ประวัติบัลเล่ต์ ต้นกำเนิดของบัลเล่ต์ บัลเล่ต์มีต้นกำเนิดในอิตาลีในช่วงยุคเรอเนซองส์ (ศตวรรษที่ 16) โดยเริ่มแรกเป็นรูปแบบการเต้นรำที่รวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยการกระทำหรืออารมณ์เดียว บัลเล่ต์

สไลด์ 1

บัลเล่ต์
มิคาอิลินา อลีนา 10B

สไลด์ 2

บัลเล่ต์เป็นแนวดนตรี
บัลเล่ต์ (จากภาษาอิตาลี "ballo" I dance) เป็นรูปแบบวิชาการเฉพาะของเทคนิคการเต้นรำและดนตรี โดยปกติจะประกอบด้วยการเต้นรำ ละครใบ้ การแสดง และดนตรี (โดยปกติจะเป็นวงดนตรีออเคสตรา แต่บางครั้งก็มีเสียงร้อง) บัลเล่ต์มีพื้นฐานมาจากโครงเรื่อง แนวคิดที่น่าทึ่ง บทเพลง แต่ก็มีบัลเล่ต์ที่ไม่มีการวางแผนด้วย การเต้นรำประเภทหลักในบัลเล่ต์คือการเต้นรำแบบคลาสสิกและการเต้นรำแบบตัวละคร ละครใบ้มีบทบาทสำคัญโดยได้รับความช่วยเหลือจากนักแสดงในการถ่ายทอดความรู้สึกของตัวละคร "การสนทนา" ของพวกเขาระหว่างกันและแก่นแท้ของสิ่งที่เกิดขึ้น บัลเลต์สมัยใหม่ยังใช้องค์ประกอบของยิมนาสติกและกายกรรมอย่างกว้างขวาง

สไลด์ 3

เทคนิคบัลเล่ต์
บัลเลต์เป็นกิจกรรมการเต้นที่มีชื่อเสียงที่สุดเนื่องจากมีลักษณะและเทคนิคเฉพาะตัว เช่น ท่าพอยต์ การหมุนขา การยืดตัวมาก การเคลื่อนไหวที่สง่างาม ราบรื่น แม่นยำ และความโปร่งสบาย

สไลด์ 4

ต้นกำเนิดของบัลเล่ต์
การเต้นรำต้องผ่านประวัติศาสตร์ ประเพณีนาฏศิลป์ได้รับการพัฒนาในจีน อินเดีย อินโดนีเซีย และ กรีกโบราณ- การเต้นรำละครเป็นที่รู้จักในเวทีที่กว้างขึ้นของโรงละครกรีกโบราณ เมื่อจักรวรรดิโรมันพิชิตกรีซ พวกเขานำการเต้นรำและการละครของกรีกมาใช้ด้วยศิลปะและวัฒนธรรมของตนเอง การเต้นรำยังคงมีความสำคัญในยุคกลาง แม้ว่าคริสตจักรจะปราบปรามก็ตาม ศิลปะบัลเล่ต์ไม่ได้เกิดขึ้นจนกระทั่งช่วงปลายทศวรรษที่ 1400

สไลด์ 5

บัลเล่ต์คลาสสิกเกิดที่ไหน?
ประเภทของศาลหลักในศตวรรษที่ 17 คือบัลเล่ต์ ได้รับการพัฒนาในอิตาลีและฝรั่งเศส ทั้งสองประเทศนี้ทำท่าเต้นเยอะมาก โดยเฉพาะฝรั่งเศส นับเป็นครั้งแรกในฝรั่งเศสที่มีการแสดงเต้นรำและนักเต้นยืนครึ่งเท้า กระโดด หมุนตัว และพุ่งอย่างรวดเร็ว บัลเล่ต์ได้รับความนิยมในหมู่ราชสำนัก แม้แต่พระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ก็ยังทรงเต้นรำส่วนหลักของบัลเล่ต์และทรงมีบทบาทสำคัญในการเต้นรำ

สไลด์ 6

ใครเป็นคนแต่งบัลเลต์
ผู้แต่ง-ดนตรี. นักเขียนบท - เนื้อหา นักออกแบบท่าเต้น-ท่าเต้น

