-Unis dans les années 1940 et y a passé le reste de sa vie. Le Jazz et New York sont ce qui l'a le plus inspiré ! Peinture « Victoire. Boogie-Woogie" – le meilleur exemple. Les carrés soignés emblématiques ont été réalisés à l’aide de ruban adhésif, le matériau préféré de Mondrian. En Amérique, on l’appelait « l’immigrant le plus célèbre ». Dans les années soixante, Yves Saint Laurent a lancé des robes Mondrian de renommée mondiale avec un grand imprimé à carreaux colorés.

20

"Composition n°5"

Auteur

VassiliKandinsky

Pays Russie
Années de vie 1866–1944
Style avant-garde

L'artiste est né à Moscou et son père était originaire de Sibérie. Après la révolution, il essaya de coopérer avec le gouvernement soviétique, mais se rendit vite compte que les lois du prolétariat n'étaient pas créées pour lui et, non sans difficultés, il émigre en Allemagne.

275x190cm
1911
prix
40 millions de dollars
vendu en 2007
aux enchères Sotheby's

Kandinsky fut l'un des premiers à abandonner complètement la peinture d'objets, pour laquelle il reçut le titre de génie. Pendant le nazisme en Allemagne, ses peintures étaient classées comme « art dégénéré » et n’étaient exposées nulle part. En 1939, Kandinsky prend la nationalité française et, à Paris, il participe librement au processus artistique. Ses peintures « sonnent » comme des fugues, c'est pourquoi beaucoup sont appelées « compositions » (la première a été écrite en 1910, la dernière en 1939). « Composition n°5 » est l'une des œuvres phares de ce genre : « Le mot « composition » m'a sonné comme une prière », a déclaré l'artiste. Contrairement à beaucoup de ses disciples, il a planifié ce qu'il représenterait sur une immense toile, comme s'il écrivait des notes.

21

"étude d'une femme en bleu"

Auteur

Fernand Léger

Pays France
Années de vie 1881–1955
Style cubisme-post-impressionnisme

Léger a reçu une formation d'architecte puis a fréquenté l'Ecole des Beaux-Arts de Paris. L'artiste se considérait comme un disciple de Cézanne, était un apologiste du cubisme et, au XXe siècle, il connut également du succès en tant que sculpteur.

96,5x129,5cm
1912-1913
prix
39,2 millions de dollars
vendu en 2008
aux enchères Sotheby's

David Norman, président du département international d'impressionnisme et de modernisme chez Sotheby's, considère que l'énorme montant payé pour « La Dame en bleu » est tout à fait justifié. Le tableau appartient à la célèbre collection Léger (l'artiste a peint trois tableaux sur le même sujet, le dernier d'entre eux est aujourd'hui en mains privées. - NDLR), et la surface de la toile a été conservée dans sa forme originale. L'auteur lui-même a offert cette œuvre à la galerie Der Sturm, puis elle s'est retrouvée dans la collection d'Hermann Lang, collectionneur allemand de modernisme, et appartient désormais à un acheteur inconnu.

22

« Scène de rue. Berlin"

Auteur

Ernst LudwigKirchner

Pays Allemagne
Années de vie 1880–1938
Style expressionnisme

Pour l’expressionnisme allemand, Kirchner est devenu une figure emblématique. Cependant, les autorités locales l'ont accusé d'adhérer à un « art dégénéré », ce qui a tragiquement affecté le sort de ses peintures et la vie de l'artiste, qui s'est suicidé en 1938.

95x121 cm
1913
prix
38,096 millions de dollars
vendu en 2006
aux enchères Christie's

Après avoir déménagé à Berlin, Kirchner a réalisé 11 croquis de scènes de rue. Il s'est inspiré de l'agitation et de la nervosité de la grande ville. Dans le tableau vendu en 2006 à New York, l'état d'anxiété de l'artiste est particulièrement ressenti : les gens dans la rue de Berlin ressemblent à des oiseaux - gracieux et dangereux. Il s'agit de la dernière œuvre de la célèbre série vendue aux enchères ; le reste est conservé dans des musées. En 1937, les nazis traitèrent durement Kirchner : 639 de ses œuvres furent retirées des galeries allemandes, détruites ou vendues à l'étranger. L'artiste n'a pas pu survivre à cela.

23

"Vacancier"danseur"

Auteur

Edgar Degas

Pays France
Années de vie 1834–1917
Style impressionnisme

L'histoire de Degas en tant qu'artiste commence avec son travail de copiste au Louvre. Il rêvait de devenir « célèbre et inconnu », et il a finalement réussi. A la fin de sa vie, sourd et aveugle, Degas, 80 ans, continue de fréquenter les expositions et les ventes aux enchères.

