Cele mai faimoase și semnificative picturi ale lumii pentru istoria artei. Cei mai buni artiști ai tuturor timpurilor Nume de familie ale artiștilor celebri din lume

Citat de mesaj Cele mai faimoase și semnificative picturi ale lumii pentru istoria artei. | 33 de capodopere ale picturii mondiale.

Sub pozele artiștilor cărora le aparțin există link-uri către postări.

Picturile nemuritoare ale marilor artiști sunt admirate de milioane de oameni. Arta, clasică și modernă, este una dintre cele mai importante surse de inspirație, gust și educație culturală a oricărei persoane, și cu atât mai mult una creativă.
Cu siguranță există mai mult de 33 de picturi de renume mondial. Sunt câteva sute și nu s-ar încadra toate într-o singură recenzie. Prin urmare, pentru ușurință de vizualizare, am selectat mai multe tablouri care sunt cele mai semnificative pentru cultura mondială și sunt adesea copiate în publicitate. Fiecare lucrare este insotita fapt interesant, o explicație a sensului artistic sau a istoriei creației sale.

Păstrată în Galeria Vechilor Maeștri din Dresda.

Pictura are un mic secret: fundalul, care de departe pare a fi nori, se dovedește a fi capete de îngeri la o examinare mai atentă. Iar cei doi îngeri reprezentați în imaginea de mai jos au devenit motivul a numeroase cărți poștale și postere.

Rembrandt „Vizorul de noapte” 1642
Păstrată la Rijksmuseum din Amsterdam.

Adevăratul titlu al picturii lui Rembrandt este „Performanța companiei de pușcași a căpitanului Frans Banning Cock și a locotenentului Willem van Ruytenburg”. Istoricii de artă care au descoperit pictura în secolul al XIX-lea au crezut că figurile ieșeau în evidență pe un fundal întunecat, iar aceasta a fost numită „Vizorul de noapte”. Ulterior s-a descoperit că imagine întunecată creează un strat de funingine, dar acțiunea are loc de fapt în timpul zilei. Cu toate acestea, pictura a fost deja inclusă în vistieria artei mondiale sub numele „Night Watch”.

Leonardo da Vinci „Cina cea de Taină” 1495-1498
Situat în mănăstirea Santa Maria delle Grazie din Milano.

De-a lungul istoriei de peste 500 de ani a lucrării, fresca a fost distrusă de mai multe ori: o ușă a fost tăiată prin pictură și apoi blocată, trapeza mănăstirii în care se află imaginea a fost folosită ca armurerie, închisoare. , și a fost bombardat. Celebra frescă a fost restaurată de cel puțin cinci ori, ultima restaurare a durat 21 de ani. Astăzi, pentru a vedea opera de artă, vizitatorii trebuie să rezerve bilete în avans și pot petrece doar 15 minute în trapeză.

Salvador Dali „Persistența memoriei” 1931

Potrivit autorului însuși, tabloul a fost pictat ca urmare a asociațiilor pe care Dali le-a avut cu vederea brânzei prelucrate. Întorcându-se de la cinema, unde a mers în acea seară, Gala a prezis destul de corect că nimeni, odată ce va vedea Persistența memoriei, nu o va uita.

Pieter Bruegel cel Bătrân „Turnul Babel” 1563
Păstrată la Kunsthistorisches Museum din Viena.

Potrivit lui Bruegel, eșecul care s-a întâmplat la construcția Turnului Babel nu s-a datorat celor care au apărut brusc conform poveste biblică barierele lingvistice și greșelile făcute în timpul procesului de construcție. La prima vedere, structura uriașă pare destul de puternică, dar la o examinare mai atentă este clar că toate nivelurile sunt așezate neuniform, etajele inferioare fie sunt neterminate, fie se prăbușesc deja, clădirea în sine se înclină spre oraș și perspectivele pentru întregul proiect este foarte trist.

Kazimir Malevich „Pătratul Negru” 1915

Potrivit artistului, acesta a pictat tabloul timp de câteva luni. Ulterior, Malevich a făcut mai multe copii ale „Pătratului Negru” (conform unor surse, șapte). Potrivit unei versiuni, artistul nu a putut termina lucrările la pictură în termenul necesar, așa că a trebuit să acopere lucrarea cu vopsea neagră. Ulterior, după recunoașterea publică, Malevich a pictat noi „Pătrate negre” pe pânze goale. Malevici a pictat și „Pătratul Roșu” (în două exemplare) și unul „Pătratul Alb”.

Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin „Scăldarea calului roșu” 1912
Situat în Galeria de Stat Tretiakov din Moscova.

Pictată în 1912, tabloul s-a dovedit a fi vizionar. Calul roșu acționează ca Soarta Rusiei sau a Rusiei însăși, pe care călărețul fragil și tânăr nu o poate ține. Astfel, artistul a prezis simbolic cu pictura sa soarta „roșie” a Rusiei în secolul al XX-lea.

Peter Paul Rubens „Violul fiicelor lui Leucip” 1617-1618
Păstrată în Alte Pinakothek din München.

Pictura „Răpirea fiicelor lui Leucip” este considerată personificarea pasiunii masculine și a frumuseții fizice. Brațele puternice și musculoase ale tinerilor ridică tinerele femei goale pentru a le urca pe cai. Fiii lui Zeus și Leda fură miresele verilor lor.

Paul Gauguin „De unde venim? Cine suntem noi? Unde mergem? 1898
Păstrată la Muzeul de Arte Frumoase din Boston.

Potrivit lui Gauguin însuși, pictura trebuie citită de la dreapta la stânga - trei grupuri principale de figuri ilustrează întrebările puse în titlu. Trei femei cu un copil reprezintă începutul vieții; grupa mijlocie simbolizează existența cotidiană a maturității; în grupa finală, conform planului artistului, „ bătrână, apropiindu-se de moarte, pare împăcat și predat gândurilor ei”, la picioarele ei „o pasăre albă ciudată... reprezintă inutilitatea cuvintelor”.

Eugene Delacroix „Libertatea conduce poporul” 1830
Păstrată la Luvru din Paris

Delacroix a creat un tablou bazat pe Revoluția din iulie 1830 în Franța. Într-o scrisoare către fratele său din 12 octombrie 1830, Delacroix scrie: „Dacă nu am luptat pentru Patria mea, atunci măcar voi scrie pentru ea”. Sânii goi ai unei femei care conduce poporul simbolizează dăruirea poporului francez de atunci, care cu „ pieptul gol„Ne îndreptam spre inamic.

Claude Monet „Impresie. Soarele Răsare” 1872
Păstrată la Muzeul Marmottan din Paris.

Titlul lucrării „Impression, soleil levant”, datorită mâinii ușoare a jurnalistului L. Leroy, a devenit numele. direcție artistică"impresionism". Pictura a fost pictată din viața din vechiul port din Le Havre din Franța.

Jan Vermeer „Fata cu un cercel de perle” 1665
Păstrată în Galeria Mauritshuis din Haga.

Una dintre cele mai faimoase picturi ale artistului olandez Jan Vermeer este adesea numită Mona Lisa nordică sau olandeză. Se cunosc foarte puține lucruri despre pictură: nu este datată și numele fetei înfățișate este necunoscut. În 2003, pe baza romanului cu același nume al lui Tracy Chevalier, a fost filmat lungmetrajul „Fata cu un cercel de perle”, în care istoria creației picturii a fost restaurată ipotetic în contextul biografiei și vieții de familie a lui Vermeer. .

Ivan Aivazovsky „Al nouălea val” 1850
Păstrată la Sankt Petersburg în Muzeul de Stat al Rusiei.

Ivan Aivazovsky - celebru în lume artist rus-marinist care și-a dedicat viața înfățișării mării. A creat aproximativ șase mii de lucrări, fiecare dintre ele fiind recunoscută în timpul vieții artistului. Tabloul „Al nouălea val” este inclus în cartea „100 de mari picturi”.

Andrey Rublev „Trinitatea” 1425-1427

Icoana Sfintei Treimi, pictată de Andrei Rublev în secolul al XV-lea, este una dintre cele mai cunoscute icoane rusești. Pictograma este o tablă în format vertical. Regii (Ivan cel Groaznic, Boris Godunov, Mihail Fedorovich) au „acoperit” icoana cu aur, argint și pietre prețioase. Astăzi, salariul este stocat în Sergiev Posad muzeu de stat-rezervaţie.

Mikhail Vrubel „Demonul așezat” 1890
Păstrată în Galeria Tretiakov din Moscova.

Intriga filmului este inspirată de poezia lui Lermontov „Demonul”. Demon - imaginea puterii spirit uman, luptă internă, îndoieli. Împreunându-și în mod tragic mâinile, Demonul stă cu ochi triști, uriași îndreptați în depărtare, înconjurat de flori fără precedent.

William Blake „Marele arhitect” 1794
Păstrată la British Museum din Londra.

Titlul picturii „Bătrânul zilelor” se traduce literalmente din engleză ca „Bătrânul zilelor”. Această expresie a fost folosită ca nume al lui Dumnezeu. Personajul principal Picturile îl arată pe Dumnezeu în momentul creației, care nu pune ordine, ci limitează libertatea și denotă limitele imaginației.

Edouard Manet „Bar la Folies Bergere” 1882
Păstrată la Institutul de Artă Courtauld din Londra.

Folies Bergere este un spectacol de varietate și cabaret din Paris. Manet a vizitat adesea Folies Bergere și a ajuns să picteze acest tablou, ultimul său înainte de moartea sa în 1883. În spatele barului, în mijlocul unei mulțimi de oameni care beau, mănâncă, vorbesc și fumează, o barmană stă absorbită în propriile gânduri, privindu-l pe acrobatul trapez, care poate fi văzut în colțul din stânga sus al imaginii.

Tizian „Iubire pământească și iubire cerească” 1515-1516
Păstrată în Galleria Borghese din Roma.

Este de remarcat faptul că numele modern al picturii nu a fost dat de artistul însuși, ci a început să fie folosit abia două secole mai târziu. Până în acest moment, pictura avea diferite titluri: „Frumusețe, înfrumusețată și neîmpodobită” (1613), „Trei tipuri de iubire” (1650), „Femei divine și seculare” (1700) și, în cele din urmă, „Iubire pământească și cerească”. Dragoste” „(1792 și 1833).

Mihail Nesterov „Viziunea pentru tineretul Bartolomeu” 1889-1890
Păstrată în Galeria de Stat Tretiakov din Moscova.

Prima și cea mai semnificativă lucrare din ciclul dedicat lui Sergius din Radonezh. Până la sfârșitul zilelor sale, artistul a fost convins că „Viziunea pentru tineretul Bartolomeu” a fost cea mai bună lucrare a lui. La bătrânețe, artistului îi plăcea să repete: „Nu eu voi trăi. „Tineretul Bartolomeu” va trăi. Acum, dacă la treizeci, cincizeci de ani după moartea mea el încă mai spune ceva oamenilor, înseamnă că este în viață și asta înseamnă că eu sunt în viață.”

Pieter Bruegel cel Bătrân „Pilda orbilor” 1568
Păstrată în Muzeul Capodimonte din Napoli.

Alte titluri ale tabloului sunt „Orbul”, „Parabola orbului”, „Orbul care conduce orbul”. Se crede că intriga filmului se bazează pe pilda biblică a orbului: „Dacă un orb conduce un orb, amândoi vor cădea într-o groapă”.

Victor Vasnetsov „Alyonushka” 1881
Păstrată în Galeria de Stat Tretiakov.

Se bazează pe basmul „Despre sora Alyonushka și fratele Ivanushka”. Inițial, pictura lui Vasnetsov a fost numită „Nebunul Alyonushka”. La acea vreme, orfanii erau numiți „proști”. „Alyonushka”, a spus însuși artistul mai târziu, „părea să fi trăit în capul meu de mult timp, dar în realitate am văzut-o în Akhtyrka, când am întâlnit o fată cu părul simplu care mi-a captat imaginația. Era atât de multă melancolie, singurătate și tristețe pur rusească în ochii ei... Din ea se năvăli un spirit rusesc special.”

