Acasă → Frumos Unde s-a născut Rafael Santi? Cele mai bune tablouri ale lui Rafael

Unde s-a născut Rafael Santi? Cele mai bune tablouri ale lui Rafael

(1483-1520) este unul dintre cele mai strălucitoare genii. A trăit o copilărie dificilă, pierzându-și mama și tatăl la o vârstă fragedă. Totuși, atunci soarta, fără răgaz, i-a dat totul. ceea ce își dorea el erau comenzi numeroase, succes enorm și faimă mare, bogăție și onoare, iubire universală, inclusiv iubirea de femei. Admiratorii l-au numit „divin”. Cu toate acestea, s-a remarcat de mult timp că soarta este capricioasă și imprevizibilă. De la care se pliază prea generos cu cadouri, se poate întoarce brusc. Exact asta i s-a întâmplat lui Rafael: în floarea vieții și a creativității, a murit pe neașteptate.

Rafael a fost arhitect și pictor. În urma lui Bramante, a participat la proiectarea și construcția Catedralei Sf. Petru, a construit Capela Chigi a Bisericii Santa Maria del Popolo din Roma. Cu toate acestea, i-a adus o faimă fără precedent pictura.

Spre deosebire de Leonardo, Raphael era complet al timpului său. Nu există nimic ciudat, misterios sau enigmatic în lucrările sale. Totul în ele este clar și transparent, totul este frumos și perfect. El a întruchipat cel mai puternic idealul pozitiv al unei persoane frumoase. În opera lui domnește un principiu care afirmă viața.

Tema principală a operei sale a fost tema Madonei, căreia i-a găsit o întruchipare ideală de neîntrecut. Lui Raphael i-a dedicat una dintre lucrările sale timpurii - „Madonna Conestabile”, unde Madonna este înfățișată cu o carte răsfoită de un copil. Deja în această pictură s-au manifestat clar principiile artistice importante ale marelui artist. Madonna este lipsită de sfințenie, ea exprimă nu numai dragostea maternă, ci întruchipează idealul unei persoane frumoase. Totul în imagine este marcat de perfecțiune: compoziția. culori, figuri, peisaj.

Acest tablou a fost urmat de o serie întreagă de variații pe aceeași temă - „Madona cu Goldfinch”, „Frumosul grădinar”. „Madona printre verdeață”, „Madona cu Iosif fără barbă”, „Madona sub baldachin”. A. Benois a definit aceste variații drept „sonete pitorești fermecătoare”. Toate înalță și idealizează o persoană, slăvesc frumusețea, armonia și grația.

După o scurtă pauză, când Rafael era ocupat cu picturile în frescă, a revenit din nou la tema Madonei. În unele dintre imaginile ei, el pare să varieze modelele găsite anterior. Acestea, în special, sunt „Madonna Alba” și „Madonna într-un fotoliu”, a căror compoziție este subordonată unui cadru rotund. În același timp, el creează noi tipuri de imagini ale Madonnei.

Punctul culminant în dezvoltarea temei Maicii Domnului a fost „ Madonna Sixtina" care a devenit un adevărat imn la perfecţiunea fizică şi spirituală a omului. Spre deosebire de toate celelalte Madone, Sixtina exprimă un sens uman inepuizabil. Ea îmbină cele pământești cu cele cerești, simplul și sublimul, aproape și inaccesibilul. Pe chipul ei se pot citi toate sentimentele umane: tandrețe, timiditate, anxietate, încredere, severitate, demnitate, măreție.

Principalele dintre ele, potrivit lui Winckelmann, sunt „simplitatea nobilă și grandoarea calmă”. Măsura, echilibrul și armonia domnesc în imagine. Se distinge prin linii netede și rotunjite, modele moi și melodice, bogăție și bogăție de culoare. Madonna însăși radiază energie și mișcare. Cu această lucrare, Rafael a creat cea mai sublimă și poetică imagine a Madonei în arta Renașterii.

Printre lucrările remarcabile ale lui Rafael se numără picturile din camerele papale personale (strofe) din Vatican, dedicate subiectelor biblice, precum și filosofiei, artei și jurisprudenței.

Fresca „Școala din Atena” înfățișează o întâlnire de filozofi și oameni de știință din Antichitate. În centru sunt figurile maiestuoase ale lui Platon și Aristotel, iar de ambele părți ale acestora sunt înțelepții și oamenii de știință antici.

Fresca „Parnasul” îi reprezintă pe Apollo și Muzele înconjurate de marii poeți ai antichității și ai Renașterii italiene. Toate picturile sunt marcate de cea mai înaltă măiestrie a compoziției, decorativitatea strălucitoare și naturalețea pozițiilor și gesturilor personajelor.

Scurtă biografie Rafael Santi

Rafael Santi - Pictor, grafician și arhitect italian, reprezentant al școlii din Umbria.

În 1500 s-a mutat la Perugia și a intrat în atelierul lui Perugino pentru a studia pictura. În același timp, Raphael și-a finalizat primele lucrări independente: aptitudinile și abilitățile adoptate de la tatăl său au avut un impact. Cele mai de succes dintre lucrările sale timpurii sunt „Madonna Conestabile” (1502-1503), „Visul cavalerului”, „Sfântul Gheorghe” (ambele 1504)

Simțindu-se ca un artist desăvârșit, Rafael și-a părăsit profesorul în 1504 și s-a mutat la Florența. Aici a muncit din greu pentru a crea imaginea Madonei, căreia i-a dedicat nu mai puțin de zece lucrări („Madonna with the Goldfinch”, 1506-1507; „Entombment”, 1507 etc.).

La sfârșitul anului 1508, Papa Iulius al II-lea l-a invitat pe Rafael să se mute la Roma, unde artistul și-a petrecut ultima perioadă a vieții. viata scurta. La curtea Papei, a primit funcția de „artist al Scaunului Apostolic”. Locul principal în opera sa era acum ocupat de picturile din sălile de stat (strofe) ale Palatului Vatican.

La Roma, Rafael a atins perfecțiunea ca portretist și a dobândit ocazia de a-și realiza talentul de arhitect: din 1514 a supravegheat construcția Catedralei Sf. Petru.

În 1515, a fost numit Comisar al Antichităților, ceea ce însemna studierea și protejarea monumentelor antice și supravegherea săpăturilor.

Raphael (Raffaello Santi) (1483 - 1520) – artist (pictor, grafician), arhitect al Înaltei Renașteri.

Biografia lui Rafael Santi

La sfârșitul anului 1508, Papa Iulius al II-lea l-a invitat pe Rafael să se mute la Roma, unde artistul și-a petrecut ultima perioadă a scurtei sale vieți. La curtea Papei, a primit funcția de „artist al Scaunului Apostolic”. Locul principal în opera sa a fost acum ocupat de picturile din sălile de stat (strofe) ale Palatului Vatican.

La Roma, Rafael a atins perfecțiunea ca portretist și a dobândit ocazia de a-și realiza talentul de arhitect: din 1514 a supravegheat construcția Catedralei Sf. Petru.

În 1515, a fost numit Comisar al Antichităților, ceea ce însemna studierea și protejarea monumentelor antice și supravegherea săpăturilor.

Cea mai faimoasă dintre lucrările lui Rafael, „Madona Sixtină” (1515-1519), a fost scrisă și la Roma. ÎN ultimii aniÎn timpul vieții, artistul popular a fost atât de ocupat cu comenzi, încât a trebuit să încredințeze punerea lor în aplicare studenților, limitându-se la întocmirea schițelor și la supravegherea generală a lucrării.
A murit la 6 aprilie 1520 la Roma.

Tragedia maestrului strălucit a fost că nu putea lăsa în urmă succesori demni.

Cu toate acestea, opera lui Rafael a avut o influență imensă asupra dezvoltării picturii mondiale.

Lucrări ale lui Rafael Santi

Ideea celor mai strălucitoare și mai sublime idealuri ale umanismului renascentist a fost întruchipată pe deplin în opera sa de Raphael Santi (1483-1520). Contemporan mai tânăr al lui Leonardo, care a trăit o viață scurtă, extrem de plină de evenimente, Raphael a sintetizat realizările predecesorilor săi și și-a creat idealul de persoană frumoasă, dezvoltată armonios, înconjurată de arhitectură sau peisaj maiestuos.