64x59cm
1879
prix
37,043 millions de dollars
vendu en 2008
aux enchères Sotheby's

"Les ballerines ont toujours été pour moi simplement un prétexte pour représenter des tissus et capturer le mouvement", a déclaré Degas. Des scènes de la vie des danseurs semblent avoir été espionnées : les filles ne posent pas pour l’artiste, mais s’intègrent simplement dans l’atmosphère captée par le regard de Degas. "The Resting Dancer" a été vendu pour 28 millions de dollars en 1999, et moins de 10 ans plus tard, il a été acheté pour 37 millions de dollars - c'est aujourd'hui le plus travail coûteux artiste jamais mis aux enchères. Degas accordait une grande attention aux cadres, les dessinait lui-même et interdisait leur modification. Je me demande quel cadre est installé sur le tableau vendu ?

24

"Peinture"

Auteur

Joan Miró

Pays Espagne
Années de vie 1893–1983
Style art abstrait

Pendant la guerre civile espagnole, l’artiste était du côté républicain. En 1937, il fuit le régime fasciste pour Paris, où il vit dans la pauvreté avec sa famille. Durant cette période, Miro peint le tableau « Aidez l'Espagne ! », attirant l'attention du monde entier sur la domination du fascisme.

89x115cm
1927
prix
36,824 millions de dollars
vendu en 2012
aux enchères Sotheby's

Le deuxième titre du tableau est « Blue Star ». L'artiste l'a peint la même année lorsqu'il a annoncé : « Je veux tuer la peinture » et s'est moqué impitoyablement des toiles, grattant la peinture avec des clous, collant des plumes sur la toile, recouvrant les œuvres de déchets. Son objectif était de démystifier les mythes sur le mystère de la peinture, mais après y avoir fait face, Miro a créé son propre mythe : l'abstraction surréaliste. Sa « Peinture » appartient au cycle des « peintures de rêve ». Lors de la vente aux enchères, quatre acheteurs se sont battus pour l’acquérir, mais un appel téléphonique incognito a résolu le différend et « Peinture » ​​est devenue le tableau le plus cher de l’artiste.

25

"Rose bleue"

Auteur

Yves Klein

Pays France
Années de vie 1928–1962
Style peinture monochrome

L'artiste est né dans une famille de peintres, mais a étudié les langues orientales, la navigation, le métier de doreur sur cadre, le bouddhisme zen et bien plus encore. Sa personnalité et ses pitreries effrontées étaient bien plus intéressantes que les peintures monochromes.

153x199x16cm
1960
prix
36,779 millions de dollars
vendu en 2012
aux enchères Christie's

La première exposition d’œuvres monochromes jaunes, oranges et roses n’a pas suscité l’intérêt du public. Klein fut offensé et présenta la prochaine fois 11 toiles identiques, peintes avec de l'outremer mélangé à une résine synthétique spéciale. Il a même breveté cette méthode. Cette couleur est entrée dans l’histoire sous le nom de « bleu Klein international ». L’artiste vendait également des objets vides, créait des tableaux en exposant du papier à la pluie, en incendiant du carton, en imprimant le corps d’une personne sur toile. En un mot, j'ai expérimenté du mieux que j'ai pu. Pour créer « Blue Rose » j’ai utilisé des pigments secs, des résines, des galets et une éponge naturelle.

26

"À la recherche de Moïse"

Auteur

Sir Lawrence Alma-Tadema

Pays Royaume-Uni
Années de vie 1836–1912
Style néoclassicisme

Sir Lawrence lui-même a ajouté le préfixe « alma » à son nom de famille afin de pouvoir figurer en premier dans les catalogues d'art. Dans l'Angleterre victorienne, ses peintures étaient si demandées que l'artiste reçut le titre de chevalier.

213,4x136,7cm
1902
prix
35,922 millions de dollars
vendu en 2011
aux enchères Sotheby's

Le thème principal de l'œuvre d'Alma-Tadema était l'Antiquité. Dans ses peintures, il a essayé de représenter l'époque de l'Empire romain dans les moindres détails, pour cela il a même mené des fouilles archéologiques sur Péninsule des Apennins, et dans sa maison londonienne, il a reproduit l'intérieur historique de ces années-là. Les sujets mythologiques deviennent pour lui une autre source d’inspiration. L'artiste fut extrêmement demandé de son vivant, mais après sa mort, il fut rapidement oublié. Aujourd'hui, l'intérêt renaît, comme en témoigne le coût du tableau « À la recherche de Moïse », qui est sept fois supérieur à l'estimation d'avant-vente.