Vincent van Gogh „Noaptea înstelată” 1889
Păstrată la Muzeul de Artă Modernă din New York.

Spre deosebire de majoritatea picturilor artistului, „Noaptea înstelată” a fost pictată din memorie. Van Gogh se afla în acel moment în spitalul Saint-Rémy, chinuit de atacuri de nebunie.

Karl Bryullov „Ultima zi a Pompeii” 1830-1833
Păstrată în Muzeul de Stat al Rusiei din Sankt Petersburg.

Pictura înfățișează celebra erupție a Muntelui Vezuviu în anul 79 d.Hr. e. și distrugerea orașului Pompei de lângă Napoli. Imaginea artistului din colțul din stânga picturii este un autoportret al autorului.

Pablo Picasso „Fata pe minge” 1905
Depozitat în Muzeul Pușkin, Moscova

Tabloul a ajuns în Rusia datorită industriașului Ivan Abramovici Morozov, care l-a achiziționat în 1913 pentru 16.000 de franci. În 1918, colecția personală a lui I. A. Morozov a fost naționalizată. ÎN momentul prezent tabloul se află în colecția Muzeului de Stat arte frumoase numit după A.S. Pușkin.

Leonardo da Vinci „Madonna Litta” 1491

Păstrată în Ermita din Sankt Petersburg.

Titlul original al picturii a fost „Madona și copilul”. Denumirea modernă a tabloului provine de la numele proprietarului său - contele Litt, proprietarul familiei galerie de artă la Milano. Există o presupunere că figura bebelușului nu a fost pictată de Leonardo da Vinci, ci aparține pensulei unuia dintre elevii săi. Acest lucru este dovedit de poziția bebelușului, care este neobișnuită pentru stilul autorului.

Jean Ingres „Băile turcești” 1862
Păstrată la Luvru din Paris.

Ingres a terminat de pictat acest tablou când avea deja peste 80 de ani. Cu acest tablou, artistul rezumă imaginea scălătorilor, a cărei temă este de mult prezentă în opera sa. Inițial, pânza avea forma unui pătrat, dar la un an de la finalizarea ei artistul a transformat-o într-un tablou rotund - un tondo.

Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky „Dimineața într-o pădure de pini” 1889
Depozitat în Galeria Tretiakov din Moscova

„Dimineața într-o pădure de pini” este un tablou al artiștilor ruși Ivan Shishkin și Konstantin Savitsky. Savitsky a pictat urșii, dar colecționarul Pavel Tretyakov, când a achiziționat pictura, și-a șters semnătura, așa că acum doar Shișkin este indicat ca autor al picturii.

Mihail Vrubel „Prițesa lebădă” 1900
Stocat în Galeria de Stat Tretiakov

Pictura se bazează pe imaginea de scenă a eroinei operei lui N. A. Rimsky-Korsakov „Povestea țarului Saltan”, bazată pe intriga basmului cu același nume de A. S. Pușkin. Vrubel a creat schițe pentru decor și costume pentru premiera din 1900 a operei, iar soția sa a cântat rolul Prințesei Lebedei.

Giuseppe Arcimboldo „Portretul împăratului Rudolf al II-lea ca Vertumnus” 1590
Situat în Castelul Skokloster din Stockholm.

Una dintre puținele lucrări supraviețuitoare ale artistului, care a compus portrete din fructe, legume, flori, crustacee, pești, perle, instrumente muzicale și alte instrumente, cărți etc. „Vertumnus” este un portret al împăratului, reprezentat ca vechiul zeu roman al anotimpurilor, vegetației și transformării. În imagine, Rudolph este format în întregime din fructe, flori și legume.

Edgar Degas „Dansatorii albaștri” 1897
Situat în Muzeul de Artă. A. S. Pușkin la Moscova.

„Mona Lisa” probabil nu ar fi primit faima mondiala, dacă nu ar fi fost răpită în 1911 de un angajat al Luvru. Pictura a fost găsită doi ani mai târziu în Italia: hoțul a răspuns la o reclamă din ziar și s-a oferit să vândă „Gioconda” directorului Galeriei Uffizi. În tot acest timp, în timp ce ancheta era în desfășurare, „Mona Lisa” nu a părăsit copertele ziarelor și revistelor din întreaga lume, devenind obiect de copiere și de cult.

Sandro Botticelli „Nașterea lui Venus” 1486
Păstrată la Florența în Galeria Uffizi

Pictura ilustrează mitul nașterii Afroditei. O zeiță goală înoată până la țărm într-o coajă deschisă, mânată de vânt. În partea stângă a tabloului, Zephyr (vântul de vest), în brațele soției sale Chloris, suflă pe o scoică, creând un vânt plin de flori. Pe mal, zeița este întâmpinată de una dintre grații. Nașterea lui Venus este bine păstrată datorită faptului că Botticelli a aplicat picturii un strat protector de gălbenuș de ou.

...
Partea 21 -
Partea 22 -
Partea 23 -

Există opere de artă care par să lovească privitorul peste cap, uimitoare și uimitoare. Alții te atrag în gândire și în căutarea unor straturi de sens și simbolism secret. Unele tablouri sunt învăluite în secrete și mistere mistice, în timp ce altele surprind cu prețuri exorbitante.

Am analizat cu atenție toate realizările principale ale picturii mondiale și am selectat dintre ele două zeci dintre cele mai multe tablouri ciudate. Salvador Dali, ale cărui lucrări se încadrează complet în formatul acestui material și sunt primele care îi vin în minte, nu au fost incluse intenționat în această colecție.

Este clar că „ciudatatea” este un concept destul de subiectiv și fiecare are propriile picturi uimitoare, care ies în evidență de alte opere de artă. Ne vom bucura dacă le împărtășiți în comentarii și ne spuneți puțin despre ele.

"Ţipăt"

Edvard Munch. 1893, carton, ulei, tempera, pastel.
Galeria Națională, Oslo.

Strigătul este considerat un eveniment expresionist de referință și unul dintre cele mai faimoase picturi din lume.

Există două interpretări ale ceea ce este reprezentat: eroul însuși este cuprins de groază și țipă în tăcere, lipindu-și mâinile de urechi; sau eroul își închide urechile de strigătul lumii și al naturii care răsună în jurul lui. Munch a scris patru versiuni ale „The Scream” și există o versiune conform căreia acest tablou este rodul psihozei maniaco-depresive de care a suferit artistul. După un curs de tratament la clinică, Munch nu s-a întors să lucreze pe pânză.

„Mă plimbam pe potecă cu doi prieteni. Soarele apunea - deodată cerul s-a înroșit sângele, m-am oprit, simțindu-mă epuizat, și m-am rezemat de gard - m-am uitat la sângele și flăcările peste fiordul și orașul negru-albăstrui. Prietenii mei au mers mai departe, iar eu am stat, tremurând de emoție, simțind un țipăt nesfârșit care străpunge natura”, a spus Edvard Munch despre istoria picturii.

„De unde am venit? Cine suntem noi? Unde mergem?

Paul Gauguin. 1897-1898, ulei pe pânză.
Muzeul de Arte Frumoase, Boston.

Potrivit lui Gauguin însuși, pictura trebuie citită de la dreapta la stânga - trei grupuri principale de figuri ilustrează întrebările puse în titlu.

Trei femei cu un copil reprezintă începutul vieții; grupul de mijloc simbolizează existența zilnică a maturității; în grupa finală, conform planului artistului, „bătrâna, apropiindu-se de moarte, pare împăcată și predată gândurilor ei”, la picioarele ei „o pasăre albă ciudată... reprezintă inutilitatea cuvintelor”.

Tabloul profund filozofic al postimpresionistului Paul Gauguin a fost pictat de acesta la Tahiti, unde a fugit din Paris. La terminarea lucrării, a vrut chiar să se sinucidă: „Cred că această pictură este superioară tuturor celor anterioare și că nu voi crea niciodată ceva mai bun sau chiar asemănător”. A mai trăit cinci ani și așa s-a întâmplat.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, ulei pe pânză.
Muzeul Reina Sofia, Madrid.

Guernica prezintă scene de moarte, violență, brutalitate, suferință și neputință, fără a preciza cauzele lor imediate, dar sunt evidente. Se spune că în 1940, Pablo Picasso a fost chemat la Gestapo din Paris. Conversația s-a îndreptat imediat spre tablou. „Ai făcut asta?” - „Nu, ai făcut-o.”

Uriașa pictură în frescă „Guernica”, pictată de Picasso în 1937, spune povestea unui raid al unei unități de voluntari Luftwaffe asupra orașului Guernica, în urma căruia orașul cu șase mii de oameni a fost complet distrus. Tabloul a fost pictat literalmente într-o lună - în primele zile de lucru la pictură, Picasso a lucrat timp de 10-12 ore și deja în primele schițe se putea vedea Ideea principală. Aceasta este una dintre cele mai bune ilustrații ale coșmarului fascismului, precum și ale cruzimii și durerii umane.

„Portretul cuplului Arnolfini”

Jan van Eyck. 1434, lemn, ulei.
Galeria Națională din Londra, Londra.

Celebrul tablou este complet plin de simboluri, alegorii și diverse referințe - până la semnătura „Jan van Eyck a fost aici”, care a transformat pictura nu doar într-o operă de artă, ci într-un document istoric care confirmă realitatea evenimentului. la care artistul a fost prezent.

Portretul presupus al lui Giovanni di Nicolao Arnolfini și al soției sale este unul dintre cele mai multe lucrări complexeȘcoala occidentală de pictură a Renașterii de Nord.

În Rusia, în ultimii ani, pictura a câștigat o mare popularitate datorită asemănării portretului lui Arnolfini cu Vladimir Putin.

„Demon așezat”

Mihail Vrubel. 1890, ulei pe pânză.
Stat Galeria Tretiakov, Moscova.

„Mâinile îi rezistă”

Bill Stoneham. 1972.

Această lucrare, desigur, nu poate fi clasată printre capodoperele picturii mondiale, dar faptul că este ciudată este un fapt.

Există legende care înconjoară tabloul cu un băiat, o păpușă și mâinile apăsate de sticlă. De la „oamenii mor din cauza acestei imagini” la „copiii din ea sunt în viață”. Poza arată într-adevăr înfiorător, ceea ce dă naștere la o mulțime de temeri și speculații în rândul oamenilor cu psihic slab.

Artistul a insistat că pictura s-a înfățișat pe sine la vârsta de cinci ani, că ușa reprezenta linia de demarcație dintre lumea reală și lumea viselor, iar păpușa era un ghid care l-ar putea ghida pe băiat prin această lume. Mâinile reprezintă vieți sau posibilități alternative.

Pictura a câștigat notorietate în februarie 2000, când a fost scoasă la vânzare pe eBay, cu o poveste de fundal care spunea că pictura era „bântuită”. „Hands Resist Him” a fost cumpărat cu 1.025 USD de către Kim Smith, care a fost apoi inundat de scrisori de la povești înfiorătoareși cere arderea tabloului.

„Jucători de cărți”

Autor

Paul Cezanne

Ţară Franţa
Ani de viață 1839–1906
Stil postimpresionism

Artistul s-a născut în sudul Franței, în orășelul Aix-en-Provence, dar a început să picteze la Paris. Succesul real a venit la el după o expoziție personală organizată de colecționarul Ambroise Vollard. În 1886, cu 20 de ani înainte de plecare, s-a mutat la periferie orasul natal. Tinerii artiști au numit călătoriile la el „un pelerinaj la Aix”.