สไลด์ 7

ความเชื่อมโยงระหว่างบัลเล่ต์กับศิลปะอื่นๆ
ดนตรีแต่งโดยนักแต่งเพลงและนักเต้นแสดงในส่วนของดนตรี วรรณกรรม - นักเขียนบทเขียนเนื้อหาของการแสดงหรือการแสดงบัลเล่ต์ขึ้นอยู่กับผลงานที่มีชื่อเสียงของนักเขียนเช่น: "Romeo and Juliet" ของเช็คสเปียร์, Hoffmann's "The Nutcracker", "เจ้าหญิงนิทรา" ของ Charles Perrault, "Cinderella" นักออกแบบท่าเต้นสวมหมายเลขเต้นรำ บัลเล่ต์เป็นรูปแบบศิลปะสังเคราะห์

สไลด์ 8

ใครเป็นผู้แสดงบัลเล่ต์?
นักบัลเล่ต์เป็นศิลปินเดี่ยว นักเต้นเป็นศิลปินเดี่ยว คณะบัลเล่ต์ คอนดักเตอร์ วงซิมโฟนีออร์เคสตรา

สไลด์ 9

เงื่อนไขบัลเล่ต์
รูปแบบต่างๆ - การเต้นรำเดี่ยวของฮีโร่ Pas-de-deux เป็นการเต้นรำของฮีโร่สองคน Pas-de-trois – การเต้นรำของฮีโร่ทั้งสาม Corps de ballet เป็นการเต้นรำกลุ่มใหญ่ ลักษณะการเต้นรำ - โดดเด่นด้วยละครใบ้และท่าเต้นที่ผิดปกติ แบทแมน – ยกขาขึ้น 90 องศา แกรนด์แบทแมน - ยกขา 180 องศา Fouette - หมุนขาข้างเดียว Plie หมอบอยู่บนเท้าเปิดออก

สไลด์ 10

ปาสเดอเดอซ์ (ปาสเดอเดอซ์)

สไลด์ 11

รูปแบบต่างๆ

สไลด์ 12

คณะบัลเล่ต์

สไลด์ 13

แบทแมนและแกรนด์แบทแมน

สไลด์ 14

การเต้นรำของตัวละครและละครใบ้

สไลด์ 15

แบทแมน, พลี.

สไลด์ 16

สไลด์ 17

ชุดบัลเล่ต์
ตูเป็นกระโปรงแข็งที่ใช้ในบัลเล่ต์สำหรับนักเต้น Tutu ตัวแรกถูกสร้างขึ้นในปี 1839 สำหรับ Maria Taglioni โดยอิงจากภาพวาดของศิลปิน Eugene Lamy สไตล์และรูปร่างของตูมีการเปลี่ยนแปลงไปตามกาลเวลา ใน ปลาย XIXศตวรรษ Tutu ของ Anna Pavlova นั้นแตกต่างจากสมัยใหม่มากมันยาวและบางกว่า ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 แฟชั่นมาสำหรับกระโปรงตูตูที่ตกแต่งด้วยขนนกและอัญมณี ในสมัยโซเวียต กระโปรงตูสั้นและกว้าง

สไลด์ 18

Tutu – เสื้อผ้าพิเศษสำหรับบัลเล่ต์

สไลด์ 19

สไลด์ 20

รองเท้าปวงต์
คำว่า pointe มาจากภาษาฝรั่งเศส "tip" นักบัลเล่ต์ชาวฝรั่งเศสสามารถโอ้อวดได้ว่าพวกเขารู้วิธียืนด้วยปลายนิ้วและแสดงองค์ประกอบที่ซับซ้อน เพื่ออำนวยความสะดวกในการเต้นรำจึงเริ่มใช้รองเท้าปวงต์ซึ่งยึดขาและอนุญาตให้นักบัลเล่ต์รักษาสมดุล รองเท้าปวงต์สมัยใหม่ทำจากวัสดุซาติน ส่วนใหญ่รองเท้าปวงต์จะถูกสั่งจากผู้เชี่ยวชาญสำหรับนักบัลเล่ต์โดยเฉพาะ นี่เป็นสิ่งจำเป็นเพื่อที่จะได้ยึดเท้าไว้อย่างแน่นหนา ที่ปลายเท้าของรองเท้าบัลเล่ต์ มีวัสดุอัดแน่นวางอยู่ และมีริบบิ้นพันอยู่บริเวณข้อเท้า การเต้นรำบนรองเท้าปวงต์นั้นโดดเด่นด้วยความสง่างามและความสามารถพิเศษในการแสดง