27

"Portrait d'un fonctionnaire nu endormi"

Auteur

Lucien Freud

Pays Allemagne,
Royaume-Uni
Années de vie 1922–2011
Style peinture figurative

L'artiste est le petit-fils de Sigmund Freud, le père de la psychanalyse. Après l’instauration du fascisme en Allemagne, sa famille émigre en Grande-Bretagne. Les œuvres de Freud se trouvent au Wallace Collection Museum de Londres, où aucun artiste contemporain n'a exposé auparavant.

219,1x151,4 cm
1995
prix
33,6 millions de dollars
vendu en 2008
aux enchères Christie's

Alors que les artistes à la mode du XXe siècle créaient des « taches de couleur sur le mur » positives et les vendaient pour des millions, Freud peignait des tableaux extrêmement naturalistes et les vendait encore plus cher. "Je capture les cris de l'âme et la souffrance de la chair qui se fane", a-t-il déclaré. Les critiques estiment que tout cela est « l’héritage » de Sigmund Freud. Les peintures ont été si activement exposées et vendues avec succès que les experts ont commencé à douter : ont-elles des propriétés hypnotiques ? Le Portrait d'un fonctionnaire nu endormi, vendu aux enchères, selon le Sun, a été acheté par un connaisseur de beauté et milliardaire Roman Abramovich.

28

"Violon et Guitare"

Auteur

Xun Gris

Pays Espagne
Années de vie 1887–1927
Style cubisme

Né à Madrid, où il est diplômé de l'École des Arts et Métiers. En 1906, il s'installe à Paris et entre dans le cercle des artistes les plus influents de l'époque : Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Léger, et travaille également avec Sergei Diaghilev et sa troupe.

5x100cm
1913
prix
28,642 millions de dollars
vendu en 2010
aux enchères Christie's

Gris, selon ses propres mots, était engagé dans « une architecture plane et colorée ». Ses peintures sont pensées avec précision : il n'a pas laissé un seul trait aléatoire, ce qui rend la créativité proche de la géométrie. L'artiste a créé sa propre version du cubisme, même s'il respectait grandement Pablo Picasso, le père fondateur du mouvement. Le successeur lui a même dédié sa première œuvre de style cubiste, « Hommage à Picasso ». Le tableau « Violon et Guitare » est reconnu comme remarquable dans l’œuvre de l’artiste. De son vivant, Gris était célèbre et apprécié des critiques et des critiques d'art. Ses œuvres sont exposées dans les plus grands musées du monde et conservées dans des collections privées.

29

"PortraitChamps d'Eluard"

Auteur

Salvador Dalí

Pays Espagne
Années de vie 1904–1989
Style surréalisme

"Le surréalisme, c'est moi", a déclaré Dali lorsqu'il a été exclu du groupe surréaliste. Au fil du temps, il devient l’artiste surréaliste le plus célèbre. Le travail de Dali est partout, pas seulement dans les galeries. Par exemple, c’est lui qui a imaginé l’emballage des Chupa Chups.

25x33 cm
1929
prix
20,6 millions de dollars
vendu en 2011
aux enchères Sotheby's

En 1929, le poète Paul Eluard et son épouse russe Gala vinrent rendre visite au grand provocateur et bagarreur Dali. Cette rencontre marque le début d’une histoire d’amour qui durera plus d’un demi-siècle. Le tableau « Portrait de Paul Eluard » a été peint lors de cette visite historique. "J'ai senti qu'on m'avait confié la responsabilité de capturer le visage du poète, à l'Olympe duquel j'avais volé une des muses", a déclaré l'artiste. Avant de rencontrer Gala, il était vierge et dégoûté à l'idée d'avoir des relations sexuelles avec une femme. Le triangle amoureux a existé jusqu'à la mort d'Eluard, après quoi il est devenu le duo Dali-Gala.

30

"Anniversaire"

Auteur

Marc Chagall

Pays Russie, France
Années de vie 1887–1985
Style avant-garde

Moishe Segal est né à Vitebsk, mais en 1910 il émigre à Paris, change de nom et se rapproche des principaux artistes d'avant-garde de l'époque. Dans les années 1930, lors de la prise du pouvoir par les nazis, il part aux États-Unis avec l'aide du consul américain. Il ne revient en France qu'en 1948.