Ca un băiat de șaptesprezece ani, dezvăluie adevărata maturitate creativă, creând o serie de imagini pline de armonie și claritate spirituală.

Lirismul tandru și spiritualitatea subtilă disting una dintre lucrările sale timpurii - „Madonna Conestabile” (1502, Sankt Petersburg, Ermitaj), o imagine luminată a unei tinere mame înfățișată pe fundalul unui peisaj transparent umbrian. Capacitatea de a aranja liber figuri în spațiu, de a le conecta între ele și cu mediul înconjurător se manifestă și în compoziția „Lordiunea Mariei” (1504, Milano, Galeria Brera). Spațialitatea în construcția peisajului, armonia formelor arhitecturale, echilibrul și integritatea tuturor părților compoziției mărturisesc apariția lui Rafael ca maestru al Înaltei Renașteri.

La sosirea sa la Florența, Rafael absoarbe cu ușurință cele mai importante realizări ale artiștilor școlii florentine cu începutul său plastic pronunțat și sfera largă de realitate.

Conținutul artei sale rămâne tema lirică a luminii dragostea mamei, căruia îi acordă o semnificație deosebită. Ea primește o expresie mai matură în lucrări precum „Madonna in the Greens” (1505, Viena, Kunsthistorisches Museum), „Madonna with Goldfinch” (Florența, Uffizi), „Frumosul grădinar” (1507, Paris, Luvru). În esență, toate variază același tip de compoziție, compusă din figurile Mariei, Pruncul Hristos și Botezătorul, formând grupuri piramidale pe fundalul unui peisaj rural frumos, în spiritul tehnicilor compoziționale găsite mai devreme de Leonardo. Naturalitatea mișcărilor, plasticitatea moale a formelor, netezimea liniilor melodioase, frumusețea tipului ideal de Madone, claritatea și puritatea fundalurilor peisajelor ajută la dezvăluirea poeziei sublime a structurii figurative a acestor compoziții.

În 1508, Rafael a fost invitat să lucreze la Roma, la curtea Papei Iulius al II-lea, un om puternic, ambițios și energic, care a căutat să sporească comorile artistice ale capitalei sale și să atragă în slujba sa cele mai talentate personalități culturale ale vremii. La începutul secolului al XVI-lea, Roma a inspirat speranțe pentru unificarea națională a țării. Idealurile unei ordini naționale au creat terenul pentru creșterea creativă, pentru întruchiparea aspirațiilor avansate în artă. Aici, în imediata apropiere a moștenirii antichității, talentul lui Rafael înflorește și se maturizează, dobândind o nouă amploare și trăsături de măreție calmă.

Rafael primește ordin de a picta sălile de stat (așa-numitele strofe) ale Palatului Vaticanului. Această lucrare, care a continuat cu intermitențe din 1509 până în 1517, l-a plasat pe Rafael printre cei mai mari maeștri ai artei monumentale italiene care au rezolvat cu încredere problema sintetizării arhitecturii și picturii renascentiste.

Darul lui Rafael de monumentalist și decorator s-a dezvăluit în toată splendoarea sa la pictarea Stanzi della Segnatura (tipografie).

Pe pereții lungi ai acestei încăperi, acoperiți cu bolți cu pânze, sunt așezate compozițiile „Disputa” și „Școala Atenei”, pe pereții îngusti - „Parnasul” și „Înțelepciunea, cumpătarea și puterea”, personificând cele patru zone ale omului. activitate spirituală: teologie, filozofie, poezie și jurisprudență. Bolta, împărțită în patru părți, este decorată cu figuri alegorice care formează un singur sistem decorativ cu picturi murale. Astfel, întregul spațiu al încăperii a fost umplut cu pictură.

Școala de dispute din Atena Adam și Eva

Combinația de imagini ale religiei creștine și ale mitologiei păgâne din picturi a mărturisit răspândirea în rândul umaniștilor din acea vreme a ideilor de reconciliere a religiei creștine cu cultura antică și victoria necondiționată a principiului secular asupra bisericii. Chiar și în „Disputa” (o dispută între părinții bisericii despre comuniune), dedicată reprezentării figurilor bisericești, printre participanții la dispută, se pot recunoaște poeții și artiștii Italiei - Dante, Fra Beato Angelico și alți pictori și scriitori. Triumful ideilor umaniste în arta Renașterii și legătura ei cu antichitatea este evidențiată de compoziția „Școala din Atena”, care glorifica mintea frumuseții și om puternic, știință și filozofie antică.

Pictura este percepută ca întruchiparea unui vis despre un viitor luminos.

Din adâncurile enfiladei grandioaselor întinderi arcuite iese un grup de gânditori antici, în centrul căruia se află maiestuosul Platon cu barbă cenușie și încrezător, inspirat Aristotel, cu un gest cu mâna arătând spre pământ, fondatorii idealismului și filozofie materialistă. Mai jos, în stânga lângă scări, Pitagora stătea aplecat peste o carte, înconjurat de studenți, în dreapta era Euclid, iar aici, chiar la margine, Rafael s-a înfățișat alături de pictorul Sodoma. Acesta este un tânăr cu o față blândă, atrăgătoare. Toate personajele din frescă sunt unite de o dispoziție de înaltă ridicare spirituală și gândire profundă. Ele formează grupuri care sunt indisolubile în integritatea și armonia lor, în care fiecare personaj își ia locul exact și unde arhitectura însăși, în strictă regularitate și măreție, ajută la recrearea atmosferei unei înalte ascensiuni a gândirii creative.

Fresca „Alungarea lui Eliodor” din Stanza d’Eliodoro se remarcă prin dramatismul intens. Bruștea care are loc minunea - alungarea tâlharului templului de către călărețul ceresc - este transmisă de diagonala rapidă a mișcării principale și de utilizarea efectului de lumină. Papa Iulius al II-lea este înfățișat printre spectatorii care urmăresc expulzarea lui Eliodor. Aceasta este o aluzie la evenimentele contemporane ale lui Rafael - expulzarea trupelor franceze din statele papale.

Perioada romană a operei lui Rafael a fost marcată de realizări înalte în domeniul portretului.

Trăsăturile acute de portret dobândesc plin de viață personaje din „Mass in Bolsena” (frescuri în Stanza d’Eliodoro). Raphael a apelat și la genul portretului în pictura de șevalet, arătându-și aici originalitatea, dezvăluind cel mai caracteristic și semnificativ din model. A pictat portrete ale Papei Iulius al II-lea (1511, Florența, Uffizi), ale Papei Leon al X-lea cu cardinalul Ludovico dei Rossi și Giulio dei Medici (circa 1518, ibid.) și alte picturi portretistice. Imaginea Madonei continuă să ocupe un loc important în arta sa, dobândind trăsături de mare grandoare, monumentalitate, încredere și forță. Așa este „Madonna della sedia” („Madonna în fotoliu”, 1516, Florența, Galeria Pitti) cu compoziția sa armonioasă, închisă în cerc.

În același timp, Raphael și-a creat cea mai mare creație "Madona Sixtina"(1515-1519, Dresda, Galerie de imagini), destinată bisericii Sf. Sixta din Piacenza. Spre deosebire de madonele anterioare, mai ușoare, lirice, aceasta este o imagine maiestuoasă, plină de sens profund. Perdelele desfăcute de sus în lateral o dezvăluie pe Mary mergând cu ușurință printre nori cu un copil în brațe. Privirea ei vă permite să priviți în lumea experiențelor ei. Serios, tristă și îngrijorată, se uită undeva în depărtare, parcă prevedea soartă tragică fiul. În stânga Madonei se află Papa Sixtus, contemplând cu entuziasm minunea, în dreapta este Sfânta Barbara, coborând cu evlavie privirea. Mai jos sunt doi îngeri, privind în sus și parcă ne întorc la imaginea principală - Madona și copilul ei copilăresc gânditor.

Armonia impecabilă și echilibrul dinamic al compoziției, ritmul subtil al contururilor liniare netede, naturalețea și libertatea de mișcare alcătuiesc puterea irezistibilă a acestei imagini solide și frumoase.