130x97 cm
1895
preţ
250 de milioane de dolari
vândut în 2012
la licitatie privata

Lucrarea lui Cezanne este ușor de înțeles. Singura regulă a artistului a fost transferul direct al unui obiect sau a unui complot pe pânză, astfel încât picturile sale nu provoacă nedumerire privitorului. Cezanne a combinat în arta sa două tradiții principale franceze: clasicismul și romantismul. Cu ajutorul texturilor colorate, a dat formei obiectelor o plasticitate uimitoare.

Seria de cinci picturi „Jucători de cărți” a fost pictată în 1890–1895. Intriga lor este aceeași - mai mulți oameni joacă poker cu entuziasm. Lucrările diferă doar prin numărul de jucători și dimensiunea pânzei.

Patru picturi sunt păstrate în muzee din Europa și America (Muzeul d'Orsay, Muzeul Metropolitan de Artă, Fundația Barnes și Institutul de Artă Courtauld), iar al cincilea, până de curând, a fost o podoabă a colecției private a armatorului miliardar grec. Georg Embirikos. Cu puțin timp înainte de moarte, în iarna lui 2011, a decis să-l scoată la vânzare. Potențialii cumpărători ai lucrării „gratuite” a lui Cezanne au fost dealerul de artă William Acquavella și proprietarul de galerie de renume mondial Larry Gagosian, care au oferit aproximativ 220 de milioane de dolari pentru aceasta. Drept urmare, pictura a mers familiei regale a statului arab Qatar pentru 250 de milioane. Cea mai mare afacere de artă din istoria picturii a fost încheiată în februarie 2012. Jurnalista Alexandra Pierce a relatat acest lucru în Vanity Fair. Ea a aflat costul picturii și numele noului proprietar, iar apoi informația a pătruns în mass-media din întreaga lume.

În 2010, în Qatar s-au deschis Muzeul Arab de Artă Modernă și Muzeul Național Qatar. Acum colecțiile lor cresc. Poate că a cincea versiune a The Card Players a fost achiziționată de șeic în acest scop.

Cel mai multpictură scumpăîn lume

Proprietar
Șeicul Hamad
bin Khalifa al-Thani

Dinastia al-Thani a condus Qatarul de mai bine de 130 de ani. În urmă cu aproximativ o jumătate de secol, aici au fost descoperite rezerve uriașe de petrol și gaze, ceea ce a făcut instantaneu din Qatar una dintre cele mai bogate regiuni din lume. Datorită exportului de hidrocarburi, această țară mică are cel mai mare PIB pe cap de locuitor. Șeicul Hamad bin Khalifa al-Thani a preluat puterea în 1995, în timp ce tatăl său se afla în Elveția, cu sprijinul membrilor familiei. Meritul actualului domnitor, potrivit experților, constă într-o strategie clară de dezvoltare a țării și în crearea unei imagini de succes a statului. Qatarul are acum o constituție și un prim-ministru, iar femeile au dreptul de a vota la alegerile parlamentare. Apropo, emirul Qatarului a fost cel care a fondat canalul de știri Al-Jazeera. Autoritățile statului arab acordă o mare atenție culturii.

2

„Numărul 5”

Autor

Jackson Pollock

Ţară STATELE UNITE ALE AMERICII
Ani de viață 1912–1956
Stil expresionism abstract

Jack the Sprinkler - aceasta a fost porecla dată lui Pollock de publicul american pentru tehnica sa specială de pictură. Artistul a abandonat pensula și șevalet și a turnat vopsea pe suprafața pânzei sau a plăcii de fibre în timpul mișcării continue în jurul și în interiorul acestora. CU primii aniîi plăcea filozofia lui Jiddu Krishnamurti, al cărei mesaj principal este că adevărul este dezvăluit în timpul unei „revărsări” libere.

122x244 cm
1948
preţ
140 de milioane de dolari
vândut în 2006
la licitatie Sotheby's

Valoarea muncii lui Pollock nu constă în rezultat, ci în proces. Nu este o coincidență că autorul și-a numit arta „pictură de acțiune”. Cu mâna lui ușoară, a devenit principalul atu al Americii. Jackson Pollock a amestecat vopsea cu nisip și sticlă spartă și a pictat cu o bucată de carton, un cuțit, un cuțit și o paletă de praf. Artistul a fost atât de popular încât în ​​anii 1950 au fost găsite imitatori chiar și în URSS. Tabloul „Numărul 5” este recunoscut ca fiind unul dintre cele mai ciudate și mai scumpe din lume. Unul dintre fondatorii DreamWorks, David Geffen, l-a cumpărat pentru o colecție privată, iar în 2006 l-a vândut la licitația Sotheby's pentru 140 de milioane de dolari colectionarului mexican David Martinez. Cu toate acestea, firma de avocatură a emis în curând un comunicat de presă în numele clientului său în care afirmă că David Martinez nu este proprietarul tabloului. Un singur lucru se știe sigur: finanțatorul mexican a adunat într-adevăr recent lucrări de artă modernă. Este puțin probabil să fi ratat un astfel de „pește mare” precum „Numărul 5” al lui Pollock.

3

"Femeia III"

Autor

Willem de Kooning

Ţară STATELE UNITE ALE AMERICII
Ani de viață 1904–1997
Stil expresionism abstract

Originar din Țările de Jos, a emigrat în Statele Unite în 1926. În 1948, a avut loc expoziția personală a artistului. Criticii de artă au apreciat compozițiile complexe, nervoase alb-negru, recunoscându-și autorul drept un mare artist modernist. A suferit de alcoolism aproape toată viața, dar bucuria de a crea o nouă artă se simte în fiecare lucrare. De Kooning se remarcă prin impulsivitatea picturii sale și prin liniile largi, motiv pentru care uneori imaginea nu se încadrează în limitele pânzei.

121x171 cm
1953
preţ
137 de milioane de dolari
vândut în 2006
la licitatie privata

În anii 1950, în picturile lui de Kooning apăreau femei cu ochii goali, sânii masivi și trăsăturile feței urâte. „Femeia III” a fost ultima lucrare din această serie scoasă la licitație.

Din anii 1970, pictura a fost păstrată la Muzeul de Artă Modernă din Teheran, dar după introducerea unor reguli morale stricte în țară, au încercat să scape de ea. În 1994, lucrarea a fost exportată din Iran, iar 12 ani mai târziu, proprietarul său, David Geffen (același producător care a vândut „Numărul 5” al lui Jackson Pollock), a vândut tabloul milionarului Steven Cohen pentru 137,5 milioane de dolari. Este interesant că într-un an Geffen a început să-și vândă colecția de picturi. Acest lucru a dat naștere la o mulțime de zvonuri: de exemplu, că producătorul a decis să cumpere ziarul Los Angeles Times.

La unul dintre forumurile de artă, a fost exprimată o opinie despre asemănarea „Femeia III” cu pictura „Doamna cu hermină” de Leonardo da Vinci. În spatele zâmbetului cu dinți și al figurii fără formă a eroinei, cunoscătorul picturii a văzut grația unei persoane de sânge regal. Acest lucru este evidențiat și de coroana prost desenată care încununează capul femeii.

4

„Portretul AdeleiBloch-Bauer I"

Autor

Gustav Klimt

Ţară Austria
Ani de viață 1862–1918
Stil modern

Gustav Klimt s-a născut în familia unui gravor și a fost al doilea dintre cei șapte copii. Trei fii ai lui Ernest Klimt au devenit artiști, dar numai Gustav a devenit faimos în întreaga lume. Și-a petrecut cea mai mare parte a copilăriei în sărăcie. După moartea tatălui său, el a devenit responsabil pentru întreaga familie. În acest moment, Klimt și-a dezvoltat stilul. Orice privitor îngheață în fața picturilor sale: erotismul sincer este vizibil sub liniuțele subțiri de aur.

138x136 cm
1907
preţ
135 de milioane de dolari
vândut în 2006
la licitatie Sotheby's

Soarta picturii, care se numește „Mona Lisa austriacă”, ar putea deveni cu ușurință baza pentru un bestseller. Opera artistului a devenit cauza unui conflict între un întreg stat și o doamnă în vârstă.

Deci, „Portretul Adelei Bloch-Bauer I” înfățișează un aristocrat, soția lui Ferdinand Bloch. Ultima ei dorință a fost să doneze tabloul Galeriei de Stat din Austria. Cu toate acestea, Bloch a anulat donația în testamentul său, iar naziștii au expropriat tabloul. Ulterior, galeria a cumpărat cu greu Adele de Aur, dar apoi a apărut o moștenitoare - Maria Altman, nepoata lui Ferdinand Bloch.

În 2005, a început procesul de mare profil „Maria Altmann împotriva Republicii Austria”, în urma căruia filmul „a plecat” cu ea la Los Angeles. Austria a luat măsuri fără precedent: s-au purtat negocieri cu privire la împrumuturi, populația a donat bani pentru cumpărarea portretului. Binele nu a învins niciodată răul: Altman a ridicat prețul la 300 de milioane de dolari. La momentul procedurii, ea avea 79 de ani și a intrat în istorie ca persoana care a schimbat testamentul lui Bloch-Bauer în favoarea intereselor personale. Tabloul a fost achiziționat de Ronald Lauder, proprietarul New Gallery din New York, unde a rămas până astăzi. Nu pentru Austria, pentru el Altman a redus prețul la 135 de milioane de dolari.

5

"Ţipăt"

Autor

Edvard Munch

Ţară Norvegia
Ani de viață 1863–1944
Stil expresionism

Primul tablou al lui Munch, care a devenit celebru în întreaga lume, „Fata bolnavă” (există cinci exemplare) este dedicat surorii artistului, care a murit de tuberculoză la vârsta de 15 ani. Munch a fost mereu interesat de tema morții și a singurătății. În Germania, pictura sa grea și maniacă a provocat chiar scandal. Cu toate acestea, în ciuda subiectelor depresive, picturile sale au un magnetism aparte. Luați „Scream” de exemplu.

73,5x91 cm
1895
preţ
119,992 milioane USD
vândut în 2012
la licitatie Sotheby's

Titlul complet al picturii este Der Schrei der Natur (tradus din germană ca „strigătul naturii”). Chipul fie al unui om, fie al unui extraterestru exprimă disperare și panică - aceleași emoții pe care le experimentează privitorul atunci când privește imaginea. Una dintre lucrările cheie ale expresionismului avertizează asupra temelor care au devenit acute în arta secolului al XX-lea. Potrivit unei versiuni, artistul l-a creat sub influența unei tulburări mintale de care a suferit toată viața.

Tabloul a fost furat de două ori din diferite muzee, dar a fost returnat. Ușor deteriorat după furt, The Scream a fost restaurat și a fost din nou gata pentru a fi expus la Muzeul Munch în 2008. Pentru reprezentanții culturii pop, lucrarea a devenit o sursă de inspirație: Andy Warhol a creat o serie de copii tipărite ale acesteia, iar masca din filmul „Scream” a fost realizată după imaginea și asemănarea eroului imaginii.

Pentru un subiect, Munch a scris patru versiuni ale lucrării: cea care se află într-o colecție privată este realizată în pasteluri. Miliardarul norvegian Petter Olsen a scos-o la licitație pe 2 mai 2012. Cumpărătorul a fost Leon Black, care nu a cruțat o sumă record pentru „Scream”. Fondatorul Apollo Advisors, L.P. și Lion Advisors, L.P. cunoscut pentru dragostea lui pentru artă. Black este patronul Colegiului Dartmouth, al Muzeului de Artă Modernă, al Centrului de Artă Lincoln și al Muzeului Metropolitan de Artă. Are cea mai mare colecție de picturi artiștii contemporaniși maeștrii clasici ai secolelor trecute.