80x103 cm
1923
prix
14,85 millions de dollars
vendu en 1990
aux enchères Sotheby's

Le tableau « Anniversaire » est reconnu comme l'un des meilleures œuvres artiste. Il contient toutes les caractéristiques de son œuvre : les lois physiques du monde sont effacées, le sentiment d'un conte de fées est préservé dans le décor de la vie bourgeoise, et l'amour est au centre de l'intrigue. Chagall n’a pas dessiné les gens d’après la vie, mais seulement de mémoire ou d’imagination. Le tableau «Anniversaire» représente l'artiste lui-même et sa femme Bela. Le tableau a été vendu en 1990 et n’a plus été mis aux enchères depuis. Fait intéressant, le MoMA du New York Museum of Modern Art abrite exactement le même, uniquement sous le nom de « Birthday ». À propos, il a été écrit plus tôt, en 1915.

préparé le projet
Tatiana Palasova
la note a été compilée
selon la liste www.art-spb.ru
tmn magazine n°13 (mai-juin 2013)

L’art a accompagné l’homme tout au long de son histoire, depuis l’invention du premier pinceau primitif. Qu'il s'agisse des peintures rupestres de Bhimbetka ou de la Joconde de Paris, l'art a trouvé sa place partout. Peu importe qui ou comment l’art de l’Antiquité a été créé ou art contemporain- chaque petit épisode de la vie de quelqu'un personne créative a le droit d’être inscrit dans l’histoire. Mais parmi les gens, il y aura certainement une place pour ceux qui non seulement méritent cette place, mais sont simplement obligés de la prendre. Non pas parce que les œuvres qu’il a créées étaient incroyablement complexes, mais parce qu’elles faisaient ressentir de véritables émotions aux gens. Rendez-vous 15 les plus grands artistes qui ont jamais vécu.

1.Pablo Picasso (1881-1973)

Quiconque a montré un intérêt pour l’art dans son enfance a probablement entendu le nom de Picasso. Artiste espagnol dirigé vie créative, devenant plus tard l'un des artistes les plus influents et les plus célèbres du XXe siècle. Il peignait non seulement des tableaux, mais était également sculpteur, poète et dramaturge. Et tout cela s’ajoute au grand nombre de ses autres activités. L'une de ses meilleures œuvres peut être considérée comme « Guernica » (1937), créée en réponse au bombardement de la ville basque de Guernica par les troupes nazies.

Il s’agit de l’un des nombreux attentats à la bombe qui ont duré plus de deux heures et ont coûté la vie à des milliers d’innocents. Aujourd'hui, le tableau rappelle cette tragédie et les conséquences de la guerre sur les gens, en particulier sur les citoyens ordinaires. Après que Picasso ait terminé Guernica, le tableau a fait une courte tournée, devenant un symbole populaire contre la guerre et gagnant une renommée parmi les critiques et les gens ordinaires.

2.Vincent van Gogh (1853-1890)

Vincent van Gogh était un post-impressionniste néerlandais qui est toujours considéré comme l'un des artistes les plus célèbres et les plus influents de l'art occidental. Il a créé environ 2 000 œuvres en un peu plus de 10 ans. Parmi eux, environ 800 ont été écrits au cours des dernières années de sa vie. Il s'est suicidé à l'âge de 37 ans en raison d'une grave maladie mentale et de la pauvreté.

« La Nuit étoilée » (1889) est l'une de ses œuvres les plus célèbres, écrite alors qu'il était dans un hôpital psychiatrique en France. Il représente une vue depuis une fenêtre d'un village fictif, sur lequel se lève un soleil jaune vif. C’est l’une des peintures les plus reconnaissables non seulement dans le monde de l’art, mais dans le monde entier.

3. Léonard de Vinci (1452-1519)

Léonard de Vinci était un artiste, sculpteur, mathématicien et inventeur italien. Il était également engagé dans des recherches dans les domaines de l'architecture, des sciences, de la musique, de l'ingénierie, de l'astronomie, de la géologie et de nombreux autres domaines. C'est pourquoi il a reçu le nom d'« Homme de la Renaissance », car il possédait des connaissances dans presque tous les domaines disponibles à l'époque. Son tableau le plus célèbre peut probablement être appelé « La Joconde » (1503-1506), qui est considérée comme le tableau le plus visité, reconnaissable et parodié de son histoire.

La raison de sa popularité est le mystère insaisissable, le sourire mystérieux de la jeune fille représentée dans le portrait. De nombreux historiens, lorsqu’ils ont vu ce tableau pour la première fois, l’ont décrit comme quelque chose qu’aucune photographie ne pouvait capturer. On pense que le portrait représente Lisa del Giocondo, épouse de Francesco del Giocondo. Le titre italien de la Joconde est « La Gioconda », ce qui signifie « joconde » (heureux ou vivant, ce qui peut être considéré comme un jeu de mots sur le nom de famille de la famille, Giocondo). Le titre français du tableau, « La Joconde », a le même sens).

4. Rembrandt van Rijn (1606-1669)

Rembrandt van Rijn, mieux connu simplement sous le nom de Rembrandt, était un artiste baroque néerlandais. Il maîtrisait son métier dans trois domaines : le dessin, la peinture et la gravure. En raison de sa polyvalence, il est à juste titre considéré comme le plus grand artiste visuel de l’histoire de l’art. Sa polyvalence lui a permis de tout peindre, des paysages et portraits aux événements historiques et scènes bibliques.