สไลด์ 21

รองเท้า Pointe เป็นรองเท้าพิเศษสำหรับนักบัลเล่ต์ที่ให้คุณยืนบนนิ้วเท้าได้

สไลด์ 22

ผ่านหนามสู่ดวงดาว
บัลเล่ต์มีความสวยงามและ ดูซับซ้อนศิลปะซึ่งต้องอาศัยความยิ่งใหญ่และการทำงานอย่างหนักจากศิลปิน ผู้คนเริ่มเรียนบัลเล่ต์ตั้งแต่วัยเด็ก การซ้อมและยืดกล้ามเนื้อทุกวันใช้เวลานานมาก ผู้ที่ประณามตนเองสำหรับงานดังกล่าวอุทิศทั้งชีวิตให้กับเรื่องนี้

สไลด์ 23

ดาราชื่อดังระดับโลก แอนนา ปาฟโลวา

สไลด์ 24

คำอธิบายการนำเสนอเป็นรายสไลด์:

1 สไลด์

คำอธิบายสไลด์:

2 สไลด์

คำอธิบายสไลด์:

นักบัลเล่ต์... Combien de ce mot... นักบัลเล่ต์ถือเป็นสัญลักษณ์ของความเป็นผู้หญิงและความงามที่แท้จริงมาโดยตลอด ความสง่างามของการเคลื่อนไหวของเธอ รูปร่างที่ซับซ้อนของเธอ และท่วงท่าที่สง่างามของเธอนั้นเป็นที่ชื่นชมในหมู่ผู้ชายและความอิจฉาในหมู่ผู้หญิงมาโดยตลอด อย่างไรก็ตาม เพื่อให้ได้ฟอร์มที่สมบูรณ์แบบ นักบัลเล่ต์ยุคใหม่ต้องทำงานหนักเพื่อตัวเอง เด็กหญิงตัวเล็ก ๆ กำลังเริ่มเรียนบัลเล่ต์ เรียนหนักและควบคุมอาหาร เตรียมตัวอย่างกลั้นหายใจเพื่อก้าวไปสู่ชั้นเรียนรุ่นพี่ ท้ายที่สุดไม่ใช่ทุกคนจะสามารถผ่านการทดสอบที่ยากลำบากได้ ปัญหาเหล่านี้ค่อนข้างเกี่ยวข้องกับเทคนิคและทักษะที่ไม่สมบูรณ์ของนักบัลเล่ต์รุ่นเยาว์ตลอดจนการเปลี่ยนแปลงรูปร่างของพวกเขา นางระบำ...มากคำนี้...

3 สไลด์

คำอธิบายสไลด์:

มันบังเอิญว่าการเปลี่ยนผ่านสู่โรงเรียนมัธยมปลายเกิดขึ้นพร้อมกับช่วงเปลี่ยนผ่านของเด็กผู้หญิง ซึ่งย่อมมาพร้อมกับการเปลี่ยนแปลงโดยธรรมชาติ รูปร่าง- ดังนั้นเด็กผู้หญิงทุกคนที่อ้างว่าเป็นนักบัลเล่ต์จึงพยายามลดน้ำหนักให้ได้มากที่สุด น้ำหนักเกินในทุกวิถีทางที่เป็นไปได้ และบางครั้งสิ่งนี้ก็ไม่ได้นำไปสู่สิ่งที่ดี แน่นอนว่าที่โรงเรียนบัลเลต์ มื้ออาหารของนักเรียนได้รับการคิดมาอย่างดีและสมดุล รวมถึงอาหารที่ไม่เพียงแต่ช่วยให้รูปร่างแข็งแรงเท่านั้น แต่ยังช่วยให้แข็งแรงอีกด้วย เพราะสิ่งนี้สำคัญมากต่อร่างกายของเด็กที่กำลังพัฒนาและต้องรับภาระหนักมาก แต่ถึงแม้ในกรณีนี้นักบัลเล่ต์ตัวน้อยก็พยายามกินน้อยลงเพื่อไม่ให้มีการชั่งน้ำหนักกรัมพิเศษในระหว่างการควบคุม เด็กผู้หญิงที่เข้าโรงเรียนบัลเล่ต์ชั้นประถมศึกษาปีที่ 5 จะต้องมีน้ำหนักไม่เกินห้าสิบกิโลกรัม ท้ายที่สุดแล้ว ในขั้นตอนของการฝึกฝนนี้ นักบัลเล่ต์ได้ฝึกฝนทักษะในการเต้นรำคู่ และนักเต้นรุ่นเยาว์พบว่าเป็นการยากที่จะยกนักบัลเล่ต์ที่มีน้ำหนักมาก อย่างไรก็ตามแม้จะมีความยากลำบากทั้งหมดที่นักเต้นรุ่นเยาว์ต้องเผชิญ แต่ก็ยังไม่มีใครรู้ว่าพวกเขาจะโดดเด่นบนเวทีละครหรือว่าพวกเขาจะได้รับมอบหมายบทบาทในคณะบัลเล่ต์หรือไม่ นอกจากนี้สาวๆ จะต้องสอบผ่านภาคทฤษฎีด้วย เพราะความรู้เรื่องทฤษฎีการเต้นรำมีความสำคัญมาก

4 สไลด์

คำอธิบายสไลด์:

ห่างไกลจากอาการเบื่ออาหาร อย่างไรก็ตามเป็นที่น่าสังเกตว่าความผอมของนักบัลเล่ต์ไม่ได้อยู่ในแฟชั่นเสมอไป ตัวอย่างเช่นในยุคของยวนใจนิยมนักบัลเล่ต์ที่มีรูปแบบบางและเกือบโปร่งใส รูปร่างของพวกเขายังเน้นด้วยเสื้อผ้าที่เป็นเอกลักษณ์ ณ จุดเปลี่ยนของศิลปะบัลเล่ต์ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ความผอมของนักบัลเล่ต์ถือว่าเป็นที่ยอมรับไม่ได้ นักเต้นต้องสร้างความประทับใจให้กับผู้ชมด้วยรูปแบบที่โค้งมน นอกจากนี้นักบัลเล่ต์ที่ไม่รู้สึกเขินอายกับลักษณะร่างกายของพวกเขายังพยายามทำให้กระโปรงสั้นลง ต่อมาพวกเขาเลิกสนใจรูปลักษณ์ของนักบัลเล่ต์ไปเลย ท้ายที่สุดแล้วทั้งนักเต้นตัวจิ๋วและตัวที่ค่อนข้างใหญ่ก็เริ่มแสดงบนเวทีของโรงละครซึ่งไม่เหมาะกับภาพลักษณ์ของแสงและสง่างามเลย เมื่อเวลาผ่านไปความเปราะบางของนักบัลเล่ต์ก็หยุดมีบทบาทเลย สิ่งสำคัญคือผู้หญิงทำหน้าที่ของเธออย่างถูกต้องและเชี่ยวชาญ นักบัลเล่ต์ตัวเล็กและสง่างามถูกแทนที่ด้วยนักบัลเล่ต์ตัวสูงและใหญ่ที่แสดงองค์ประกอบการเต้นรำอย่างเชี่ยวชาญ ในขณะนี้ นักบัลเล่ต์มีคุณค่าต่อทักษะการเต้นของเธอ แม้ว่าสิ่งนี้จะขึ้นอยู่กับโครงสร้างร่างกายของนักเต้นด้วยก็ตาม บวกกับเนื้อซี่โครงเดอลาโนเร็กซี่

5 สไลด์

คำอธิบายสไลด์:

บัลเล่ต์ถูกรายล้อมไปด้วยรัศมีแห่งความสง่างามสำหรับผู้ชมอยู่เสมอ น้อย จริงรู้ราคาที่แท้จริงของความงามและความสง่างามของนักเต้นบนเวที ความเจ็บปวดนิ้วหักยังคงอยู่ในเงามืด... บัลเล่ต์ซึ่งเป็นท่าเต้นระดับสูงสุด (จากภาษากรีก choreia - การเต้นรำและกราฟโป - การเขียน) ซึ่งศิลปะการเต้นรำก้าวขึ้นสู่ระดับการแสดงดนตรีบนเวทีเกิดขึ้นอย่างราชสำนัก ศิลปะของชนชั้นสูงช้ากว่าการเต้นรำมากในศตวรรษที่ 15-16 คำว่า "บัลเล่ต์" ปรากฏในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการของอิตาลีในศตวรรษที่ 16 และไม่ใช่การแสดง แต่เป็นตอนเต้นรำ บัลเล่ต์เป็นศิลปะสังเคราะห์ที่การเต้นรำซึ่งเป็นวิธีแสดงบัลเล่ต์หลักมีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับดนตรีโดยมีพื้นฐานที่น่าทึ่ง - บทเพลงพร้อมฉากกับผลงานของนักออกแบบเครื่องแต่งกายนักออกแบบแสง ฯลฯ บัลเล่ต์มีต้นกำเนิดในอิตาลีและยึดครองฝรั่งเศสทันที รัสเซียซึ่งมีท่าเต้นพื้นบ้านมากมาย สามารถดึงดูดนักออกแบบท่าเต้นที่มีพรสวรรค์มากมายจากยุโรป ซึ่งมีส่วนช่วยในการรวมวัฒนธรรม เสริมสร้างภาษา และทำให้ประเทศต่างๆ ใกล้ชิดกันมากขึ้น นักออกแบบท่าเต้นชาวอิตาลีและฝรั่งเศสได้พัฒนาเทคนิคบัลเล่ต์ในรัสเซีย ซึ่งเป็นประเทศที่อุดมไปด้วยการเต้นรำประจำชาติ และมีการเต้นรำแบบคลาสสิกเกิดขึ้น กระแสที่สำคัญที่สุดใน วัฒนธรรมที่ 18วี. คือการตรัสรู้. กำเนิดเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 ในอังกฤษ จุดสูงสุดในฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 อิทธิพลของเขายิ่งใหญ่มากจนมักเรียกช่วงเวลาแห่งการดำรงอยู่ของเขาว่าทั้งยุค Sur l "origin de l" art du ballet เกี่ยวกับต้นกำเนิดของศิลปะบัลเล่ต์

6 สไลด์

คำอธิบายสไลด์:

นี่เป็นช่วงเวลาของแนวคิดและมุมมองใหม่เกี่ยวกับชีวิต การเปลี่ยนแปลงและการปฏิรูป เมื่อมีคำถามถึงหลักคำสอนและประเพณี การตรัสรู้ซึ่งตรงกันข้ามกับยุคและการเคลื่อนไหวก่อนหน้านี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาวัฒนธรรมทางศิลปะทุกด้าน การแสดงบัลเล่ต์ในสมัยนั้นยังคงยึดหลักปฏิบัติของศตวรรษที่ผ่านมา ซึ่งเป็นตัวกำหนดธีมและรูปแบบของบัลเล่ต์ และผู้รู้แจ้งเสนอให้ย้ายออกจากบรรทัดฐานของลัทธิคลาสสิกด้วยความปรารถนาที่จะเป็นตัวแทนในอุดมคติของความเป็นจริงและหันไปใช้ชีวิตของ "บุคคลธรรมดา" ดังนั้นในความเห็นของพวกเขา พวกเขาจึงให้โอกาสในการพัฒนาความหมายของบัลเล่ต์และด้วยความเป็นอิสระใน ศิลปะการละคร- ท้ายที่สุดแล้วบัลเล่ต์ในเวลานั้นไม่ใช่การแสดงอิสระ โอเปร่ามาพร้อมกับการแสดงบัลเล่ต์ซึ่งตามกฎแล้วไม่เกี่ยวข้องกับการแสดง แต่ถึงกระนั้นแนวคิดเรื่องคลาสสิกซึ่งให้บัลเล่ต์มากมายยังคงอยู่จนถึงต้นศตวรรษที่ 19 ความเป็นคู่นี้จะคงอยู่ในศิลปะบัลเล่ต์ไปอีกร้อยปี