6

„Nud pe fundalul unui bust și frunze verzi”

Autor

Pablo Picasso

Ţară Spania, Franța
Ani de viață 1881–1973
Stil cubism

Este spaniol de origine, dar după spirit și loc de reședință este un adevărat francez. Picasso și-a deschis propriul studio de artă în Barcelona când avea doar 16 ani. Apoi a plecat la Paris și și-a petrecut cea mai mare parte a vieții acolo. De aceea numele lui de familie are un dublu accent. Stilul inventat de Picasso se bazează pe negarea ideii că un obiect înfățișat pe pânză poate fi privit doar dintr-un unghi.

130x162 cm
1932
preţ
106,482 milioane USD
vândut în 2010
la licitatie Christie's

În timpul muncii sale la Roma, artistul a cunoscut-o pe dansatoarea Olga Khokhlova, care i-a devenit curând soție. A pus capăt vagabondajului și s-a mutat cu ea într-un apartament luxos. Până atunci, recunoașterea a găsit eroul, dar căsătoria a fost distrusă. Una dintre cele mai multe tablouri scumpe lumea a fost creată aproape din întâmplare - din marea dragoste, care, ca întotdeauna cu Picasso, a fost de scurtă durată. În 1927, a devenit interesat de tânăra Marie-Therese Walter (ea avea 17 ani, el 45). În secret de soția sa, a plecat împreună cu amanta într-un oraș de lângă Paris, unde a pictat un portret, înfățișând-o pe Marie-Therese în imaginea lui Daphne. Pânza a fost cumpărată de dealerul din New York Paul Rosenberg, iar în 1951 i-a vândut-o lui Sidney F. Brody. Soții Brody au arătat lumii pictura o singură dată și doar pentru că artistul împlinea 80 de ani. După moartea soțului ei, doamna Brody a scos lucrarea la licitație la Christie’s în martie 2010. De-a lungul a șase decenii, prețul a crescut de peste 5.000 de ori! Un colecționar necunoscut l-a cumpărat cu 106,5 milioane de dolari. În 2011, a avut loc o „expoziție cu un tablou” în Marea Britanie, unde a fost lansat pentru a doua oară, dar numele proprietarului este încă necunoscut.

7

„Opt elfizi”

Autor

Andy Warhol

Ţară STATELE UNITE ALE AMERICII
Ani de viață 1928-1987
Stil
arta pop

„Sexul și petrecerile sunt singurele locuri în care trebuie să apari în persoană”, a spus artistul cult pop art, director, unul dintre fondatorii revistei Interview, designerul Andy Warhol. A lucrat cu Vogue și Harper's Bazaar, a conceput coperți de discuri și a creat pantofi pentru compania I.Miller. În anii 1960, au apărut picturi înfățișând simboluri ale Americii: supa Campbell și Coca-Cola, Presley și Monroe - ceea ce l-a făcut o legendă.

358x208 cm
1963
preţ
100 de milioane de dolari
vândut în 2008
la licitatie privata

Anii 60 Warhol a fost numele dat erei artei pop din America. În 1962, a lucrat în Manhattan la studioul Factory, unde s-au adunat toți boemii din New York. Reprezentanții săi de seamă: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote și alte personalități celebre din lume. În același timp, Warhol a testat tehnica de imprimare serigrafică - repetarea repetată a unei imagini. De asemenea, a folosit această metodă când a creat „The Eight Elvises”: spectatorul pare să vadă filmări dintr-un film în care vedeta prinde viață. Aici există tot ceea ce artistul a iubit atât de mult: o imagine publică win-win, culoare argintie și o premoniție a morții ca mesaj principal.

Există doi dealeri de artă care promovează astăzi opera lui Warhol pe piața mondială: Larry Gagosian și Alberto Mugrabi. Primul a cheltuit 200 de milioane de dolari în 2008 pentru a achiziționa peste 15 lucrări ale lui Warhol. Al doilea își cumpără și vinde tablourile ca felicitări de Crăciun, doar la un preț mai mare. Dar nu ei, ci modestul consultant de artă francez Philippe Segalot l-a ajutat pe cunoscătorul de artă roman Annibale Berlinghieri să vândă „Opt Elvises” unui cumpărător necunoscut pentru o sumă record pentru Warhol – 100 de milioane de dolari.

8

"Portocale,roșu, galben"

Autor

Mark Rothko

Ţară STATELE UNITE ALE AMERICII
Ani de viață 1903–1970
Stil expresionism abstract

Unul dintre creatorii picturii pe câmpuri de culoare s-a născut în Dvinsk, Rusia (acum Daugavpils, Letonia), în familie numeroasă farmacist evreu. În 1911 au emigrat în SUA. Rothko a studiat la departamentul de artă de la Universitatea Yale și a câștigat o bursă, dar sentimentele antisemite l-au forțat să-și părăsească studiile. Cu toate acestea, criticii de artă l-au idolatrizat pe artist, iar muzeele l-au urmărit toată viața.

206x236 cm
1961
preţ
86,882 milioane USD
vândut în 2012
la licitatie Christie's

Primele experimente artistice ale lui Rothko au fost de orientare suprarealistă, dar de-a lungul timpului a simplificat intriga la pete de culoare, lipsindu-le de orice obiectivitate. La început au avut nuanțe strălucitoare, iar în anii 1960 au devenit maro și violet, îngroșându-se până la negru până la momentul morții artistului. Mark Rothko a avertizat să nu caute vreun sens în picturile sale. Autorul a vrut să spună exact ce a spus: doar culoarea care se dizolvă în aer și nimic mai mult. El a recomandat vizualizarea lucrărilor de la o distanță de 45 cm, astfel încât privitorul să fie „tras” în culoare, ca într-o pâlnie. Fii atent: vizualizarea conform tuturor regulilor poate duce la efectul meditației, adică conștientizarea infinitului, imersiunea completă în sine, relaxarea și purificarea vin treptat. Culoarea din picturile sale trăiește, respiră și are un puternic impact emoțional (se spune, uneori vindecătoare). Artistul a declarat: „Privitorul ar trebui să plângă în timp ce se uită la ei”, și astfel de cazuri s-au întâmplat de fapt. Conform teoriei lui Rothko, în acest moment oamenii trăiesc aceeași experiență spirituală ca și el în timp ce lucra la pictură. Dacă ai reușit să-l înțelegi la un nivel atât de subtil, nu vei fi surprins că aceste lucrări de artă abstractă sunt adesea comparate de critici cu icoane.

Lucrarea „Orange, Red, Yellow” exprimă esența picturii lui Mark Rothko. Prețul său inițial la licitația Christie’s din New York este de 35-45 de milioane de dolari. Un cumpărător necunoscut a oferit un preț de două ori mai mare decât estimarea. Numele norocosului proprietar al tabloului, așa cum se întâmplă adesea, nu este dezvăluit.

9

"Triptic"

Autor

Francis Bacon

Ţară
Regatul Unit
Ani de viață 1909–1992
Stil expresionism

Aventurile lui Francis Bacon, un omonim complet și, de asemenea, un descendent îndepărtat al marelui filozof, au început când tatăl său l-a lepădat, incapabil să accepte înclinațiile homosexuale ale fiului său. Bacon a mers mai întâi la Berlin, apoi la Paris, iar apoi urmele lui s-au confundat în toată Europa. În timpul vieții sale, lucrările sale au fost expuse în conducere centre culturale lume, inclusiv Muzeul Guggenheim și Galeria Tretiakov.

147,5x198 cm (fiecare)
1976
preţ
86,2 milioane de dolari
vândut în 2008
la licitatie Sotheby's

Muzeele de prestigiu au căutat să posede picturile lui Bacon, dar publicul englez amabil nu se grăbea să facă rost de o astfel de artă. Legendarul prim-ministru britanic Margaret Thatcher a spus despre el: „Omul care pictează aceste imagini terifiante”.

Artistul însuși a considerat perioada de după război ca fiind perioada de început în opera sa. Revenit de la serviciu, a început din nou pictura și a creat capodopere majore. Înainte de participarea la „Triptych, 1976”, cea mai scumpă lucrare a lui Bacon a fost „Study for a Portrait of Pope Inocent X” (52,7 milioane de dolari). În „Triptic, 1976”, artistul a descris complotul mitic al persecuției lui Oreste de către Furii. Desigur, Oreste este Bacon însuși, iar Furii sunt chinul lui. Timp de mai bine de 30 de ani, pictura a fost într-o colecție privată și nu a participat la expoziții. Acest fapt îi conferă o valoare deosebită și, în consecință, crește costul. Dar ce înseamnă câteva milioane pentru un cunoscător de artă și, de altfel, unul generos? Roman Abramovici a început să-și creeze colecția în anii 1990, în care a fost influențat semnificativ de prietena sa Dasha Zhukova, care a devenit Rusia modernă proprietar de galerie la modă. Potrivit datelor neoficiale, omul de afaceri deține personal lucrări ale lui Alberto Giacometti și Pablo Picasso, achiziționate pentru sume care depășesc 100 de milioane de dolari. În 2008 a devenit proprietarul Tripticului. Apropo, în 2011, a fost achiziționată o altă lucrare valoroasă a lui Bacon - „Trei schițe pentru un portret al lui Lucian Freud”. Surse ascunse spun că Roman Arkadievici a devenit din nou cumpărător.

10

„Iaz cu nuferi”

Autor

Claude Monet

Ţară Franţa
Ani de viață 1840–1926
Stil impresionism

Artistul este recunoscut drept fondatorul impresionismului, care a „brevetat” această metodă în picturile sale. Primul munca semnificativa a devenit pictura „Prânzul pe iarbă” (versiunea originală a lucrării lui Edouard Manet). În tinerețe a desenat caricaturi și pictură adevărată preluat în timpul călătoriilor sale de-a lungul coastei și în aer liber. La Paris a dus un stil de viață boem și nu l-a părăsit nici după ce a servit în armată.

210x100 cm
1919
preţ
80,5 milioane de dolari
vândut în 2008
la licitatie Christie's

Pe lângă faptul că Monet era un mare artist, era și un grădinar pasionat și adora animalele sălbatice și florile. În peisajele sale, starea naturii este de moment, obiectele par a fi estompate de mișcarea aerului. Impresia este sporită de linii mari de la o anumită distanță, acestea devin invizibile și se îmbină într-o imagine texturată, tridimensională. În picturile regretatului Monet, tema apei și a vieții din ea ocupă un loc aparte. În orașul Giverny, artistul avea propriul iaz, unde creștea nuferi din semințe pe care le-a adus special din Japonia. Când florile lor au înflorit, el a început să picteze. Seria „Nuferi” este formată din 60 de lucrări pe care artistul le-a pictat de-a lungul a aproape 30 de ani, până la moartea sa. Vederea i s-a deteriorat odată cu vârsta, dar nu s-a oprit. În funcție de vânt, de perioada anului și de vreme, aspectul iazului era în continuă schimbare, iar Monet a vrut să surprindă aceste schimbări. Printr-o muncă atentă, a ajuns să înțeleagă esența naturii. Unele dintre picturile din serie sunt păstrate în galerii de top din lume: Muzeul National Western Art (Tokyo), Orangerie (Paris). O versiune a următorului „Iaz cu nuferi” a intrat în mâinile unui cumpărător necunoscut pentru o sumă record.

11

Steaua falsă t

Autor

Jasper Johns

Ţară STATELE UNITE ALE AMERICII
Anul nașterii 1930
Stil arta pop

În 1949, Jones a intrat la școala de design din New York. Alături de Jackson Pollock, Willem de Kooning și alții, este recunoscut drept unul dintre principalii artiști ai secolului XX. În 2012, a primit Medalia Prezidenţială a Libertăţii, cea mai înaltă onoare civilă din Statele Unite.