L'une de ses œuvres les plus populaires, « La Ronde de nuit » (1642), se trouve aujourd'hui au Musée national d'Amsterdam. Le tableau se distingue par trois qualités : sa taille (environ 360 centimètres de large et 430 centimètres de haut), le jeu de mouvement dans un portrait traditionnellement encore militaire et l'utilisation de la lumière et de l'ombre, dans laquelle Rembrandt était exceptionnellement expérimenté et habile.

5. Johannes Vermeer (1632-1675)

Johannes Vermeer était un autre artiste néerlandais spécialisé dans la représentation des intérieurs de maisons pauvres et de la vie de la classe moyenne. Bien qu'il ne soit pas reconnu de son vivant, ses œuvres sont redécouvertes en 1860.

Ensuite, certaines de ses peintures ont été attribuées par erreur à d'autres artistes, mais le véritable auteur a rapidement été établi grâce au travail minutieux des critiques d'art et des historiens. À ce jour, 34 œuvres de Vermeer sont connues. Le plus célèbre de ses tableaux est « La Fille à la perle » (1665). Le portrait se distingue par le regard vivant et respirant d'une jeune fille européenne vêtue de vêtements exotiques, ainsi que par une boucle d'oreille polie inhabituellement grande, que l'on croit être une perle.

6. Michel-Ange (1475-1564)

Rival de Léonard de Vinci, Michel-Ange était également considéré comme un homme de la Renaissance pour ses talents en sculpture, en peinture et en poésie. Son influence et sa contribution au développement de l’art occidental sont sans précédent à ce jour. Sa création la plus célèbre est considérée comme la Statue de David (1501-1504), une sculpture en marbre de 17 mètres du héros biblique du même nom, favori des artistes florentins de l'époque.

La statue finit par symboliser les libertés civiles menacées dans la République de Florence, une ville qui rivalisait avec toutes les villes puissantes de l'époque et s'opposait à leur hégémonie politique.

7. Edvard Munch (1863-1944)

Edvard Munch était un peintre et graveur expressionniste norvégien. Il est connu pour ses thèmes et connotations psychologiques, fortement influencés par le symbolisme du XIXe siècle. Son œuvre a grandement influencé l’expressionnisme allemand du début du XXe siècle.

Son tableau le plus célèbre et le plus reconnaissable est « Le Cri » (1893-1910), qui comporte quatre versions distinctes en deux différentes options: réalisé à l'huile et au pastel. Le tableau se distingue par ses couleurs douloureuses et dures, mais en même temps choisies avec goût, et par l'émotion figée représentée sur un visage très simpliste sur un fond orange vif.

8. Salvador Dalí (1904-1989)

L'un des plus artistes célèbres Mouvement surréaliste, Dali est surtout connu pour son esthétique absurdement fantaisiste, passant de peinture en peinture. Son art était une extension de lui-même, mais étant donné son expressivité espagnole et son amour de l'attention, il n'en était pas moins réputé pour son comportement excentrique. Son plus œuvre célèbre"La persistance de la mémoire" (1931).

Une interprétation de l’image est la façon dont le temps commence à fondre dès qu’une personne s’endort. Lorsqu'on lui a demandé ce qui avait exactement inspiré Salvador Dali à peindre ce tableau, il a répondu que la forme de l'horloge fondante était inspirée du camembert fondant au soleil.

9.Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet, souvent considéré comme l'un des fondateurs de l'impressionnisme, était un artiste français et l'un des pionniers les plus brillants et les plus talentueux du mouvement impressionniste français. En fait, le terme « impressionnisme » lui-même a été inventé après qu'il ait créé un tableau intitulé « Impression, Soleil Levant » (« Impression, lever de soleil »).

Son œuvre la plus célèbre est Les Nymphéas (1840 à 1926), une série de 250 peintures représentant le jardin de la maison de l'artiste français à Giverny, en France. Cette série a été l'objet principal du travail de l'artiste au cours des 30 dernières années de sa vie.

10. Jackson Pollock (1912-1956)

Jackson Pollock était un artiste américain et leader de l'impressionnisme abstrait. Il est devenu célèbre pour ses techniques inhabituelles de peinture au goutte-à-goutte, dans lesquelles la peinture est versée ou coulée sur la toile. Pollock était connu pour sa dépendance à l'alcool, qui a conduit à l'accident de voiture qui lui a coûté la vie en 1956.