Adevărul vieții și trăsăturile ideale sunt combinate cu puritatea spirituală a caracterului tragic complex al Madonei Sixtine. Unii cercetători și-au găsit prototipul în trăsăturile „Doamna cu voal” (circa 1513, Florența, Galeria Pitti), dar Rafael însuși, într-o scrisoare către prietenul său Castiglione, a scris că metoda sa creativă se bazează pe principiul selectării și rezumatului. observații de viață: „Pentru a picta o frumusețe, am nevoie să văd multe frumuseți, dar din lipsă... în femei frumoase Folosesc o idee care îmi vine în minte.” Astfel, în realitate, artistul găsește trăsături care corespund idealului său, care se ridică deasupra întâmplării și tranzitoriului.

Rafael a murit la vârsta de treizeci și șapte de ani, lăsând neterminate picturile de la Vila Farnesina, loggiile Vaticanului și o serie de alte lucrări finalizate din cartonașe și desene de către studenții săi. Desenele libere, grațioase și relaxate ale lui Raphael îl plasează pe creatorul lor printre cei mai mari desenatori din lume. Munca sa în domeniul arhitecturii și arte aplicate mărturisesc despre el ca o figură multitalentată a Înaltei Renașteri, care și-a câștigat o mare faimă în rândul contemporanilor săi. Însuși numele lui Rafael a devenit mai târziu un substantiv comun pentru artistul ideal.

Numeroși studenți italieni și adepți ai lui Rafael au ridicat metoda creativă a profesorului la o dogmă incontestabilă, care a contribuit la răspândirea imitației în arta italiană și a prefigurat criza emergentă a umanismului.

Rafael Santi s-a născut în familia unui poet și artist de curte, iar el însuși a fost un pictor preferat al celor de la putere, simțindu-se ușor și confortabil în societate laică. Cu toate acestea, el era de origine scăzută. A rămas orfan de la vârsta de 11 ani, iar tutorele său a petrecut ani de zile dându-și în judecată mama vitregă pentru proprietatea familiei.
Faimosul pictor a pictat „Madona Sixtina” la cererea „călugărilor negri” - benedictinii. Și-a creat capodopera pe o pânză imensă, singur, fără participarea studenților sau asistenților.
Istoricul picturii Vasari, urmat de alți biografi ai lui Rafael, spun că fiica brutarului Margherita Luți, cunoscută sub numele de Fornarina, este întruchipată în trăsăturile multor „Madone”. Unii o consideră o libertină calculatoare, alții - un iubit cinstit, din cauza căruia artista chiar a refuzat să se căsătorească cu o femeie naștere nobilă. Dar mulți critici de artă cred că toate acestea sunt un mit romantic despre dragoste și nimeni nu știe adevăratele relații ale lui Rafael cu femeile.
Tabloul artistului, intitulat „Fornarina”, înfățișând un model seminud, a devenit obiectul unor discuții pasionate între medici. O pată albăstruie pe pieptul modelului a dus la speculații că modelul ar fi avut cancer.
Același Vasari relatează bârfe că, fiind pictor papal, artistul nu prea credea în Dumnezeu sau diavol. Acest lucru este puțin probabil, deși afirmația unuia dintre papii din acea vreme este destul de cunoscută: „Cât de profit ne-a adus acest basm despre Hristos!”

Bibliografie

Toynes Christophe. Rafael. Taschen. 2005
Makhov A. Rafael. Tânăra Garda. 2011. (Viața unor oameni minunați)
Eliasberg N. E. Raphael. - M.: Art, 1961. - 56, p. - 20.000 de exemplare. (regiune)
Stam S. M. Madonele Florentine ale lui Rafael: (Probleme ideologice). - Saratov: Editura Universității Saratov, 1982. - 80 p. - 60.000 de exemplare.

La scrierea acestui articol s-au folosit materiale de pe următoarele site-uri:citaty.su ,

Dacă găsiți inexactități sau doriți să adăugați la acest articol, trimiteți-ne informații la adresa de e-mail admin@site, noi și cititorii noștri vă vom fi foarte recunoscători.

Genial artist Rafael Sanzio s-a născut în micul oraș italian Urbino în 1483. La fel ca majoritatea orașelor italiene din acea vreme, Urbino era un stat independent condus de ducele Federigo de Montefeltro, renumit pentru dragostea sa pentru arte și științe. Fiul său Guidobaldo da Urbino a făcut din curtea sa centrul minților remarcabile ale Italiei. Urbino nu a fost un oraș excepțional în acest sens. A existat o dragoste pentru știință și artă trăsătură distinctivă toate orașele italiene ale Renașterii.

Rafael Sanzio provine din familia unui mic comerciant, artizanul Giovanni Sanzio. Giovanni avea propriul atelier, în care picta imagini, finisa mobilier, șei și aurit diverse obiecte. Conceptele de meșter și artist nu erau separate atunci - toate obiectele de artizanat erau, într-o măsură mai mare sau mai mică opere de artă, totul a fost creat pe baza unor cerințe ridicate cu privire la frumusețea lucrurilor. Raphael a fost implicat în munca atelierului tatălui său încă din copilărie. Având o înclinație timpurie pentru desen, a început să studieze cu tatăl său, care, dacă nu un pictor minunat, atunci a înțeles și apreciat pictura. În tinerețe, când Giovanni trecea printr-o perioadă de ucenicie, a călătorit adesea și a scris mult. Și acum lucrările sale au supraviețuit (de exemplu, „Madona înconjurată de sfinți” în Biserica Santa Croce din Fano).

Urbino nu era în acel moment centrul vreunei școli de pictură, precum Perugia, Florența sau Siena, dar orașul a fost adesea vizitat de mulți artiști care executau comenzi individuale și influențau pictorii din Urbino cu lucrările lor. Paolo Ucelo, Piero della Francesca și Melozzo da Forli au vizitat Urbino, care a executat patru alegorii ale „Artelor liberale” pentru curtea din Urbino - o lucrare plină de un calm maiestuos.

În 1494, când Rafael avea doar unsprezece ani, tatăl său a murit. La acea vreme, familia Sanzio era formată din Bernardina, a doua soție a lui Giovanni (mama lui Rafael a murit când acesta avea opt ani), cele două surori ale lui Giovanni, micul Rafael și unchiul său, călugărul Bartolomeo, care a fost numit tutore al viitorului artist. Membrii familiei nu se înțelegeau prea bine între ei. Rafael a trăit în familia sa până în 1500. Această perioadă a vieții lui Rafael este cel mai puțin cunoscută. În orice caz, se știe că Rafael a fost angajat în pictură în tot acest timp și a fost elevul artistului Timoteo Viti, care a lucrat la curtea lui Federigo de Montefeltro.

În 1500, Rafael a mers în orașul Perugia, cel mai apropiat de Urbino, faimos pentru maeștrii săi de pictură. Cel mai cunoscut pictor din acele părți, Pietro Vannucci, mai cunoscut sub numele, a locuit în Perugia. Perugino avea propriul său atelier, număr mare studenți, iar în glorie era rivalizat în Umbria doar de Signorelli, care locuia la acea vreme în orașul Cortona, situat puțin mai departe de Urbino decât Perugia.

Perugia era centrul întregii Umbrie. Situat pe un platou stâncos, orașul a fost un monument viu al multor epoci. Totul în acest oraș a respirat artă: de la zidurile antice, porțile erei etrusce, turnurile și bastioanele vremurilor feudale și terminând cu fântâna lui Giovanni Pisano, care a intrat în istoria artei, și schimbul Cambio, în care s-a întâlnit corporația locală a bancherilor. Perugia locuia viata agitata; Practic, viața se desfășura în piață: aici se rezolvau disputele, se țineau festivități, se discuta meritele domnitorilor și războinicilor, clădirile și picturile. Viața orașului era plină de contraste: crimele și virtuțile, conspirațiile, crimele, cruzimile, smerenia, bunătatea și veselia sinceră coexistau cu ușurință una lângă alta. Perugia era condusă de un legat papal care nu se bucura de autoritate și era în mod constant amenințat cu asasinarea. Și nu numai crimele secrete, ci și deschise nu au fost condamnate în mod deosebit. Chiar în acest moment, orașul i-a dat maestrului Perugino ordin să picteze schimbul local Cambio cu fresce. Așa au luat naștere „Schimbarea la Față”, „Adorarea magilor” și alte lucrări ale lui Perugino, la care a lucrat mai bine de șapte ani.