137,2x170,8 cm
1959
preţ
80 de milioane de dolari
vândut în 2006
la licitatie privata

La fel ca Marcel Duchamp, Jones a lucrat cu obiecte reale, înfățișându-le pe pânză și în sculptură în deplină concordanță cu originalul. Pentru lucrările sale a folosit obiecte simple și de înțeles: o sticlă de bere, un steag sau cartonașe. Nu există o compoziție clară în filmul False Start. Artistul pare să se joace cu privitorul, etichetând adesea „greșit” culorile din tablou, inversând însuși conceptul de culoare: „Am vrut să găsesc o modalitate de a descrie culoarea, astfel încât să poată fi determinată printr-o altă metodă”. Cea mai explozivă și „neîncrezătoare” pictură a sa, potrivit criticilor, a fost achiziționată de un cumpărător necunoscut.

12

"Aşezatnudpe canapea"

Autor

Amedeo Modigliani

Ţară Italia, Franța
Ani de viață 1884–1920
Stil expresionism

Modigliani a fost adesea bolnav încă din copilărie în timpul unui delir febril, și-a recunoscut destinul de artist; A studiat desenul la Livorno, Florența, Veneția, iar în 1906 a plecat la Paris, unde arta sa a înflorit.

65x100 cm
1917
preţ
68,962 milioane USD
vândut în 2010
la licitatie Sotheby's

În 1917, Modigliani a cunoscut-o pe Jeanne Hebuterne, în vârstă de 19 ani, care i-a devenit model și apoi soția. În 2004, unul dintre portretele ei s-a vândut cu 31,3 milioane de dolari, ultimul record înainte de vânzarea Nud Seated on a Sofa în 2010. Tabloul a fost achiziționat de un cumpărător necunoscut la prețul maxim pentru Modigliani în acest moment. Vânzările active de lucrări au început abia după moartea artistului. A murit în sărăcie, bolnav de tuberculoză, iar a doua zi Jeanne Hebuterne, care era însărcinată în nouă luni, s-a sinucis și ea.

13

„Vultur pe un pin”

Autor

Qi Baishi

Ţară China
Ani de viață 1864–1957
Stil Guohua

Interesul pentru caligrafie l-a determinat pe Qi Baishi la pictură. La 28 de ani, a devenit studentul artistului Hu Qingyuan. Ministerul chinez al Culturii i-a acordat titlul de „Mare Artist” poporul chinez„, în 1956 a primit Premiul Internațional pentru Pace.

10x26 cm
1946
preţ
65,4 milioane de dolari
vândut în 2011
la licitatie Gardianul Chinei

Qi Baishi era interesat de acele manifestări ale lumii înconjurătoare cărora mulți nu le acordă importanță, iar aceasta este măreția lui. Un om fără educație a devenit profesor și un creator remarcabil în istorie. Pablo Picasso a spus despre el: „Mi-e frică să merg în țara ta, pentru că există Qi Baishi în China”. Compoziția „Vultur pe un pin” este recunoscută drept cea mai mare lucrare a artistului. Pe lângă pânză, include două suluri hieroglifice. Pentru China, suma pentru care a fost achiziționată lucrarea reprezintă un record - 425,5 milioane de yuani. Numai sulul anticului caligraf Huang Tingjian a fost vândut cu 436,8 milioane.

14

„1949-A-Nr. 1”

Autor

Clyfford Still

Ţară STATELE UNITE ALE AMERICII
Ani de viață 1904–1980
Stil expresionism abstract

La 20 de ani, am vizitat Muzeul Metropolitan de Artă din New York și am fost dezamăgit. Mai târziu, s-a înscris la un curs la Student Arts League, dar a plecat la 45 de minute după începerea cursului - s-a dovedit a fi „nu pentru el”. Prima expoziție personală a provocat o rezonanță, artistul s-a regăsit, și odată cu ea și recunoașterea

79x93 cm
1949
preţ
61,7 milioane de dolari
vândut în 2011
la licitatie Sotheby's

Încă a lăsat moștenire toate lucrările sale, peste 800 de pânze și 1.600 de lucrări pe hârtie, unui oraș american în care va fi deschis un muzeu care poartă numele lui. Denver a devenit un astfel de oraș, dar numai construcția a fost costisitoare pentru autorități, iar pentru a o finaliza, patru lucrări au fost scoase la licitație. Este puțin probabil ca lucrările lui Still să fie scoase la licitație din nou, ceea ce le-a crescut prețul în avans. Pictura „1949-A-No.1” a fost vândută pentru o sumă record pentru artist, deși experții au prezis vânzarea pentru maximum 25–35 de milioane de dolari.

15

„Compoziție supremistă”

Autor

Kazimir Malevici

Ţară Rusia
Ani de viață 1878–1935
Stil Suprematism

Malevici a studiat pictura la Kiev scoala de arte, apoi la Academia de Arte din Moscova. În 1913, a început să picteze picturi geometrice abstracte într-un stil pe care l-a numit Suprematism (din latină pentru „dominare”).

71x 88,5 cm
1916
preţ
60 de milioane de dolari
vândut în 2008
la licitatie Sotheby's

Pictura a fost păstrată în Muzeul Orașului din Amsterdam timp de aproximativ 50 de ani, dar după o dispută de 17 ani cu rudele lui Malevich, muzeul a dat-o. Artistul a pictat această lucrare în același an cu „Manifestul Suprematismului”, așa că Sotheby’s a anunțat chiar înainte de licitație că nu va intra într-o colecție privată pentru mai puțin de 60 de milioane de dolari. Și așa s-a întâmplat. Este mai bine să-l priviți de sus: figurile de pe pânză seamănă cu o vedere aeriană a pământului. Apropo, cu câțiva ani mai devreme, aceleași rude au expropriat o altă „Compoziție suprematistă” de la Muzeul MoMA pentru a o vinde la licitația Phillips cu 17 milioane de dolari.

16

„Scăldatorii”

Autor

Paul Gauguin

Ţară Franţa
Ani de viață 1848–1903
Stil postimpresionism

Până la vârsta de șapte ani, artistul a locuit în Peru, apoi s-a întors în Franța împreună cu familia, dar amintirile din copilărie l-au împins constant să călătorească. În Franța, a început să picteze și s-a împrietenit cu Van Gogh. A petrecut chiar și câteva luni cu el în Arles, până când Van Gogh și-a tăiat urechea în timpul unei cearte.

93,4x60,4 cm
1902
preţ
55 de milioane de dolari
vândut în 2005
la licitatie Sotheby's

În 1891, Gauguin a organizat o vânzare a picturilor sale pentru a folosi veniturile pentru a călători adânc în insula Tahiti. Acolo a creat lucrări în care se simte o legătură subtilă între natură și om. Gauguin locuia într-o colibă ​​de paie, iar pe pânzele lui înflorise un paradis tropical. Soția lui era tahitianul Tehura, în vârstă de 13 ani, ceea ce nu l-a împiedicat pe artist să se angajeze în relații promiscue. După ce a contractat sifilis, a plecat în Franța. Totuși, acolo era aglomerat pentru Gauguin și s-a întors în Tahiti. Această perioadă este numită „al doilea tahitian” - atunci a fost pictată pictura „Bathers”, una dintre cele mai luxoase din opera sa.

17

„Narcise și față de masă în tonuri de albastru și roz”

Autor

Henri Matisse

Ţară Franţa
Ani de viață 1869–1954
Stil fauvism

În 1889, Henri Matisse a suferit un atac de apendicită. Când se recupera de la operație, mama lui i-a cumpărat vopsele. La început, din plictiseală, Matisse a copiat cărți poștale color, apoi a copiat lucrări ale unor mari pictori pe care i-a văzut la Luvru, iar la începutul secolului al XX-lea a venit cu un stil - fauvismul.

65,2x81 cm
1911
preţ
46,4 milioane de dolari
vândut în 2009
la licitatie Christie's

Tabloul „Narcise și față de masă în albastru și roz” i-a aparținut multă vreme lui Yves Saint Laurent. După moartea couturierului, întreaga sa colecție de artă a trecut în mâinile prietenului și iubitului său Pierre Berger, care a decis să o scoată la licitație la Christie’s. Perla colecției vândute a fost pictura „Narcise și o față de masă în tonuri de albastru și roz”, pictată pe o față de masă obișnuită în loc de pânză. Ca exemplu de fauvism, este plin de energia culorii, culorile par să explodeze și să țipe. Din celebra serie de picturi pictate pe fețe de masă, astăzi această lucrare este singura care se află într-o colecție privată.

18

"Fata adormita"

Autor

RoyLee

htenstein

Ţară STATELE UNITE ALE AMERICII
Ani de viață 1923–1997
Stil arta pop

Artistul s-a născut la New York, iar după absolvirea școlii, a plecat în Ohio, unde a urmat cursuri de artă. În 1949, Lichtenstein a primit o diplomă de master în arte plastice. Interesul său pentru benzi desenate și capacitatea de a folosi ironia l-au făcut un artist de cult al secolului trecut.

91x91 cm
1964
preţ
44,882 milioane USD
vândut în 2012
la licitatie Sotheby's

Într-o zi, guma de mestecat a căzut în mâinile lui Lichtenstein. A redesenat poza din insert pe pânză și a devenit celebru. Această poveste din biografia sa conține întregul mesaj al artei pop: consumul este noul zeu și nu există mai puțină frumusețe într-un ambalaj de gumă de mestecat decât în ​​Mona Lisa. Picturile sale amintesc de benzi desenate și desene animate: Lichtenstein a mărit pur și simplu imaginea finită, a desenat rastere, a folosit serigrafie și serigrafie. Tabloul „Fata adormită” a aparținut de aproape 50 de ani colecționarilor Beatrice și Philip Gersh, ai căror moștenitori l-au vândut la licitație.

19

"Victorie. Boogie-woogie"

Autor

Piet Mondrian

Ţară Olanda
Ani de viață 1872–1944
Stil neoplasticism

Mele numele real– Cornelis – artistul s-a schimbat în Mondrian când s-a mutat la Paris în 1912. Împreună cu artistul Theo van Doesburg a fondat mișcarea Neoplasticism. Limbajul de programare Piet poartă numele lui Mondrian.

27x127 cm
1944
preţ
40 de milioane de dolari
vândut în 1998
la licitatie Sotheby's

Cei mai „muzici” dintre artiștii secolului al XX-lea au trăit din naturi moarte cu acuarelă, deși a devenit celebru ca artist neoplazic. S-a mutat în SUA în anii 1940 și și-a petrecut restul vieții acolo. Jazzul și New York-ul sunt cele care l-au inspirat cel mai mult! Tabloul „Victorie. Boogie-Woogie” – cel mai bun exemplu. Pătratele îngrijite au fost realizate folosind bandă adezivă, materialul preferat al lui Mondrian. În America a fost numit „cel mai faimos imigrant”. În anii șaizeci, Yves Saint Laurent a lansat rochii Mondrian de renume mondial, cu imprimeu mare cu carouri colorate.

20

„Compoziția nr. 5”

Autor

VasilyKandinsky

Ţară Rusia
Ani de viață 1866–1944
Stil avangardă

Artistul s-a născut la Moscova, iar tatăl său era din Siberia. După revoluție, a încercat să coopereze cu guvernul sovietic, dar curând și-a dat seama că legile proletariatului nu au fost create pentru el și nu fără dificultăți a emigrat în Germania.

275x190 cm
1911
preţ
40 de milioane de dolari
vândut în 2007
la licitatie Sotheby's

Kandinsky a fost unul dintre primii care au abandonat complet pictura cu obiecte, pentru care a primit titlul de geniu. În timpul nazismului din Germania, picturile sale au fost clasificate drept „artă degenerată” și nu au fost expuse nicăieri. În 1939, Kandinsky a luat cetățenia franceză, iar la Paris a participat liber la procesul artistic. Picturile sale „sună” ca niște fugi, motiv pentru care multe sunt numite „compoziții” (prima a fost scrisă în 1910, ultima în 1939). „Compoziția nr. 5” este una dintre lucrările cheie din acest gen: „Cuvântul „compoziție” mi-a sunat ca o rugăciune”, a spus artista. Spre deosebire de mulți dintre adepții săi, el a plănuit ceea ce va înfățișa pe o pânză uriașă, de parcă ar fi scris note.