L'un de ses plus tableaux célèbres- « No 5, 1948 » (1948) est l'un des tableaux les plus chers au monde. L’artiste a fait preuve d’un immense contrôle et discipline dans une image pleine de chaos. Le tableau a acquis le nom de « Nid d'oiseau », grâce aux couleurs gris, marron, jaune et blanc entremêlées les unes aux autres.

11. Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir était l'un des chefs de file du mouvement impressionniste. artiste français bien connu pour ses représentations de la sensualité féminine et son culte de la beauté. L'une de ses œuvres les plus célèbres est « Le Bal au Moulin de la Galette » (1876), qui capture dans un style impressionniste typique l'essence de la fête en plein air des dimanches soirs parisiens où les habitants de la ville pouvaient boire, danser, discuter et être joyeux.

12. Gustav Klimt (1862-1918)

Gustav Klimt était un artiste symboliste autrichien, surtout connu pour ses œuvres à l'érotisme explicite, ses peintures variées, ses croquis et ses natures mortes. En plus de représenter le corps féminin, Klimt peint également des paysages et des scènes, en partie influencés par l'art japonais. L'une de ses œuvres les plus célèbres est Le Baiser (1907-1908), l'un des joyaux de sa période dorée. Cette période de son travail a été définie par l'utilisation spectaculaire de tons dorés dans son travail, utilisant souvent de véritables feuilles d'or.

13. Frida Kahlo (1907-1954)

L'une des artistes les plus puissantes de son époque, et elle le reste encore aujourd'hui, Frida Kahlo était une surréaliste mexicaine surtout connue pour ses autoportraits de solitude et de détachement. Ses œuvres sont considérées comme emblématiques des traditions mexicaines et sont largement appréciées des féministes pour leurs représentations vivantes et authentiques du monde intérieur des femmes.

L'une de ses œuvres les plus célèbres est « Autoportrait avec un collier d'épines et un colibri » (1940). Ils sont les plus remarquables comme exemples de sa libre utilisation du symbolisme. Le collier à pointes et le colibri suspendu sans vie symbolisaient peut-être son agonie intérieure.

14. René Magritte (1898-1967)

René Magritte était un artiste surréaliste belge surtout connu pour son utilisation d'objets du quotidien pour transmettre sa perception ornée du monde quotidien. Il était également connu pour créer des œuvres qui faisaient réfléchir le spectateur, l’incitant à rompre avec les notions préconçues sur la réalité.

Une de ses œuvres célèbres qui adhère à ce principe est « La Trahison des Images » (928-1929), qui est une pipe fumante avec l'inscription « Ceci n'est pas une pipe ». n'est vraiment pas une pipe simplement parce que ce n'est que son image. Cette technique et ce style de changement de ce que nous appelons la réalité étaient communs à toutes ses œuvres et idées.

15. Andy Warhol (1928-1987)

Andy Warhol était un artiste visuel américain surtout connu pour son style appelé « pop art ». Son travail explore les relations entre l’industrie cinématographique glamour, la publicité, la culture populaire et l’expression artistique.

Son œuvre la plus célèbre est Campbell's Soup (1962), composée de 32 fragments mesurant chacun 51 centimètres de haut et 41 centimètres de large. Chacun des éléments peut être considéré comme une image distincte. Les pièces personnalisées ont été produites par sérigraphie semi-automatique, ce qui a grandement contribué au développement du Pop Art et à la convergence de la culture populaire avec l’art visuel tel que nous le connaissons aujourd’hui.

Parmi les artistes russes, il existe de nombreuses personnalités talentueuses. Leur travail est très apprécié dans le monde entier et constitue un digne concurrent de maîtres mondiaux tels que Rubens, Michel-Ange, Van Gogh et Picasso. Dans cet article, nous avons rassemblé 10 des artistes russes les plus célèbres.

1. Ivan Aïvazovski

Ivan Aivazovsky est l'un des artistes russes les plus célèbres. Il est né à Feodosia. Dès l'enfance, Aivazovsky a montré son incroyable créativité: Il aimait dessiner et a appris à jouer du violon en autodidacte.

À l'âge de 12 ans, le jeune talent commence à étudier à Simferopol à l'Académie de peinture. Ici, il a appris à copier des gravures et à peindre des tableaux d'après nature. Un an plus tard, il parvient à entrer à l'Académie impériale de Saint-Pétersbourg, même s'il n'a pas encore atteint l'âge de 14 ans.

Pendant longtemps, l'artiste a voyagé à travers l'Europe et a vécu en Italie, où ses peintures étaient également reconnues. Ainsi, le jeune artiste de Feodosia est devenu un homme assez célèbre et riche.