Dacă îți place munca artiștilor moderni de stradă, atunci http://graffitizone.kiev.ua te va introduce în arta graffiti-ului cât mai detaliat posibil. Aici veți afla totul despre artiștii de artă stradală, veți vedea lucrările lor și veți citi articole interesante și fascinante.

Adorarea Magilor

Transfigurarea

Michelangelo a găsit arta lui Perugino plictisitoare și depășită. Această evaluare a fost cauzată de faptul că cele mai conservatoare tradiții ale Quattrocento-ului erau încă vii în Perugia (în istoria culturii italiene există o periodizare după secol; prin urmare, Renașterea este împărțită în mod convențional în următoarele perioade: Trocento - secolul XIV. , Quattrocento - secolul XV și Cinquecento - secolul XVI .). Artiștii au creat aici compoziții care erau într-un fel aproape de arta veche. Primitivitatea era trăsătura lor distinctivă. De obicei, aceste picturi au aderat îndeaproape de textele scripturilor. Artiștii nu au știut încă să evidențieze ideile care i-au entuziasmat, să separe cu înțelegerea cuvenită necesarul de accidental. Picturile multor Quattrocentisti - iar artistii din Perugia au fost mai mult decat altii - sunt supraincarcate de detalii, figuri, reprezentarea picturala a temei biblice era destul de naiva in ele.

Școala umbriană s-a dezvoltat sub influența sienezilor. Artiștii sieni care rătăceau prin orașe și sate și-au lăsat creațiile naive, remarcate prin oarecare arhaism epic și monotonie iconografică, în altare și pe pereții bisericilor. Sublimul convențional al acestor picturi asemănătoare icoanelor i-a distins pe sienezi de alte școli italiene. Școala din Siena a îmbunătățit idealurile patriarhale medievale și, deși a dobândit o înaltă pricepere în icoanele sale și a fost renumită pentru puritatea și subtilitatea contururilor, tandrețea și grija execuției, tot nu a depășit obiectele tradiționale ale imaginilor. Astfel, sienezii s-au orientat puțin către natură, toate compozițiile lor au fost construite pe fundalul unei arhitecturi fantastice, dar azurul delicat al picturilor lor și însăși convenția și monotonia tradițională au fost foarte iubite în Umbria. Mulți artiști din Umbria s-au dezvoltat sub influența sienezilor.

Arta Florenței, care la acea vreme era centrul vieții artistice și absorbia pe toți cei mai strălucitori și mai talentați, nu era străină de Perugia. Florența influențată de complexitatea și noutatea sarcinilor sale artistice, de înțelegerea sa umanistă îndrăzneață a frumosului. Cei mai mari artiști din Umbria - Luca Signorelli, Perugino și Pinturicchio și-au creat lucrările minunate datorită faptului că s-au bazat nu numai pe Siena, ci și pe tradiția florentină. Dacă Signorelli a fost influențat mai mult de Florența, care i-a atras atenția asupra corpului uman gol, modelându-și caracterul deja sever și direct spre o logică și franchețe extreme, atunci Perugino este mai aproape de sienezi cu patriarhia și conservatorismul lor artistic.

Perugino a călătorit mult; A studiat și la Florența, lucrând sub îndrumarea lui Piero della Francesca și, de asemenea, împreună cu Leonardo da Vinci la școala Verrocchio. În ciuda a tot felul de influențe, Perugino a rămas totuși, în spirit, un artist pur umbrian, care iubea contururile moi și blânde și imaginile înduioșătoare ale Maicii Domnului. Fețele visătoare și spirituale ale Madonelor sale constituie încă gloria școlii umbrie. Când tânărul Rafael a intrat în Perugino, acesta din urmă era la apogeul faimei sale. În acest moment a acoperit sălile de la Cambio cu fresce. Există o părere că Rafael a participat la munca lui Perugino ca student, dar este imposibil să stabilim acest lucru cu siguranță.

La început, Rafael a lucrat sub influența lui Perugino. Maestrul din acea vreme nu și-a propus sarcina de a dezvolta individualitatea elevului, ci doar i-a împărtășit tehnica măiestriei. Elevii au pictat adesea schițele maestrului, au făcut părți mai puțin importante ale lucrării și, uneori, întreaga lucrare, cu excepția compoziției sale generale și a finisării finale. Perugino, fiind artist popular, era atât de supraîncărcat de comenzi, încât de foarte multe ori le încredința în totalitate studenților săi.

Madonele lui Rafael, care mai târziu aveau să ocupe un loc important în opera artistului, poartă urme de influență în prima perioadă a studiilor sale la Perugia. Perugino. Unele dintre aceste Madone au fost desenate de Perugino sau de asistentul său Pinturicchio. Este vorba de Madonna of the Soli Collection (Madona cu Pruncul cu Carte): este o creație complet Perugino, realizată de mâna timidă a unui student ( datează din 1501). Madona Conestabile della Stoffa, pictată în același timp de Rafael, este celebră. Această Madona este neobișnuit de naivă și de grațioasă; în ea, Raphael este deja simțit ca un artist independent, în ciuda faptului că din desenele supraviețuitoare reiese clar că au fost realizate de Perugino sau Pinturicchio.

Colecția Madonna of the Solly (Madona și copilul cu o carte)

Madonna Conestabile della Stoffa

În 1503, după ce Perugino a plecat la Florența, Rafael a primit prima sa comisie independentă majoră - să picteze pictura „Încoronarea Fecioarei” pentru biserica mănăstirii franciscane din Perugia. Raphael primește deja multe comenzi ca maestru din orașul Città di Castello.

Încoronarea Fecioarei Maria

În 1504, Rafael s-a întors în patria sa, Urbino, ca maestru independent. Este primit la palatul ducelui Guidobaldo și i se oferă patronaj. Aici întâlnește cei mai interesanți și învățați oameni ai timpului său. La curtea ducelui Guidobaldo, Rafael pictează un mic tablou cu „Sfântul Gheorghe”, precum și „Arhanghelul Mihail” sub forma unui cavaler viteaz, întruchipând victoria binelui asupra răului. Tânărul artist a fost foarte apreciat la curte; Ducele credea că Rafael era destul de capabil să se alăture rândurilor cei mai buni artiștiși să creeze lucrări care nu sunt mai mici decât tot ceea ce a fost creat înaintea lui în pictură.

Sfântul Gheorghe

Arhanghelul Mihail doborând demonul

Sfântul Gheorghe învingând balaurul

Raphael a stat la Urbino doar șase luni și, dotat cu scrisori de recomandare, a plecat la Florența. Republica Florentină era în acest moment un centru înfloritor al vieții artistice. Într-un oraș în același timp, s-au adunat genii care au creat lucrări de pictură și sculptură care rămân încă de neîntrecut. Maeștrii, arhitecții și pictorii florentini au fost celebri atât în Turcia, cât și în Moscova.

Și în ciuda faptului că întregul popor a trăit prin artă și printre artă, artiștii erau foarte apreciați, dar nu ca artiști, ci ca meșteri care și-au executat bine munca. Îi plăteau pe artiști și arhitecți lunar sau pe picior de mural! Adevărat, în Florența erau deja conturate granițe mai precise între artă și meșteșuguri. Majoritatea artiștilor proveneau din mediul oamenilor. Educația lor era de obicei limitată la cunoaștere povestiri biblice. În timpul pregătirii, au făcut mai multă muncă auxiliară decât muncă artistică directă. Deși nu avem informații exacte despre viața lui Rafael în timpul studenției, nu există niciun motiv să presupunem că le-a petrecut diferit. Abilitățile excepționale ale lui Rafael l-au ajutat să finalizeze rapid cursul de ucenicie, de obicei foarte lung (de multe ori până la cincisprezece ani), dar însuși profesorul său Perugino nu a putut oferi în plus ceea ce știa. Prin urmare, când Rafael s-a cufundat în viața artistică din Florența, în care artele se aflau la o înălțime mare - aici era deschisă perspectiva, aici se studia anatomia, corpul uman gol era cunoscut și iubit - s-a simțit din nou ca un student care avea nevoie să priviți cu atenție împrejurimile sale și extrageți cunoștințe din el. În Perugia, Rafael însuși avea deja studenți și era cunoscut ca maestru, dar aici l-au privit ca pe un artist novice și nu i-au dat comisii publice.