21

„Studiul unei femei în albastru”

Autor

Fernand Léger

Ţară Franţa
Ani de viață 1881–1955
Stil cubism-post-impresionism

Léger a primit o educație arhitecturală și apoi a urmat Ecole des Beaux-Arts din Paris. Artistul se considera un adept al lui Cezanne, a fost un apologe al cubismului, iar în secolul al XX-lea a avut succes și ca sculptor.

96,5x129,5 cm
1912–1913
preţ
39,2 milioane de dolari
vândut în 2008
la licitatie Sotheby's

David Norman, președintele departamentului internațional de impresionism și modernism de la Sotheby's, consideră că suma uriașă plătită pentru „Doamna în albastru” este complet justificată. Tabloul aparține celebrei colecții Léger (artista a pictat trei tablouri pe același subiect, ultimul dintre ele se află astăzi în mâini private. - Ed.), iar suprafața pânzei s-a păstrat în forma sa originală. Autorul însuși a dat această lucrare galeriei Der Sturm, apoi a ajuns în colecția lui Hermann Lang, un colecționar german de modernism, iar acum aparține unui cumpărător necunoscut.

22

„Scena de stradă. Berlin"

Autor

Ernst LudwigKirchner

Ţară Germania
Ani de viață 1880–1938
Stil expresionism

Pentru expresionismul german, Kirchner a devenit o persoană iconică. Cu toate acestea, autoritățile locale l-au acuzat că aderă la „arta degenerată”, care a afectat tragic soarta picturilor sale și viața artistului, care s-a sinucis în 1938.

95x121 cm
1913
preţ
38,096 milioane USD
vândut în 2006
la licitatie Christie's

După ce s-a mutat la Berlin, Kirchner a creat 11 schițe de scene de stradă. A fost inspirat de agitația și nervozitatea orașului mare. În tabloul, vândut în 2006 la New York, starea de anxietate a artistului este resimțită în mod deosebit acut: oamenii de pe o stradă din Berlin seamănă cu păsările - grațioși și periculoși. A fost ultima lucrare din celebra serie vândută la licitație, restul sunt păstrate în muzee. În 1937, naziștii l-au tratat dur pe Kirchner: 639 dintre lucrările sale au fost scoase din galeriile germane, distruse sau vândute în străinătate. Artistul nu a putut supraviețui acestui lucru.

23

"Vacanzant"dansator"

Autor

Edgar Degas

Ţară Franţa
Ani de viață 1834–1917
Stil impresionism

Istoria lui Degas ca artist a început cu munca sa de copist la Luvru. A visat să devină „famos și necunoscut”, iar în cele din urmă a reușit. La sfârșitul vieții, surd și orb, Degas, în vârstă de 80 de ani, a continuat să participe la expoziții și licitații.

64x59 cm
1879
preţ
37,043 milioane USD
vândut în 2008
la licitatie Sotheby's

„Balerinii au fost întotdeauna pentru mine doar o scuză pentru a descrie țesăturile și a capta mișcarea”, a spus Degas. Scene din viața dansatorilor par să fi fost spionate: fetele nu pozează pentru artist, ci pur și simplu devin parte din atmosfera surprinsă de privirea lui Degas. „The Resting Dancer” a fost vândut cu 28 de milioane de dolari în 1999, iar mai puțin de 10 ani mai târziu a fost cumpărat cu 37 de milioane de dolari - astăzi este cel mai munca scumpa artist scos vreodată la licitație. Degas a acordat o mare atenție ramelor, le-a proiectat el însuși și a interzis schimbarea acestora. Mă întreb ce cadru este instalat pe tabloul vândut?

24

"Pictură"

Autor

Joan Miro

Ţară Spania
Ani de viață 1893–1983
Stil artă abstractă

În timpul războiului civil spaniol, artistul a fost de partea republicană. În 1937, a fugit din regimul fascist la Paris, unde a trăit în sărăcie împreună cu familia. În această perioadă, Miro a pictat tabloul „Ajută Spania!”, atrăgând atenția lumii întregi asupra dominației fascismului.

89x115 cm
1927
preţ
36,824 milioane USD
vândut în 2012
la licitatie Sotheby's

Al doilea titlu al tabloului este „Steaua albastră”. Artistul l-a pictat în același an când a anunțat: „Vreau să ucid pictura” și a batjocorit fără milă pânzele, zgâriind vopseaua cu cuie, lipind pene de pânză, acoperind lucrările cu gunoi. Scopul său a fost să dezminți miturile despre misterul picturii, dar s-a descurcat cu aceasta, Miro și-a creat propriul mit - abstracția suprarealistă. „Pictura” sa aparține ciclului „picturi de vis”. La licitație, patru cumpărători s-au luptat pentru ea, dar un apel telefonic incognito a rezolvat disputa, iar „Pictura” a devenit cea mai scumpă pictură a artistului.

25

"Trandafir albastru"

Autor

Yves Klein

Ţară Franţa
Ani de viață 1928–1962
Stil pictura monocromă

Artistul s-a născut într-o familie de pictori, dar a studiat limbile orientale, navigația, meșteșugul de aurire a ramelor, budismul zen și multe altele. Personalitatea și bufnițele sale obraznice au fost de multe ori mai interesante decât picturile monocrome.

153x199x16 cm
1960
preţ
36,779 milioane USD
vândut în 2012
la licitația Christie's

Prima expoziție de lucrări monocromatice galbene, portocalii și roz nu a trezit interesul publicului. Klein a fost jignit și data viitoare a prezentat 11 pânze identice, pictate cu ultramarin amestecat cu o rășină sintetică specială. El chiar a brevetat această metodă. Culoarea a intrat în istorie ca „albastru Klein internațional”. Artistul a vândut și gol, a creat picturi expunând hârtie la ploaie, dând foc cartonului, făcând amprente ale corpului unei persoane pe pânză. Într-un cuvânt, am experimentat cât am putut de bine. Pentru a crea „Blue Rose” am folosit pigmenți uscați, rășini, pietricele și un burete natural.

26

„În căutarea lui Moise”

Autor

Sir Lawrence Alma-Tadema

Ţară Regatul Unit
Ani de viață 1836–1912
Stil neoclasicismul

Sir Lawrence însuși a adăugat prefixul „alma” la numele său de familie, astfel încât să poată fi listat primul în cataloagele de artă. În Anglia victoriană, picturile sale erau atât de solicitate încât artistul a primit titlul de cavaler.

213,4x136,7 cm
1902
preţ
35,922 milioane USD
vândut în 2011
la licitatie Sotheby's

Tema principală a operei lui Alma-Tadema a fost antichitatea. În picturile sale a încercat să înfățișeze epoca Imperiului Roman în cel mai mic detaliu, pentru aceasta a efectuat chiar săpături arheologice pe Peninsula Apeninilor, iar în casa sa din Londra a reprodus interiorul istoric al acelor ani. Subiectele mitologice au devenit o altă sursă de inspirație pentru el. Artistul a fost la mare căutare în timpul vieții, dar după moartea sa a fost repede uitat. Acum interesul este reînviat, așa cum demonstrează costul picturii „În căutarea lui Moise”, care este de șapte ori mai mare decât estimarea înainte de vânzare.

27

„Portretul unui funcționar gol adormit”

Autor

Lucian Freud

Ţară Germania,
Regatul Unit
Ani de viață 1922–2011
Stil pictura figurativă

Artistul este nepotul lui Sigmund Freud, tatăl psihanalizei. După instaurarea fascismului în Germania, familia sa a emigrat în Marea Britanie. Lucrările lui Freud se află la Wallace Collection Museum din Londra, unde niciun artist contemporan nu a mai expus.

219,1x151,4 cm
1995
preţ
33,6 milioane de dolari
vândut în 2008
la licitatie Christie's

În timp ce artiștii la modă ai secolului al XX-lea au creat „pete de culoare” pozitive pe perete și le-au vândut cu milioane de euro, Freud a pictat picturi extrem de naturaliste și le-a vândut pentru și mai mult. „Prin strigătele sufletului și suferința cărnii care se estompează”, a spus el. Criticii cred că toate acestea sunt „moștenirea” lui Sigmund Freud. Picturile au fost atât de activ expuse și vândute cu succes, încât experții au început să se îndoiască: au proprietăți hipnotice? Portretul unui oficial nud adormit, vândut la licitație, potrivit Soarelui, a fost achiziționat de un cunoscător al frumuseții și miliardarul Roman Abramovici.

28

"Vioara si chitara"

Autor

Xunul Gris

Ţară Spania
Ani de viață 1887–1927
Stil cubism

Născut la Madrid, unde a absolvit Școala de Arte și Meserii. În 1906 s-a mutat la Paris și a intrat în cercul celor mai influenți artiști ai epocii: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Léger și, de asemenea, a lucrat cu Serghei Diaghilev și trupa sa.

5x100 cm
1913
preţ
28,642 milioane USD
vândut în 2010
la licitatie Christie's

Gris, în propriile sale cuvinte, era angajat în „arhitectura plană, colorată”. Picturile sale sunt gândite cu precizie: nu a lăsat o singură lovitură aleatorie, ceea ce face creativitatea asemănătoare cu geometria. Artistul și-a creat propria versiune a cubismului, deși l-a respectat foarte mult pe Pablo Picasso, părintele fondator al mișcării. Succesorul i-a dedicat chiar prima lucrare în stil cubist, „Omagiu lui Picasso”. Pictura „Vioara si chitara” este recunoscuta ca fiind remarcabila in opera artistului. În timpul vieții sale, Gris a fost faimos și favorizat de critici și critici de artă. Lucrările sale sunt expuse în cele mai mari muzee din lume și sunt păstrate în colecții private.

29

"PortretCâmpurile lui Eluard"

Autor

Salvador Dali

Ţară Spania
Ani de viață 1904–1989
Stil suprarealism

„Suprarealismul sunt eu”, a spus Dali când a fost exclus din grupul suprarealist. De-a lungul timpului, a devenit cel mai faimos artist suprarealist. Lucrările lui Dali sunt peste tot, nu doar în galerii. De exemplu, el a venit cu ambalajul pentru Chupa Chups.

25x33 cm
1929
preţ
20,6 milioane de dolari
vândut în 2011
la licitatie Sotheby's

În 1929, poetul Paul Eluard și soția sa rusă Gala au venit să-l viziteze pe marele provocator și încăierare Dali. Întâlnirea a fost începutul unei povești de dragoste care a durat mai bine de jumătate de secol. Pictura „Portretul lui Paul Eluard” a fost pictată în timpul acestei vizite istorice. „Am simțit că mi s-a încredințat responsabilitatea de a surprinde chipul poetului, din al cărui Olimp am furat una dintre muze”, a spus artista. Înainte de a o întâlni pe Gala, era virgin și era dezgustat la gândul de a face sex cu o femeie. Triunghiul amoros a existat până la moartea lui Eluard, după care a devenit duetul Dali-Gala.

30

"Aniversare"

Autor

Marc Chagall

Ţară Rusia, Franța
Ani de viață 1887–1985
Stil avangardă

Moishe Segal s-a născut la Vitebsk, dar în 1910 a emigrat la Paris, și-a schimbat numele și a devenit aproape de artiștii de avangardă ai epocii. În anii 1930, în timpul preluării puterii de către naziști, a plecat în Statele Unite cu ajutorul consulului american. S-a întors în Franța abia în 1948.