7 สไลด์

คำอธิบายสไลด์:

รัสเซียกลายเป็นพื้นที่อุดมสมบูรณ์มากสำหรับการพัฒนาโรงละครบัลเล่ต์ เมื่อเข้าใจวิทยาศาสตร์ที่ชาวต่างชาติสอน ในทางกลับกัน ชาวรัสเซียได้นำน้ำเสียงของตนเองมาใช้ในการเต้นรำในต่างประเทศ ในช่วงทศวรรษที่ 1730 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ฉากบัลเล่ต์ในการแสดงโอเปร่าในศาลจัดแสดงโดย J.-B. ลันเด และ เอ. รินัลดี (ฟอสซาโน) ในปี 1738 โรงเรียนบัลเล่ต์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กได้เปิดขึ้น (ปัจจุบันคือสถาบันการเต้นรำเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งตั้งชื่อตาม A.Ya. Vaganova) ผู้สร้างและผู้อำนวยการคือ Lande ในปี พ.ศ. 2316 กิจการล้างรถ จักรพรรดินี Anna Ioannovna เป็นผู้ก่อตั้งระบบการศึกษาการออกแบบท่าเต้นในรัสเซีย การแสดงออกแบบท่าเต้นครั้งแรกในรัสเซียคือ "The Ballet of Orpheus" ซึ่งแสดงใน "คฤหาสน์ตลก" ของซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิชในที่ดินของเขา - หมู่บ้าน Preobrazhenskoe ใกล้มอสโก (13 กุมภาพันธ์ 2218) ตั้งแต่ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 บัลเล่ต์ได้รับการแนะนำโดยนักออกแบบท่าเต้นและครูสอนเต้นรำจากอิตาลีและฝรั่งเศส มีการเต้นรำพื้นบ้านอันมั่งคั่งเป็นของตัวเอง Jean Baptiste Lande - ผู้ก่อตั้ง Vaganova Academy of Russian Ballet L "émergence du ballet en Russie tsariste การเกิดขึ้นของบัลเล่ต์ในซาร์รัสเซีย

8 สไลด์

คำอธิบายสไลด์:

สถานศึกษาเปิดแผนกบัลเล่ต์ - ผู้บุกเบิกและเป็นรากฐานของโรงเรียนออกแบบท่าเต้นมอสโก ครูและนักออกแบบท่าเต้นคนแรกของเขาคือแอล. พาราไดซ์ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 คณะข้ารับใช้ที่พัฒนาขึ้นในนิคมภูมิภาคมอสโกของเคานต์ Sheremetev (Kuskovo, Ostankino) ฯลฯ เมื่อถึงเวลานั้นเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกก็มีข้าราชบริพารและ โรงละครสาธารณะ- นักแต่งเพลง นักออกแบบท่าเต้น และนักแสดงชาวรัสเซียจำนวนมากทำงานที่นั่น S. Sergeeva, V. M. Mikhailova, T. S. Bublikov, G. I. Raikov, N. P. Berilova ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18 - 19 I.I. ทำงานที่โรงเรียน Walberch (Lesogorov) เป็นนักออกแบบท่าเต้นชาวรัสเซียคนแรกที่ฝึกฝนศิลปินที่มีความสามารถหลายคน หนึ่งในนั้นคือนักเต้นที่สดใสและนักแสดงละคร Evgenia Kolosova Walberch เตรียมโรงเรียนและคณะละครสำหรับการมาถึงของนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส C. Didelot (1767-1837) ตั้งแต่ปี 1756 หลังจากคำสั่งของจักรพรรดินีเอลิซาเบธ Petrovna ในการสร้างโรงละครรัสเซีย สถาบันการศึกษาซึ่งสร้างโดย Lande และค่อยๆ แปรสภาพเป็น "โรงเรียนการละคร" ยุคที่สอง (พ.ศ. 2299-2372) ในประวัติศาสตร์ของโรงเรียนเริ่มต้นขึ้นเมื่อการฝึกอบรมในงานศิลปะทุกประเภท (บัลเล่ต์, การละคร, ดนตรี, ภาพวาด) ดำเนินการในลักษณะบูรณาการโดยมีความเชี่ยวชาญแบบค่อยเป็นค่อยไปตามการวิเคราะห์ ประสบความสำเร็จในหนึ่งในนั้น ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมาจนถึงต้นศตวรรษที่ 20 การศึกษาด้านการเต้นได้รับการพัฒนาโดยการติดต่ออย่างใกล้ชิดกับการฝึกอบรมผู้เชี่ยวชาญในโรงละครประเภทอื่นๆ ได้แก่ นักแสดงละคร ศิลปิน นักดนตรี นักแสดงละครสัตว์ Ivan Walberkh - นักออกแบบท่าเต้นชาวรัสเซียคนแรก Charles Louis Didelot - ผู้ก่อตั้งเทคนิคการเต้นรำคลาสสิกสมัยใหม่