Plus tard, Aivazovsky retourna dans son pays natal, où il reçut l'uniforme du ministère de la Marine et le titre d'académicien. L'artiste s'est également rendu en Égypte et a été présent à l'ouverture du nouveau canal de Suez. L'artiste a décrit toutes ses impressions dans des peintures. À cette époque, il avait déjà développé son propre style et sa capacité à écrire de mémoire. Aivazovsky a rapidement esquissé des éléments complexes dans un cahier afin de les transférer ensuite sur toile. Ses peintures « Odessa », « La Neuvième Vague » et « La Mer Noire » lui ont valu une renommée mondiale.

L'artiste a passé les dernières années de sa vie à Feodosia, où il s'est construit une maison de style italien. Un peu plus tard, Aivazovsky y ajouta une petite galerie pour que chacun puisse en profiter librement peintures étonnantes et se noyer dans un océan de couleurs. Aujourd'hui, ce manoir sert toujours de musée et de nombreux visiteurs viennent ici chaque jour pour voir de leurs propres yeux le talent du peintre de marine, qui a vécu une vie longue et heureuse.

2. Viktor Vasnetsov

La liste des artistes russes les plus célèbres se poursuit avec Viktor Vasnetsov. Il est né au printemps 1848 dans la famille d'un prêtre du petit village de Lopyal. Son envie de peindre s'est réveillée de façon très jeune âge, mais ses parents n'ont pas pu lui donner une éducation adéquate faute d'argent. Ainsi, à l'âge de 10 ans, Victor a commencé à étudier dans un séminaire théologique gratuit.

En 1866, pratiquement sans argent, il part pour Saint-Pétersbourg. Vasnetsov a facilement réussi l'examen d'entrée et est entré à l'Académie des Arts. Ici, son amitié a commencé avec le célèbre artiste Repin, avec qui il se rendit plus tard à Paris. De retour à Saint-Pétersbourg, Vasnetsov commence à écrire ses écrits les plus tableaux célèbres: "Trois Héros", "Snow Maiden" et "Dieu des Armées".

L'artiste n'a pu révéler pleinement son talent qu'après avoir déménagé à Moscou. Ici, il se sent bien et à l'aise, et chaque photo suivante s'avère meilleure que la précédente. C'est à Moscou que Vasnetsov a peint des tableaux tels que « Alyonushka », « Ivan Tsarévitch et loup gris" et "Nestor le Chroniqueur".

3. Karl Brioullov

Ce célèbre artiste russe est né en 1799. Le père de Karl était un peintre célèbre et professeur à l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg. Le sort du garçon était donc prédéterminé à l’avance. Heureusement, Karl Bryullov a réussi à hériter du talent d'artiste de son père.

Étudier était très facile pour le jeune artiste. Il était plusieurs fois supérieur au reste des étudiants de sa classe et est diplômé de l'Académie des Arts avec mention. Après cela, Karl partit voyager à travers l'Europe, s'arrêtant longtemps uniquement en Italie. C'est ici qu'il a créé son chef-d'œuvre, « Le dernier jour de Pompéi », après avoir passé environ six ans à l'écrire.

À son retour à Saint-Pétersbourg, la renommée et la gloire attendaient Karl Bryullov. Ils étaient heureux de le voir partout et admiraient certainement ses nouvelles peintures. Durant cette période, l'artiste réalise plusieurs de ses toiles immortelles : « Cavalière », « Siège de Pskov », « Narcisse » et d'autres.

4. Ivan Chichkine

Ivan Shishkin est l'un des paysagistes russes les plus célèbres qui, dans ses peintures, pouvait présenter n'importe quel paysage discret sous le jour le plus favorable. Il semble que la nature elle-même joue sur les toiles de cet artiste aux couleurs vivantes.

Ivan Shishkin est né en 1832 à Elabuga, qui appartient aujourd'hui au Tatarstan. Le père voulait que son fils occupe éventuellement le poste de fonctionnaire de la ville, mais Ivan s'est tourné vers le dessin. À l’âge de 20 ans, il part à Moscou pour étudier la peinture. Après réussiteÀ l'École des Arts de Moscou, Shishkin entre à l'Académie impériale de Saint-Pétersbourg.

Plus tard, il voyagea longtemps à travers l’Europe, dessinant des paysages étonnants. A cette époque, il réalise le tableau «Vue dans les environs de Düsseldorf», qui lui vaut une grande renommée. De retour en Russie, Shishkin continue de créer avec une énergie renouvelée. Selon lui, la nature russe est plusieurs centaines de fois supérieure aux paysages européens.

Ivan Shishkin a peint de nombreux tableaux époustouflants au cours de sa vie : « Matin dans une forêt de pins », « Première neige », « forêt de pins" et d'autres. Même la mort a rattrapé ce peintre juste derrière son chevalet.