80x103 cm
1923
preţ
14,85 milioane de dolari
vândut în 1990
la licitația Sotheby's

Tabloul „Aniversare” este recunoscut ca unul dintre cele mai bune lucrări artist. Conține toate trăsăturile operei sale: legile fizice ale lumii sunt șterse, sentimentul unui basm este păstrat în decorul vieții burgheze, iar dragostea este în centrul intrigii. Chagall nu a atras oamenii din viață, ci doar din memorie sau din imaginație. Tabloul „Aniversare” îi înfățișează pe artist însuși și pe soția sa Bela. Tabloul a fost vândut în 1990 și nu a mai fost scos la licitație de atunci. Interesant este că Muzeul de Artă Modernă din New York MoMA găzduiește exact același, doar sub numele „Birthday”. Apropo, a fost scris mai devreme - în 1915.

a pregătit proiectul
Tatiana Palasova
ratingul a fost întocmit
conform listei www.art-spb.ru
revista tmn nr 13 (mai-iunie 2013)

Arta l-a însoțit pe om de-a lungul întregii sale istorii, începând din momentul în care a fost inventată prima pensulă primitivă. Fie că este vorba de picturile rupestre Bhimbetka sau de Mona Lisa din Paris, arta și-a găsit drumul peste tot. Nu contează cine sau cum a fost creată arta antichității sau arta contemporana- fiecare mic episod din viața cuiva persoană creativă are dreptul de a fi consemnat în istorie. Dar printre oameni va fi cu siguranță un loc pentru cei care nu numai că merită acest loc, ci sunt pur și simplu obligați să-l ia. Nu pentru că lucrările pe care le-a creat erau incredibil de complexe, ci pentru că îi făceau pe oameni să simtă emoții reale. Întâlnește 15 cei mai mari artiști care au trăit vreodată.

1. Pablo Picasso (1881-1973)

Oricine a manifestat cel puțin un anumit interes pentru artă în copilărie a auzit probabil numele Picasso. Artistul spaniol a condus viata creativa, devenind ulterior unul dintre cei mai influenți și celebri artiști ai secolului XX. Nu numai că a pictat tablouri, ci a fost și sculptor, poet și dramaturg. Și toate acestea se adaugă la numărul imens al celorlalte activități ale sale. Una dintre cele mai bune lucrări ale sale poate fi considerată „Guernica” (1937), creată ca răspuns la bombardarea orașului basc Guernica de către trupele naziste.

A fost unul dintre multele bombardamente care au durat mai bine de două ore și au adus mii de vieți nevinovate. Astăzi pictura este o reamintire a acestei tragedii și a consecințelor războiului pentru oameni, în special pentru cetățenii de rând. După ce Picasso a terminat Guernica, pictura a făcut un scurt tur, devenind un simbol popular anti-război și câștigând faimă în rândul criticilor și al oamenilor obișnuiți deopotrivă.

2. Vincent van Gogh (1853-1890)

Vincent van Gogh a fost un post-impresionist olandez care este încă considerat unul dintre cei mai faimoși și influenți artiști din arta occidentală. A realizat aproximativ 2.000 de lucrări într-o perioadă de timp de puțin peste 10 ani. Dintre acestea, aproximativ 800 au fost scrise în ultimii ani ai vieții sale. S-a sinucis la vârsta de 37 de ani din cauza unei boli mintale severe și a sărăciei.

„Noaptea înstelată” (1889) este una dintre cele mai faimoase lucrări ale sale, scrisă în timp ce se afla într-un spital de psihiatrie din Franța. Reprezintă o vedere de la o fereastră a unui sat fictiv, peste care răsare un soare galben strălucitor. Aceasta este una dintre cele mai recunoscute picturi nu numai în lumea artei, ci și în întreaga lume.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci a fost un artist, sculptor, matematician și inventator italian și a fost, de asemenea, angajat în cercetări în arhitectură, știință, muzică, inginerie, astronomie, geologie și multe alte domenii. Acesta este motivul pentru care a primit numele de „Omul Renașterii”, deoarece avea cunoștințe în aproape toate domeniile disponibile la acea vreme. Probabil cea mai faimoasă pictură a sa poate fi numită „Mona Lisa” (1503-1506), care este considerată cea mai vizitată, recunoscută și parodiată pictură din istoria sa.

Motivul popularității ei este misterul evaziv, zâmbetul misterios al fetei descrise în portret. Mulți istorici, când au văzut prima dată această pictură, l-au descris ca pe ceva pe care nicio fotografie nu l-ar putea surprinde. Se crede că portretul o înfățișează pe Lisa del Giocondo, soția lui Francesco del Giocondo. Titlul italian al Mona Lisei este „La Gioconda”, care înseamnă „jocund” (fericit sau viu, care poate fi considerat un joc de cuvinte cu numele de familie al familiei, Giocondo. Titlul francez al tabloului, „La Joconde”, are același sens).

4. Rembrandt van Rijn (1606-1669)

Rembrandt van Rijn, mai cunoscut sub numele de Rembrandt, a fost un artist baroc olandez. A fost un maestru al meșteșugului său în trei domenii - desen, pictură și gravură. Datorită versatilității sale, este considerat pe drept cel mai mare artist vizual din istoria artei. Versatilitatea sa i-a permis să picteze totul, de la peisaje și portrete până la evenimente istorice și scene biblice.

Una dintre cele mai populare lucrări ale sale, „The Night Watch” (1642), se află acum în Muzeul de Stat din Amsterdam. Pictura se remarcă prin trei calități: dimensiunea sa (aproximativ 360 de centimetri lățime și 430 de centimetri înălțime), jocul de mișcare într-un portret tradițional încă militar și utilizarea luminii și a umbrei, în care Rembrandt era excepțional de experimentat și priceput.

5. Johannes Vermeer (1632-1675)

Johannes Vermeer a fost un alt artist olandez specializat în înfățișarea interioarelor caselor sărace și a vieților clasei de mijloc. Deși nu a fost recunoscut în timpul vieții sale, lucrările sale au fost redescoperite în 1860.

Apoi, unele dintre picturile sale au fost atribuite în mod eronat altor artiști, dar în curând adevăratul autor a fost stabilit datorită muncii minuțioase a criticilor și istoricilor de artă. Până în prezent, sunt cunoscute 34 de lucrări ale lui Vermeer. Cea mai faimoasă dintre picturile sale este „Fata cu cercel de perle” (1665). Portretul este remarcabil pentru aspectul viu, respirabil al unei fete europene îmbrăcată în haine exotice, precum și un cercel lustruit neobișnuit de mare, despre care se crede că este o perlă.

6. Michelangelo (1475-1564)

Un rival al lui Leonardo da Vinci, Michelangelo a fost considerat și un om renascentist pentru abilitățile sale în sculptură, pictură și poezie. Influența și contribuția sa la dezvoltarea artei occidentale sunt de neegalat până astăzi. Cea mai faimoasă creație a sa este considerată Statuia lui David (1501-1504), o sculptură de marmură de 17 metri a eroului biblic cu același nume, favoritul artiștilor florentini ai vremii.

Statuia a ajuns în cele din urmă să simbolizeze libertățile civile care erau amenințate în Republica Florența, un oraș care rivaliza cu toate orașele puternice ale vremii și se opunea hegemoniei lor politice.

7. Edvard Munch (1863-1944)

Edvard Munch a fost un pictor și gravor expresionist norvegian. Este cunoscut pentru temele și tonurile sale psihologice, care sunt puternic influențate de simbolismul secolului al XIX-lea. Opera sa a influențat foarte mult expresionismul german de la începutul secolului al XX-lea.

Cea mai faimoasă și recunoscută pictură a sa este „The Scream” (1893-1910), care are patru versiuni separate în două. opțiuni diferite: realizat in ulei si pastel. Pictura se remarcă prin culorile sale dureroase și dure, dar în același timp alese cu gust și emoția înghețată descrisă pe o față extrem de simplistă pe un fundal portocaliu strălucitor.

8. Salvador Dali (1904-1989)

Una dintre cele mai multe artiști celebri Mișcare suprarealistă, Dali este cel mai bine cunoscut pentru estetica sa absurd de capricios, trecând de la pictură la pictură. Arta sa era o extensie a lui însuși, dar având în vedere expresivitatea sa spaniolă și dragostea pentru atenție, nu era mai puțin renumit pentru comportamentul său excentric. Cele mai multe ale lui lucrare celebră„Persistența memoriei” (1931).

O interpretare a imaginii este modul în care timpul începe să se topească de îndată ce o persoană adoarme. Când a fost întrebat ce anume l-a inspirat pe Salvador Dali să picteze acest tablou, el a răspuns că forma ceasului de topire a fost inspirată de brânza Camembert care se topește la soare.

9. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet, adesea menționat ca unul dintre fondatorii impresionismului, a fost un artist francez și unul dintre cei mai străluciți și talentați pionieri ai mișcării impresioniste franceze. De fapt, termenul „impresionism” în sine a fost inventat după ce a creat un tablou numit „Impresie, Soleil Levant” („Impresiune, răsărit”).

Cea mai faimoasă lucrare a sa este Nuferi (1840-1926), o serie de 250 de picturi care înfățișează grădina de la casa artistului francez din Giverny, Franța. Această serie a fost punctul central al lucrării artistului în ultimii 30 de ani ai vieții sale.

10. Jackson Pollock (1912-1956)

Jackson Pollock a fost un artist american și lider al impresionismului abstract. A devenit celebru pentru tehnicile sale neobișnuite de pictură prin picurare, în care vopsea este turnată sau picurată pe pânză. Pollock era renumit pentru dependența sa de alcool, care a dus la accidentul de mașină care i-a luat viața în 1956.

Una dintre cele mai multe ale lui tablouri celebre- „No 5, 1948” (1948) este unul dintre cele mai scumpe tablouri din lume. Artistul a dat dovadă de control și disciplină imensă într-o imagine plină de haos. Tabloul a căpătat numele „Cuibul de pasăre”, datorită culorilor gri, maro, galben și alb împletite între ele.

11. Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir a fost unul dintre liderii mișcării impresioniste. artist francez binecunoscut pentru reprezentările sale despre senzualitatea feminină și adorarea frumuseții. Una dintre cele mai faimoase lucrări ale sale este „Balul la Moulin de la Galette” (1876), care în stil impresionist tipic surprinde esența petrecerii în aer liber din serile pariziene de duminică, în care locuitorii orașului puteau bea, dansa, discuta și fi vesel.

12. Gustav Klimt (1862-1918)

Gustav Klimt a fost un artist simbolist austriac, cunoscut mai ales pentru lucrările sale de erotism explicit, picturi variate, schițe și naturi moarte. Pe lângă înfățișarea corpului feminin, Klimt a pictat și peisaje și scene, parțial influențate de arta japoneză. Una dintre cele mai faimoase lucrări ale sale este Sărutul (1907-1908), una dintre pietrele prețioase ale perioadei sale de aur. Această perioadă a lucrării sale a fost definită de utilizarea spectaculoasă a tonurilor de aur în lucrarea sa, adesea folosind foile de aur adevărate.

13. Frida Kahlo (1907-1954)

Una dintre cele mai puternice artiste ale timpului ei și rămâne așa până în zilele noastre, Frida Kahlo a fost o suprarealistă mexicană, cunoscută mai ales pentru autoportretele ei despre singurătate și detașare. Lucrările ei sunt considerate emblematice ale tradițiilor mexicane și sunt îndrăgite de feministe pentru portretele lor vii și autentice ale lumii interioare a femeilor.

Una dintre cele mai faimoase lucrări ale ei este „Autoportret cu un colier de spini și o pasăre colibri” (1940). Ele sunt cele mai notabile ca exemple ale utilizării ei libere a simbolismului. Colierul cu țepi și pasărea colibri agățată fără viață ar fi putut simboliza agonia ei interioară.

14. René Magritte (1898-1967)

René Magritte a fost un artist suprarealist belgian, cel mai bine cunoscut pentru utilizarea obiectelor de zi cu zi pentru a transmite percepția sa ornamentată asupra lumii de zi cu zi. El a fost cunoscut și pentru crearea unor lucrări care l-au pus pe spectator pe gânduri, încurajându-l să se desprindă de noțiunile preconcepute despre realitate.