Rafael a vizitat adesea Perugia, a supravegheat munca studenților săi, a pictat tablouri și a finalizat comenzi, dar a trăit și a studiat în Florența. La Florența, Rafael s-a cufundat în studiul naturii, al naturii, al teoriei unghiurilor, al perspectivei și al problemelor anatomice. Aici se formează compoziția picturilor sale: Madone simple, dar surprinzător de armonioase și simple. Aceste lucrări ale lui Rafael - „Madona cu cardonul”, „Madona în luncă”, „Madona cu mielul”, etc. - și-au pierdut deja caracterul schematic al școlii umbrie, exprimă în mod destul de realist înalt și blând; idealul pământesc al maternității.

Maria și Pruncul, Ioan Botezătorul și Pruncul Iisus Hristos (Madonna Terranova)

Madonna Del Granduca

Madona și Pruncul întronați cu Sf. Ioan Botezătorul și Nicolae din Mira

Mica Madonna din Cowper

Madonna of the Greens (Fecioara Maria în luncă)

Madona cu garoafe

Madona și Pruncul cu sfinți și îngeri (Madona sub baldachin)

Madonna cu Goldfinch

Madona din Orleans

Madona și Pruncul cu Ioan Botezătorul într-un peisaj (Frumosul grădinar)

Citind Madonna

În 1508, Rafael avea doar douăzeci și cinci de ani, dar crease deja peste cincizeci de picturi de șevalet, o frescă în mănăstirea San Severo și un număr nesfârșit de desene și schițe. Deoarece Rafael a atins o mare perfecțiune în arta sa, faima sa în cercurile florentine a crescut constant. Artistul a stăpânit o mare claritate a desenului, îmbunătățind exemplele înalte; nici măcar nu s-a oprit la relucrarea picturilor sale neterminate în conformitate cu idei noi, mai înalte de frumos. Urmând sfatul lui Leonardo, Rafael, atunci când își înfățișează Madonele, evită detaliile și decorațiunile inutile, care erau la mare modă în Umbria, și lucrează la peisaj. Probabil că, în acest moment, Rafael era deja familiarizat cu „Tratatul de pictură” al lui Leonardo da Vinci, care a fost scris în 1498. El depășea deja tradițiile Quattrocentists: rigiditatea manierelor și incapacitatea de a renunța la detalii au dispărut, mai mult. au apărut înnobilarea realistă generalizată a imaginii și compoziția strictă. Creativitatea lui Rafael nu provine din idei vagi, emoții evazive și observații naive - actul de creativitate devine profund gândit, construit pe o cunoaștere și înțelegere clară a realității. Picturile sale capătă o simplitate nobilă, ele arată dorința artistului de a întruchipa în mod logic și extrem de expresiv idealul său de persoană în pictură. Rafael se eliberează de sistemul artistic închis adoptat în Umbria cu nuanța sa de provincialism și introduce în artă idealul unei persoane frumoase, armonia cunoștințelor înalte și idei mai complexe despre pictură.

Fresca de Rafael și Perugino în Capela San Severo din Perugia

Alegorie (Visul cavalerului)

Crucifix cu Fecioara Maria, sfinți și îngeri

Logodna Fecioarei Maria cu Sf. Iosif

Trei Grații

Binecuvântarea lui Hristos

Sfânta familie sub un palmier

Înmormântarea

Sfânta Ecaterina

Sfânta familie

Oricât de unice au fost orașele italiene, fiecare dintre ele un centru independent și își trăia propria viață unică, Roma s-a remarcat printre ele ca un oraș extraordinar, special. La începutul secolului al XVI-lea. Roma este centrul statului papal, centrul vieții catolice în toată Europa; într-un sens, a fost și centrul politic al Europei.

Papa Iulius al II-lea, unul dintre cei mai militanți dintre Părinții Bisericii, a condus politica în principal cu sânge și fier. Acțiunile papilor au reflectat în mod deosebit în mod clar natura duală a Renașterii. Pe de o parte, papii erau cei mai educați oameni ai vremii lor; cei mai interesanți oameni a timpului lor și au fost impregnați de tendințele umaniste ale secolului. Pe de altă parte, ei au fost organizatorii Inchiziției și au incitat la fanatismul religios. Această epocă, care credea mai ales în geniul și puterea omului, a dat naștere unor domnitori - cunoscători subtili ai artelor și, în același timp, ucigași monstruoși, strălucitori și talentați și adesea în același timp urâți din punct de vedere moral. Unul dintre acești oameni a fost Iulius al II-lea. A intrat în istorie ca unul dintre cei mai mari mecenați ai artei care a iubit sincer arta și a contribuit la dezvoltarea acesteia. Sub Iulia, la Roma au început lucrări grandioase, de exemplu, construcția celebrei catedrale Sf. Petru La Roma au lucrat cei mai cunoscuți artiști ai Italiei: Perugino, Peruzzio, Signorelli, Botticelli, Bramantino, Bazzi, Pinturicchio, Michelangelo. Aici s-au concentrat cele mai bogate monumente de arhitectură și pictură de la Giotto și Alberti până la Michelangelo și Bramante. În mod destul de neașteptat pentru el însuși, Rafael a fost invitat de Iulius al II-lea în acest oraș mondial pentru a participa la pictura sălilor Vaticanului. Rafael începuse deja să lucreze la Roma până în septembrie 1508. Lui Julius i-au plăcut atât de mult desenele lui Raphael, încât i-a respins pe artiștii invitați anterior și ia încredințat să facă toată munca. În scurt timp, Rafael, care avea un caracter blând și sociabil și era deja celebru pentru succesele sale la Vatican, a primit atât de multe comenzi încât a fost nevoit să-și asume asistenți și studenți, cu alte cuvinte, a fost nevoit să deschidă un atelier. . Rafael trebuia, în primul rând, să picteze cu fresce „Semnătura” - sala în care Papa și-a semnat actele.

Prima frescă a lui Rafael din Vatican, cunoscută sub numele de Disputa, este dedicată glorificării religiei; al doilea, situat vizavi de „Disputație”, descrie lauda filozofiei ca o știință „divină” liberă. Deasupra ferestrei, Rafael l-a înfățișat pe Parnas, iar dedesubt, pe părțile laterale ale ferestrei, Alexandru cel Mare, ordonând ca manuscrisul Homer să fie așezat în mormântul lui Ahile, împăratul lor Augustus, interzicând prietenilor lui Vergiliu să ardă Eneida. Deasupra unei alte ferestre, Rafael a înfățișat figuri feminine alegorice, personificând prudența, cumpătarea etc., pe părțile laterale ale ferestrei sunt înfățișate sfințirea dreptului civil de către Iustinian și sfințirea legilor bisericești de către Papa Grigore al IX-lea împărați, filozofi, papi, negustori și zei, pe care Rafael i-a pictat pe frescele sale, erau oameni reali Italia secolul al XVI-lea Adevărat, Raphael are deja o oarecare tendință de a înmuia, de a netezi claritatea și originalitatea lor. Isi alege imaginile si idealizeaza oameni mai putin furtunosi si impetuosi; Esența realismului lui Rafael este că dezvăluie o anumită dorință de a descrie stări calme, liniștite, personaje echilibrate și situații non-acute. Prin urmare, compozițiile sale suferă uneori de abstractizare. Fețele și figurile individuale din aceste compoziții produc o impresie realistă mai vie decât starea de spirit a întregii imagini în ansamblu. Rămășița credinței naive a artistului, care intrase deja în epoca strălucitoare a Cinquecento-ului, dar era încă direct legată de tradițiile Quattrocento-ului, ar putea da naștere unor imagini similare cu cele descrise în Disputa. În modul în care este executat „Discursul Sfinților Părinți ai Bisericii despre Tainele Tainei” („Disputa”), se mai vede ceva din pictura cuattrocentistă. In planificare - contrast ascuțit cerul şi pământul. Sfinții și Dumnezeu erau așezați în cer, despărțiți mecanic de pământ. Întreaga interpretare a persoanelor și a funcțiilor, aranjare ierarhică personaje- totul seamănă cu secolul al XV-lea. Partea superioară a frescei, înfățișând cerul și sfinții, are un caracter mai ales umbrian. Cu toate acestea, această primă compoziție majoră a lui Rafael l-a arătat ca un maestru excepțional și matur. Rafael a adunat aici pe toți filozofii scolastici, ale căror nume au devenit sfinte pentru biserică: iată-l pe Toma d'Aquino, Ioan Scott, Augustin, precum și Dante și Savonarola.