5. Isaac Lévitan

Ce grand maître russe du paysage est né en Lituanie, mais a vécu toute sa vie en Russie. À plusieurs reprises Origine juive lui a causé de nombreuses humiliations, mais ne l'a jamais forcé à quitter ce pays qu'il idolâtrait et louait dans ses tableaux.

Les premiers paysages de Levitan ont déjà reçu des notes élevées de la part de Perov et de Savrassov, et Tretiakov lui-même a même acheté son tableau « Jour d'automne à Sokolniki ». Mais en 1879, Isaac Levitan et tous les Juifs furent expulsés de Moscou. Ce n'est que grâce aux énormes efforts de ses amis et de ses professeurs qu'il parvient à retourner en ville.

Dans les années 1880, l’artiste peint de nombreux tableaux époustouflants qui le rendent très célèbre. C'étaient « Pins », « Automne » et « Première neige ». Mais de nouvelles humiliations ont contraint l’auteur à quitter à nouveau Moscou et à se rendre en Crimée. Sur la péninsule, l'artiste peint de nombreuses œuvres étonnantes et améliore considérablement sa situation financière. Cela lui permet de voyager à travers l'Europe et de se familiariser avec le travail des maîtres du monde. Le summum de la créativité de Levitan était sa peinture « Au-dessus de la paix éternelle ».

6. Vasily Tropinine

Le grand portraitiste russe Vasily Tropinin a connu un destin incroyable. Il est né dans la famille des serfs du comte Markov en 1780 et ce n'est qu'à l'âge de 47 ans qu'il a reçu le droit d'être un homme libre. Même enfant, le petit Vasily montrait un penchant pour le dessin, mais le comte l'envoya étudier pour devenir pâtissier. Plus tard, il est néanmoins envoyé à l'Académie Impériale, où il montre son talent dans toute sa beauté. Pour ses portraits « La Dentellière » et « Le Vieux Mendiant », Vasily Tropinin a reçu le titre d'académicien.

7. Petrov-Vodkine Kuzma

Le célèbre artiste russe Petrov-Vodkin a réussi à laisser derrière lui un riche héritage dans la peinture mondiale. Il est né en 1878 à Khvalynsk et, dans sa jeunesse, il allait devenir cheminot. Cependant, le destin a fait de lui un peintre de renommée mondiale.

8. Alexeï Savrasov

Les tableaux de cet artiste russe se vendaient déjà bien alors qu’il avait à peine 12 ans. Un peu plus tard, il entre à l'École de peinture de Moscou et devient instantanément l'un des meilleurs élèves. Un voyage en Ukraine a aidé Savrasov à obtenir son diplôme universitaire plus tôt que prévu et à recevoir le titre d'artiste.

Les tableaux « Pierre dans la forêt » et « Kremlin de Moscou » ont fait de ce peintre un académicien à 24 ans ! La famille royale s'intéresse aux jeunes talents et Tretiakov lui-même achète plusieurs de ses œuvres pour des expositions internationales. Parmi eux figuraient "Winter", "The Rooks Have Arrived", "Rasputitsa" et d'autres.

La mort de deux filles et le divorce qui a suivi affectent grandement Savrasov. Il boit beaucoup et meurt bientôt dans un hôpital pour pauvres.

9. Andreï Roublev

Andrei Rublev est le peintre d'icônes russe le plus célèbre. Il est né au XVe siècle et a laissé derrière lui un grand héritage sous forme d'icônes « Trinité », « Annonciation », « Baptême du Seigneur ». Andrei Rublev, avec Daniil Cherny, a décoré de nombreuses églises de fresques et a également peint des icônes pour les iconostases.

10. Mikhaïl Vroubel

Notre liste des artistes russes les plus célèbres se termine par Mikhaïl Vroubel, qui au cours de sa vie a créé de nombreux chefs-d'œuvre dans divers sujets. Il a peint le temple de Kiev et, plus tard, à Moscou, il a commencé à créer sa célèbre série de peintures « démoniaques ». Les pérégrinations créatrices de cet artiste n'ont pas trouvé une bonne compréhension parmi ses contemporains. Ce n’est que plusieurs décennies après la mort de Mikhaïl Vroubel que les historiens de l’art lui ont rendu hommage et que l’Église a souscrit à ses interprétations des événements bibliques.

Malheureusement, la vie personnelle de l’artiste l’a amené à développer une forme grave de troubles mentaux. Le titre d'académicien l'a rattrapé dans un hôpital psychiatrique, dont il n'était jamais destiné à sortir. Néanmoins, Mikhaïl Vrubel a réussi à créer de nombreuses œuvres d'art étonnantes qui méritent une véritable admiration. Parmi eux, les tableaux « Démon assis », « La princesse cygne » et « Faust » méritent d'être soulignés.