Una dintre lucrările sale celebre care aderă la acest principiu este „Trădarea imaginilor” (928-1929), care este o pipă de fumare cu inscripția „Ceci n” est pas une pipe” (Aceasta nu este o pipă). într-adevăr nu este o pipă pur și simplu pentru că aceasta este doar imaginea ei. Această tehnică și stil de a schimba ceea ce știm ca realitate a fost comun tuturor lucrărilor și ideilor sale.

15. Andy Warhol (1928-1987)

Andy Warhol a fost un artist vizual american care este cel mai bine cunoscut pentru stilul său numit „art pop”. Munca sa a explorat relațiile dintre industria filmului glamour, publicitate, cultura populară și expresia artistică.

Cea mai cunoscută lucrare a sa este Campbell's Soup (1962), care constă din 32 de fragmente, fiecare având 51 de centimetri înălțime și 41 de centimetri lățime. Fiecare dintre elemente poate fi considerat o imagine separată. Piesele personalizate au fost produse folosind serigrafie semi-automatizată, ceea ce a ajutat foarte mult la dezvoltarea artei pop și la convergența culturii populare cu arta vizuală așa cum o cunoaștem astăzi.

Există mulți oameni talentați printre artiștii ruși. Munca lor este foarte apreciată în întreaga lume și este un concurent demn pentru astfel de maeștri mondiali precum Rubens, Michelangelo, Van Gogh și Picasso. În acest articol am adunat 10 dintre cei mai cunoscuți artiști ruși.

1. Ivan Aivazovski

Ivan Aivazovsky este unul dintre cei mai cunoscuți artiști ruși. S-a născut în Feodosia. Din copilărie, Aivazovsky și-a arătat incredibilul creativitate: Îi plăcea să deseneze și s-a învățat singur să cânte la vioară.

La vârsta de 12 ani, tânărul talent a început să studieze la Simferopol la Academia de Pictură. Aici a învățat să copieze gravuri și să picteze tablouri din viață. Un an mai târziu, a reușit să intre la Academia Imperială din Sankt Petersburg, deși încă nu împlinise vârsta de 14 ani.

Multă vreme, artistul a călătorit prin Europa și a locuit în Italia, unde picturile sale au fost și ele recunoscute. Așa că tânărul artist din Feodosia a devenit un om destul de celebru și bogat.

Mai târziu, Aivazovsky s-a întors în patria sa, unde a primit uniforma Ministerului Naval și titlul de academician. Artistul a vizitat și Egiptul și a fost prezent la deschiderea noului Canal de Suez. Artistul și-a descris toate impresiile în picturi. Până atunci, își dezvoltase deja propriul stil unic și capacitatea de a scrie din memorie. Aivazovsky a schițat rapid elemente complexe într-un caiet pentru a le transfera ulterior pe pânză. Picturile sale „Odessa”, „Al nouălea val” și „Marea Neagră” i-au adus faima mondială.

Artistul și-a petrecut ultimii ani ai vieții în Feodosia, unde și-a construit o casă în stil italian. Puțin mai târziu, Aivazovsky i-a adăugat o mică galerie, astfel încât toată lumea să se poată bucura de ea tablouri uimitoareși se îneacă într-un ocean de culori. Astăzi, acest conac mai servește drept muzeu și mulți vizitatori vin aici în fiecare zi pentru a vedea cu ochii lor priceperea pictorului marin, care a trăit o viață lungă și fericită.

2. Viktor Vasnețov

Lista celor mai cunoscuți artiști ruși continuă cu Viktor Vasnetsov. S-a născut în primăvara anului 1848 în familia unui preot din micul sat Lopyal. Pofta lui de pictură s-a trezit într-o foarte mare măsură vârstă fragedă, dar părinții lui nu i-au putut oferi o educație adecvată din lipsă de bani. Prin urmare, la vârsta de 10 ani, Victor a început să studieze la un seminar teologic liber.

În 1866, practic fără bani, a plecat la Sankt Petersburg. Vasnețov a trecut cu ușurință examenul de admitere și a intrat la Academia de Arte. Aici a început prietenia sa cu celebrul artist Repin, cu care a plecat ulterior la Paris. După întoarcerea la Sankt Petersburg, Vasnețov începe să scrie cel mai mult tablouri celebre: „Trei eroi”, „Crăiasa zăpezii” și „Zeul oștirilor”.

Artistul și-a putut dezvălui pe deplin talentul abia după ce s-a mutat la Moscova. Aici se simte confortabil și confortabil, iar fiecare imagine ulterioară se dovedește mai bună decât cea anterioară. Vasnetsov a pictat la Moscova picturi precum „Alyonushka”, „Ivan Tsarevich și lup cenușiu„ și „Nestor Cronicarul”.

3. Karl Bryullov

Acest celebru artist rus s-a născut în 1799. Tatăl lui Karl a fost un pictor celebru și profesor la Academia de Arte din Sankt Petersburg. Prin urmare, soarta băiatului a fost predeterminată în avans. Din fericire, Karl Bryullov a reușit să moștenească talentul unui artist de la tatăl său.

Studiul a fost foarte ușor pentru tânărul artist. A fost de multe ori superior celorlalți studenți din clasa sa și a absolvit Academia de Arte cu onoruri. După aceasta, Karl a plecat să călătorească prin Europa, oprindu-se mult timp doar în Italia. Aici și-a creat capodopera, „Ultima zi a Pompeii”, petrecând aproximativ șase ani scriind-o.

La întoarcerea sa la Sankt Petersburg, faima și gloria l-au așteptat pe Karl Bryullov. Au fost bucuroși să-l vadă peste tot și cu siguranță i-au admirat noile tablouri. În această perioadă, artistul a creat câteva dintre pânzele sale nemuritoare: „Călărețul”, „Asediul Pskovului”, „Narcis” și altele.

4. Ivan Şişkin

Ivan Șișkin este unul dintre cei mai renumiți artiști de peisaj ruși, care în picturile sale ar putea prezenta orice peisaj discret în lumina cea mai favorabilă. Se pare că natura însăși se joacă pe pânzele acestui artist cu culori vii.

Ivan Shishkin s-a născut în 1832 în Elabuga, care astăzi aparține Tatarstanului. Tatăl dorea ca fiul său să preia în cele din urmă postul de funcționar al orașului, dar Ivan a gravit spre desen. La 20 de ani, a plecat la Moscova pentru a studia pictura. După finalizare cu succesŞcoala de Arte din Moscova, Shishkin a intrat la Academia Imperială din Sankt Petersburg.

Mai târziu a călătorit mult timp în toată Europa, schițând peisaje uimitoare. În acest moment, a creat tabloul „Vedere în vecinătatea Düsseldorf”, care i-a adus o mare faimă. După întoarcerea în Rusia, Shishkin continuă să creeze cu energie reînnoită. Potrivit lui, natura rusă este de câteva sute de ori superioară peisajelor europene.

Ivan Sișkin a pictat multe picturi uimitoare în timpul vieții sale: „Dimineața într-o pădure de pini”, „Prima zăpadă”, „ pădure de pini„și altele. Chiar și moartea l-a depășit pe acest pictor chiar în spatele șevaletului său.

5. Isaac Levitan

Acest mare maestru rus al peisajelor s-a născut în Lituania, dar și-a trăit întreaga viață în Rusia. Repetat origine evreiască i-a provocat multe umilințe, dar nu l-a forțat niciodată să părăsească această țară, pe care a idolatrizat și a lăudat-o în picturile sale.

Primele peisaje ale lui Levitan au primit deja note mari de la Perov și Savrasov, iar Tretiakov însuși și-a cumpărat chiar pictura „Ziua de toamnă în Sokolniki”. Dar în 1879, Isaac Levitan, împreună cu toți evreii, a fost expulzat din Moscova. Doar prin eforturile enorme ale prietenilor și profesorilor reușește să se întoarcă în oraș.

În anii 1880, artistul a pictat multe tablouri uimitoare care l-au făcut foarte faimos. Acestea au fost „Pini”, „Toamna” și „Prima zăpadă”. Dar umilințe ulterioare l-au forțat pe autor să părăsească din nou Moscova și să plece în Crimeea. Pe peninsulă, artistul pictează o serie de lucrări uimitoare și își îmbunătățește semnificativ starea financiară. Acest lucru îi permite să călătorească prin Europa și să se familiarizeze cu opera maeștrilor lumii. Punctul culminant al creativității lui Levitan a fost pictura sa „Above Eternal Peace”.

6. Vasili Tropinin

Marele portretist rus Vasily Tropinin a avut o soartă uimitoare. S-a născut în familia de iobagi, contele Markov, în 1780 și abia la vârsta de 47 de ani a primit dreptul de a fi un om liber. Încă din copilărie, micuțul Vasily a arătat o înclinație pentru desen, dar contele l-a trimis să studieze pentru a deveni patiser. Mai târziu, este totuși trimis la Academia Imperială, unde își arată talentul în toată frumusețea lui. Pentru portretele sale „Dântelarul” și „Bătrânul cerșetor” Vasily Tropinin a primit titlul de academician.

7. Petrov-Vodkin Kuzma

Celebrul artist rus Petrov-Vodkin a reușit să lase în urmă o bogată moștenire în pictura mondială. S-a născut în 1878 la Hvalynsk, iar în tinerețe urma să devină feroviar. Cu toate acestea, soarta l-a făcut un pictor de renume mondial.

8. Alexei Savrasov

Tablourile acestui artist rus se vindeau deja bine când abia avea 12 ani. Puțin mai târziu, a intrat la Școala de Pictură din Moscova și a devenit instantaneu unul dintre cei mai buni studenți. O călătorie în Ucraina l-a ajutat pe Savrasov să absolve facultatea înainte de termen și să primească titlul de artist.

Picturile „Piatra în pădure” și „Kremlinul din Moscova” l-au făcut pe acest pictor un academician la vârsta de 24 de ani! Familia regală este interesată de tânărul talent, iar Tretiakov însuși cumpără multe dintre lucrările sale pentru expoziții internaționale. Printre aceștia s-au numărat „Iarna”, „Curgurile au sosit”, „Rasputitsa” și altele.

Moartea a două fiice și divorțul ulterior îl afectează foarte mult pe Savrasov. Bea mult și în curând moare într-un spital pentru săraci.

9. Andrei Rublev

Andrei Rublev este cel mai cunoscut pictor de icoane rus. S-a născut în secolul al XV-lea și a lăsat în urmă o mare moștenire sub forma icoanelor „Treime”, „Veștire”, „Botezul Domnului”. Andrei Rublev, împreună cu Daniil Cherny, au împodobit multe biserici cu fresce și au pictat și icoane pentru catapeteasmă.

10. Mihail Vrubel

Lista noastră cu cei mai cunoscuți artiști ruși se încheie cu Mikhail Vrubel, care în timpul vieții sale a creat multe capodopere în diverse subiecte. A pictat Templul Kiev, iar mai târziu, la Moscova, a început să creeze faimoasa sa serie de picturi „demonice”. Rătăcirile creative ale acestui artist nu au găsit o înțelegere adecvată în rândul contemporanilor săi. La doar câteva decenii după moartea lui Mihail Vrubel, istoricii de artă i-au dat cuvenția, iar Biserica a fost de acord cu interpretările sale asupra evenimentelor biblice.

Din păcate, viața personală a artistului l-a determinat să dezvolte o formă severă de tulburare mintală. Titlul de academician l-a depășit într-un spital de boli mintale, din care nu a fost sortit niciodată să plece. Cu toate acestea, Mikhail Vrubel a reușit să creeze multe opere de artă uimitoare care sunt demne de admirație autentică. Printre acestea, picturile „Demonul așezat”, „Prițesa lebădă” și „Faust” merită în special evidențiate.