scoala din Atena

Scoaterea apostolului Petru din închisoare

Bătălia de la Ostia

Încoronarea lui Carol cel Mare de către Papa Leon al III-lea în anul 800

Incendiu în Borgo

Stanza della Segnatura

Triumful legii

Acum, în urma „Disputației”, Raphael a pictat „Școala din Atena”, o frescă strălucitoare în măiestria compoziției. Rafael i-a înfățișat în acea frescă pe toți minunații filozofi greci, punând în centru cele două figuri care au condus filosofia greacă - Platon și Aristotel, fiecare cu propriile lucrări în mâini. Platon arată în sus cu degetul mâinii ridicate, ca și cum ar afirma că adevărul este acolo, în cer. Aristotel, personificând viziunea empirică a lucrurilor, arată că pământul este baza oricărei cunoștințe și gândire. „Școala din Atena” este una dintre cele mai interesante creații ale lui Rafael. În această lucrare, Rafael a atins deja apogeul talentului său, în ea se simte tot ce a dobândit Rafael la Roma - în Roma lui Leon al X-lea (succesorul lui Iulius al II-lea din 1513) cu curtea sa secular-umanistă, în aceea Roma în care omul era înțeles fără înveliș mistico-religios, în plinătatea adevăratelor sale forțe și capacități vitale. În această frescă, toți oamenii sunt indivizi independenți, exaltați, înzestrați cu o machiaj spiritual și fizic perfect. Cu o compoziție clasică generală strictă, importanța fiecărei figuri individuale nu este diminuată, iar fiecare figură este independentă și individuală din punct de vedere artistic.

În fresca „Școala din Atena”, în ciuda dorinței lui Rafael de a da chipurilor un patos prea solemn al gândirii, în ciuda compoziției simetrice constrângătoare, tipurile de filozofi, chipurile și pozițiile lor păstrează încă puterea veridicității. Acestea sunt chipuri oameni obișnuiți, inspirat dintr-un gând atotconsumător, o dorință de a rezolva problemele tulburătoare. Unele figuri ating o vitalitate aproape de gen; Aceștia sunt un grup de gânditori care folosesc o busolă pentru a verifica corectitudinea unei figuri desenate cu cretă pe o tablă de ardezie și figura unui tânăr sprijinit de o coloană și într-o poziție incomodă, notând cu atenție ceva în caietul său. Fețele grupului situat în partea stângă pe treptele inferioare ale templului sunt încordate pasional; Deosebit de interesantă este chipul bătrânului gânditor, care încearcă să privească peste umărul vecinului său în cartea pe care o ține în mâini.

Această idealizare a puterii și puterii umane este apogeul filozofiei umaniste. Aici, însă, apare clar o altă latură a operei lui Rafael: este ușor de observat că tema lucrării și execuția ei sunt apropiate de cultura umanistă a curții romane, cu interesele sale academice care vizează probleme de stil, formă și retorică. . La Roma, artistul a încetat să mai fie maestru umbrian sau florentin. Raphael a dobândit toată culoarea și realismul operei sale în Florența republicană, dar cu natura sa moale și flexibilă, Raphael s-a dovedit a fi cel mai roman dintre artiștii Renașterii.

Cu toată noblețea lor, fețele sunt adesea complet populare - nu există o sofisticare deliberată în ele, nu sunt divorțate de viață. Adevărat, Rafael idealizează, dar el idealizează, creând acești oameni, prinși de un singur impuls înalt, viata reala. Iată chipuri tinere, tandre, încă acoperite cu puf, și capete urâte de bătrâni. Multă varietate în mișcări, expresii faciale și ipostaze. Totul este plin de viață și adevăr. Artistul nu recurge la exagerări neplauzibile sau la ipostaze exagerate pentru a arăta o imagine frumoasă, maiestuoasă a triumfului, o sărbătoare a gândirii umane.

Rafael este adesea acuzat că este rece și academic, mai ales în lucrările sale din perioada romană. În frescele sălii Heliodor din Vatican sau în &laqborder: 0px none;border: 0px none;text-align: center;text-align: center;uo;Focul sălii Borgo”, idealizarea capătă o nuanță de formalitate . Există deja ceva operistic în Expulzarea lui Heliodor. Aranjarea figurilor în sine este teatrală: în dreapta este un grup de tâlhari de templu și un călăreț trimis de cer, care s-a legănat spre Heliodor, care fusese deja aruncat la pământ, în stânga sunt credincioși, loviți de pedeapsa cerească, speriat si atins. Aranjarea în mod deliberat corectă a figurilor distrage atenția de la sensul interior. În compoziție nu există căldură sau sentiment concret de realitate vie; Există ceva artificial în figuri, atât de frumos aranjate, de parcă preocuparea principală a artistului ar fi să ofere o impresie vizuală plăcută. Același lucru se poate spune despre frescele „Liturghia Bolsen”, „Atila oprită la porțile Romei”. Toate aceste fresce, precum și frescele „Focul din Borgo” și „Eliberarea Sfântului Petru din închisoare”, trebuiau să glorifice ierarhia, măreția bisericii și puterea papilor. Subiecte istorice sau biblice au dobândit interpretare actuală. În ciuda conceptului dramatic al frescei „Expulsionarea lui Heliodor”, în general, imaginea face o impresie rece.

Fresca „Liturghia Bolsen” reînvie un vechi mit pentru a glorifica fermitatea credinței Papei Iulius al II-lea și pentru a înspăimânta și reproșa nu numai laicii în această epocă dificilă pentru religie, ci și pentru a chema la ordine pe preoții îndrăzneți care îndrăznesc să se îndoiască de „sacramentele minunate” ale bisericii. Și totuși, fețele individuale din această frescă sunt frumos realizate. În partea dreaptă se aflau soldații care îl păzeau pe papa sau pe purtătorii lui. Au observat miracolul care avusese loc mai târziu decât alții și au fost mai degrabă indiferenți față de el. Evident, artistul nu a fost foarte dornic să le includă în starea generală a imaginii. Acestea sunt profile calme, clare ale unor oameni complet lumești, care sunt departe de ceea ce se întâmplă. Principala caracteristică a fețelor lor este o noblețe calmă, care amintește de fețele lui cele mai bune cifre maeștri florentini.

Attila s-a oprit la porțile Romei

Exilul lui Heliodor

Frescele Vaticanului de Rafael sunt amplasate în patru camere: „Semnătura”, Heliodor, „Focul în Borgo”, Constantin. În sălile Semnatura și Heliodor, Rafael a pictat el însuși toate frescele, apelând la un ajutor minor din partea studenților săi, în sala Focul din Borgo, Rafael a pictat doar fresca, după care poartă numele întregii sale - în frescele rămase elevii săi; au avut un rol important: Giovanni da Oudinot, Giulio Romano și Francesco Penni. În Sala Constantin, niciuna dintre fresce nu a fost pictată de Rafael însuși. Raphael a pregătit cartonașe, pe care elevii săi le-au transferat pe pereți. Cea mai semnificativă dintre frescele din această sală, „Victoria lui Constantin”, nu fusese încă începută în anul morții lui Rafael. Aceasta este cea mai grandioasă reprezentare a bătăliei din întreaga istorie a picturii.

În timp ce lucra la frescele Vaticanului, Rafael, cu energia unui adevărat om renascentist, a lucrat la o serie de alte lucrări. În aceiași ani, au fost create cele mai bune madone ale sale. Din 1509 până în 1520 a scris mai mult de douăzeci dintre ele. Așa-numitele „Madone din perioada romană” se disting prin marea lor maturitate a talentului și claritatea idealului exprimat în ele. Raphael a creat un tip de femeie-mamă, plină de un farmec extraordinar. Fețele Madonelor sale, păstrând întotdeauna uimitoarea lor spiritualitate pământească, sunt infinit de variate ca expresie în fiecare imagine individuală.

Madonna Di Foligno

Madona din Loreto

Madonna Alba

Madona cu Pruncul și Sf. Ioan Botezătorul, Sf. Elisabeta și Sf. Ekaterina

Extazul Sf. Cecilia

Purtând Crucea

În aceiași ani, un bancher roman bogat care iubea arta l-a însărcinat pe Rafael Sanzio să picteze frescele „Triumful Galatei” și mitul lui Psyche și Cupidon în Vila Farnesina. Artistul a descris Galatea după poezia lui Angelo Poliziano - poetul de la curte Lorenzo Magnificul și-a exprimat pe deplin sentiment acut pitoresc exterior. Galatea lui Rafael stă pe o scoică mare, care este trasă de delfinii înhămați de ea. Figura și poza Galatei sunt preluate din monumente antice. Este aproape goală, hainele îi flutură în vânt și îți permit să admiri formele minunate ale tinerei fete. Există multă mișcare în imagine, toate figurile sunt date în ture neliniștite. Senzația de mișcare ar trebui intensificată de cupidonii care plutesc încă în nori, țintind din toate părțile spre Galatea plutind pe valuri. Dar, în ciuda abundenței de mișcare, fețele tuturor figurilor, inclusiv Galatea, sunt nemișcate și puțin expresive. Calitatea decorativă a tabloului este sporită de marea pictată ciudat. Pictura a fost restaurată de multe ori, iar marea a fost supusă celei mai nemiloase „prelucrări”. Acest lucru a schimbat semnificativ întregul caracter al picturii, deși principalul lucru - decorativitatea sa modelată - desigur, a rămas.

Vila Farnesina

Triumful Galatei

Cupidon și cele trei haruri

Cupidon și Jupiter vorbesc despre Psyche

Venus pe un car tras de porumbei

Venus, Ceres și Juno

Psyche duce un vas către Venus

Psyche îi dă lui Venus un vas

Sărbătoarea nunții lui Cupidon și Psyche

Consiliul Zeilor

În continuare, Rafael a acoperit tavanul boltit al uneia dintre camerele Vilei Farnesina și o întreagă galerie de loggii cu fresce. Ca subiect pentru aceste fresce, Rafael a luat scene din mitul lui Cupidon și Psihicul în forma în care acest mit a fost dezvoltat în Metamorfozele lui Ovidiu și, parțial, din Apuleius și Teocrit. Aceste scene, zece în total, descriu povestea lui Cupidon și Psyche, cu participarea lui Venus și a multor alți zei ai Olimpului. Cutiile pentru aceste fresce au fost pictate în 1518, adică într-o perioadă în care Rafael era deja angajat în arhitectură, supravegherea construcției Catedralei Sf. Petru, cercetările arheologice, protecția monumentelor antice și restaurarea Romei antice. Rafael a fost extrem de interesat de operele de artă ale lumii antice clasice și și-a arătat cunoștințele sculptură anticăîn reprezentarea unui ciclu de scene despre Cupidon și Psyche. În acești ani, Raphael a creat doar carton, ocazional desenând și corectând figurile principale. Frescele Farnesina sunt renumite pentru reprezentările lor extrem de interesante ale zeilor greco-romani.

Scenele cotidiene grațioase, aluziile simbolice și detaliile jucăușe ale acestor fresce seamănă puțin cu zeii maiestuosi Grecia clasică. Psyche, cea mai frumoasă dintre femeile muritoare, care a stârnit gelozia însăși zeiței frumuseții, este minunată în Rafael. fata sanatoasa trecând prin vicisitudinile grele poveste de dragoste: acum se topește în brațele băiatului viclean Cupidon, acum merge cu Mercur în Olimp, cu chipul luminat de un zâmbet de victorie și de triumf.

Frescele arată aproape idilic, înfățișând-o pe Venus arătând oameni lui Cupidon sau pe Cupidon căutând simpatie de la cele trei haruri și încredințându-le lui Psyche pentru a-i proteja de Venus. Întreaga serie se încheie cu un panou mare, „Sărbătoarea zeilor”, care înfățișează treizeci de zei împăcați cu invazia frumuseții muritoare Psyche în mijlocul lor. În ciuda abundenței figurilor, imaginea produce o impresie surprinzător de solidă, deoarece acestea sunt bine poziționate. Intenția decorativă a artistului, care a înfățișat zgomotoasa distracție olimpica, este extrem de clară în acest panou. Există ceva pastoral în pretinsa seriozitate a lui Jupiter și în toată distracția grațioasă a zeilor, asupra cărora plouă flori și creaturi îngerești cu aripi de fluture. Aceștia nu sunt puternicii titani ai lui Michelangelo, nu maiestuosii olimpici ai lui Homer, ci personajele manierate și înnobilate din Metamorfozele lui Ovidiu: tot ceea ce este prea senzual, aspru, furtunos este înmuiat și calmat. În această uimitoare pictură decorativă, Rafael, mai mult decât în alte tablouri, a exprimat esența epocii sale.

Papa Leon al X-lea a fost inepuizabil în exigențele sale și nu a recunoscut limitele imaginației creatoare și pur și simplu oboseala fizică a artistului. Acum, după ce a terminat frescele Farnesinei, Rafael, în numele Papei, urma să picteze al doilea nivel de cutii adiacente curții Vaticanului cu fresce. Pentru a decora aceste cutii, Raphael a pictat cincizeci și două de cutii de carton cu caracter decorativ și a acoperit o întindere uriașă de pereți cu modele decorative și motive arhitecturale. Raphael a creat o varietate extraordinară de picturi, modele și ornamente care împreună formează un întreg fermecător. Totul este adus în armonie, sună ca un acord artistic puternic. Rafael și-a pictat frescele pe motive biblice (crearea lumii, izgonirea din paradis, apariția lui Dumnezeu la Isaac etc.) și mitologice (zei, genii, animale extraordinare), fără a abandona temele. viata moderna. Deci, pe una dintre fresce a înfățișat artiști la lucru.

Frescele lojelor Vaticanului sunt departe de a fi echivalente în ceea ce privește merit artistic. Se crede că unele dintre ele au fost chiar create în carton de către elevii săi. La zece ani de la execuție, mulți au fost răsfățați de vremea rea, pentru că au fost pictați într-o galerie deschisă, care a fost vitată abia în secolul al XIX-lea. Aceste fresce sunt interesante pentru noi ca dovadă a geniului creativ inepuizabil al lui Rafael, a eficienței uimitoare și a versatilității talentului său. Artistul, fără a pătrunde profund în conținutul legendelor biblice, a creat aceste fresce numite „Biblia lui Rafael”. Dumnezeu plutește liber în spațiu fără aer și creează fără efort tot ce i se cuvine: abisul și firmamentul, cerul și luna. Este înfățișat ca un bătrân vesel, sănătos, cu barbă; capul îi este acoperit cu o calotă groasă de păr cărunt. Există ceva de genul înclinat în The Making of Eve; Dumnezeu este un bătrân profund, dar puternic, iar tânără, cu forme pe jumătate copilărești, Eva este foarte emoționantă în inocența ei.

În același timp, Rafael a lucrat la multe tablouri, decorand cutiile Vaticanului, creându-și Madonele, pictând portrete, restaurând Roma anticăși scriind sonete, foarte poetice și lirice. Rafael și-a arătat cunoștințele sale subtile despre arta romană antică în multe lucrări. Deosebit de interesantă în acest sens este pictura băii cardinalului Bibiena. Este executat în stilul antic târziu, pe fond roșu închis, cu scene preluate din mitologia antică.

Leon X a decis să decoreze părțile Capelei Sixtine fără fresce cu covoare bogate țesute în aur și l-a însărcinat pe Rafael să picteze carton pentru aceste covoare. Trebuia să țese zece covoare, înfățișând pe ele diferite fapte ale apostolilor. Bordurile covoarelor, țesute în bronz, înfățișau episoade din viața papei. Covoarele au fost țesute în fabrici timp de trei ani și, atunci când au fost atârnate în Capela Sixtină, au făcut o impresie uluitoare. Într-adevăr, cutiile lui Rafael care înfățișează faptele apostolilor sunt absolut extraordinare prin puterea și simplitatea lor. După cum am menționat mai sus, toată opera lui Rafael din perioada romană este marcată de o anumită cantitate de fast, frumusețe oficială și perfecțiune rafinată. Numai portretele și Madonele sale au scăpat în mare măsură de acest sigiliu; același lucru se poate spune despre carton. Mai exact despre carton, și nu despre covoare, pentru că acestea din urmă au suferit atât de mult din cauza timpului și a accidentelor, ca să nu mai vorbim de imposibilitatea de a transmite în țesătură toate subtilitățile planului artistului, încât este foarte greu să-l judeci pe Rafael după ele. Nici soarta cartoanelor nu a fost foarte fericită. Au fost lăsați într-o fabrică din Bruxelles unde se țeseau covoare și nimănui nu i-a păsat de conservarea lor. Unele cartoane au dispărut; păstrat – abia în secolul al XVII-lea. au fost descoperite accidental de Rubens, care l-a convins pe regele englez Carol I să le cumpere.

Cele mai interesante în ceea ce privește tema și rezoluția acesteia sunt covoarele „Wonderful Catch” și „Feed My Sheep”. Ca și în cazul altor covoare, ceea ce este izbitor aici este simplitatea uimitoare și interpretarea realistă a intrigii. Vedem un peisaj rural obișnuit: un peisaj se întinde în depărtare, creând un fundal pentru întreaga imagine și înfățișând un deal pe care sunt situate sate, crânguri și biserici. Primul plan este ocupat de figurile apostolilor. Atât Hristos, cât și discipolii săi nu au nimic religios în ei, ceea ce este deosebit de clar în covorul „Captură minunată”, care înfățișează în esență pescuitul obișnuit al țăranilor italieni. Trupurile sănătoase și puternice ale apostolilor sunt îmbrăcate în ea rochie scurtă, care deschide aproape tot corpul și expune mușchii și mușchii; Fețele celor doi elevi care trag plasele exprimă tensiune, la fel ca și mâinile lor ocupate. Ucenicul care conduce barca este pasionat de munca sa; silueta lui se aplecă într-o poziţie incomodă pentru a menţine barca în echilibru. Apostolii Pavel și Andrei, exprimându-și credința și recunoștința, plăcerea și tandrețea față de Hristos, sunt simpli în înfățișarea lor populară. Interpretarea realistă a temei religioase este liberă, neconstrânsă de nicio tradiție. Toate acestea arată că Rafael nu caută efectele frumuseții exterioare. Hristos stă pe pupa într-o ipostază calmă; se deosebește de apostoli prin îmbrăcămintea și prin expresia sa mai subtilă, spirituală. În primul plan al tabloului sunt trei macarale. Păsările fac o impresie puțin ciudată într-o apropiere atât de apropiată de oameni. Au fost multe dezbateri despre dacă Raphael însuși a desenat aceste păsări sau dacă un student le-a pictat mai târziu. Oricum ar fi, trebuie spus că păsările nu fac decât să sporească impresia naturii extraordinare a momentului, apropiindu-se cu încredere de oameni, întinzându-și capul spre ei.

Cartonul „Feed My Sheep” este de mare interes datorită profunzimii sale extraordinare și clarității caracteristicilor psihologice. Hristos, un bărbat frumos, zvelt, blond, cu o față maiestuoasă și strălucitoare, stă puțin departe, separat de grupul de apostoli, și se întoarce către Petru, arătându-i preferință. Fețele apostolilor sunt interesante: unii dintre ei exprimă sentimente de bucurie și evlavie; alții care stau mai departe sunt fie loviți de un gând sceptic brusc, care să dea treaba, fie pur și simplu iritați și furioși. Ultimul apostol din grup își strânge o carte la piept, acest simbol al cunoașterii, nu al credinței, și este pe cale să plece.

În tabloul „Tădecarea șchiopului de către Sfântul Petru și Sfântul Ioan”, pe lângă interesanta compoziție decorativă, este de un interes absolut excepțional figura unui cerșetor schilod, situată în coloana din dreapta templului. Pe fondul coloanelor, bogat și bogat ornamentate, împletite cu ghirlande de frunze de viță de vie cu cupidon țesute cu pricepere în ele, sunt arătați cerșetori urâți și infirmi, slăbit de bătrânețe și boală. Chipul unui schilod, care urmărește din spatele coloanelor „miracolul” vindecării unui șchiop, are o expresie de nedescris. Neîncrederea și speranța, invidia și indiferența sceptică - o întreagă gamă de sentimente s-a reflectat pe această față. Își sprijină mâinile încă puternice pe toiag - o ipostază urâtă, dar foarte vie. Vegetația rară îi acoperă fața și capul. Chipul ticălos al cerșetorului exprimă cel mai înalt grad Surprins, buza superioară mușcată. În secolul al XVI-lea arta ar putea încă să creeze un astfel de portret, lipsit de falsă idealizare, rămânând în cadrul realismului calm, veridic, dar lipsit de detalii naturaliste inutile.

Cartonul „Moartea lui Anania” transmite momentul legendei biblice când Petru i-a spus lui Anania, care reținuse bani din pământul vândut: „Nu ai mințit pe om, ci pe Dumnezeu! „Și, auzind aceste cuvinte, Anania a căzut neînsuflețit la pământ și o mare frică a cuprins toată lumea...” Fețele individuale ale apostolilor și ale oamenilor drepți din mulțime sunt frumoase. Fețele apostolilor sunt simple, aspre. Sunt realist în viață, acești oameni puternici, plini de demnitate și forță morală. Bogăție extraordinară caracteristicile portretului, un sentiment al măreției personajelor plasează cartonașele lui Rafael printre acele mai bune creații ale secolului al XVI-lea care completează idealurile artei renascentiste.

Moartea lui Anania

Captură minunată

Sacrificiul din Listra

Vindecarea șchiopului de către Sfântul Petru și Sfântul Ioan

Pedeapsa lui Elim

Hrănește-mi oile

Predica Sfântului Pavel

Tapiserii

Cutiile lui Rafael sunt numite marmura Partenonului din timpurile moderne, cea mai înaltă manifestare a geniului epocii. Ele sunt plasate la egalitate cu „Cina cea de taină” a lui Leonardo și „ Capela Sixtină» Michelangelo. Cu toate acestea, trebuie menționat că această recenzie înaltă a covoarelor lui Rafael este corectă dacă vorbim doar despre imagini individuale, care reprezintă, fără îndoială, capodopere ale artei mondiale. În compoziții, chiar și covoarele sunt subordonate acelei armonii „clasice”, care de multe ori le răpește căldura și vitalitatea. Astfel, figurile sunt dispuse într-o linie eliptică frumos curbată în jurul centrului compozițional al lui Anania, zvârcolindu-se în convulsii. Pliurile mantiilor apostolilor sunt dispuse decorativ, care împreună reprezintă un fel de spectacol teatral. Corectitudinea exemplară a compoziției conferă întregului tablou un caracter retoric. Puține covoare au scăpat de pecetea unei compoziții clasice reci: „Wonderful Catch” ar trebui considerată una dintre ele.

Dar în aceste lucrări, Raphael este deja un artist al noului timp, s-a îndepărtat de naivitatea primilor artiști italieni. Rafael, ca cei mai buni Quattrocentisti si mai ales marii artisti ai secolului al XVI-lea, face ca subiectul religios sa fie ceva secundar. În picturile sale, oameni cu dispoziții complet pământești trăiesc și acționează - gânditori, ca Madonna Sixtina, sau vesel, ca Psyche, inspirat de gândire, ca filozofii Școlii din Atena, sau supărat, ca apostolii din „Moartea lui Anania”. Progresul în arta sa este că, ca reprezentant tipic al Liceului italian Renașterea XVI V. în special (cu claritatea sa deosebită a gustului clasic) - cultivă un principiu strict. Adevărat, sub influența umanismului roman, claritatea și disciplina privează pictura de căldură vitală.

La Roma, Rafael a atins înălțimi enorme în domeniul artei portretului. În timpul șederii sale la Florența, artistul a pictat mai multe portrete. Dar erau încă lucrări studențești și purtau urme ale multor influențe. La Roma, Rafael a creat mai mult de cincisprezece portrete. Aparent, portretul Papei Iulius al II-lea a fost pictat primul. Nu se știe dacă originalul se păstrează în galeriile Pitti și Uffizi, deoarece în ambele galerii există copii identice ale portretelor atribuite lui Rafael. În orice caz, aceste portrete înfățișează într-un mod foarte realist un bătrân palid, cu aspect bolnăvicios, într-o șapcă roșie și o pelerină roșie scurtă; bătrânul stă pe un scaun, punându-și mâinile acoperite cu inele pe brațele scaunului. Mâinile tatălui sunt expresive - nu senil slabe și cu voință slabă, ci pline de viață și energie.