สไลด์ 9

คำอธิบายสไลด์:

กิจกรรมของ Didelot มีส่วนช่วยในการก่อตั้งและการรวมโรงเรียนการเต้นรำปวงต์คลาสสิกของฝรั่งเศสในรัสเซีย กิจกรรมของ Didelot มีส่วนช่วยในการเริ่มต้นช่วงที่สาม (พ.ศ. 2372-2460) ในประวัติศาสตร์ของโรงเรียน เมื่อเริ่มการพัฒนาองค์กรด้านการศึกษาบัลเล่ต์ เป้าหมายหลักคือการจัดหาคุณภาพ การฝึกอบรมสายอาชีพนักเต้นบัลเลต์เริ่มมีปริมาณเพิ่มขึ้นเรื่อยๆ การศึกษาทั่วไป- ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1829 การฝึกนักเต้นได้แยกออกจากการฝึกของศิลปินในศิลปะอื่นๆ ในช่วงเวลานี้ โครงสร้างของโปรแกรมการฝึกนักเต้นได้ถูกสร้างขึ้นโดยการผสมผสานระหว่างการศึกษาวิชาชีพและการศึกษาทั่วไป ต้องขอบคุณงานของ Didelot ที่ทำให้การศึกษาบัลเล่ต์ถึงระดับที่ค่อนข้างสูง สาเหตุหลักมาจาก Didelot ได้รวมการสอนบัลเล่ต์ของรัสเซียไว้ในพื้นที่ของศิลปะบัลเล่ต์ร่วมสมัยในยุโรป ซึ่งระบบใหม่ของการเต้นรำแบบปวงต์คลาสสิกแบบละครกำลังเป็นรูปเป็นร่าง ซึ่งมีพื้นฐานแตกต่างไปจากครั้งก่อน หนึ่งใกล้กับระบบห้องบอลรูมและการเต้นรำทุกวัน Didelot เรียกร้องจากนักเรียนของเขาไม่เพียงแต่เทคนิคที่สมบูรณ์แบบเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการแสดงออกด้วย ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ A. Pushkin กล่าวว่าบัลเล่ต์ของ Didelot มีบทกวีมากกว่าทั้งหมด วรรณคดีฝรั่งเศส- ในปี 1816 A. Istomina นักเรียนของ Didelot สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียน สำหรับ Didelot เช่นเดียวกับ M. Petipa ซึ่งเป็นเพื่อนร่วมชาติของเขาในเวลาต่อมา รัสเซียก็กลายเป็นบ้านหลังที่สอง และบัลเล่ต์รัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 ก็เหนือกว่าโรงละครต่างประเทศที่ใหญ่ที่สุดหลายประการ ในปี 1816 A. Istomina นักเรียนของ Didelot สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียน สาขาวิชามีสามรอบ: การศึกษาพิเศษ การศึกษาเสริม และการศึกษาทั่วไป แก่นแท้ของสาขาวิชาพิเศษคือนาฏศิลป์คลาสสิกซึ่งมีการอำนวยความสะดวกโดย กิจกรรมการสอนนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส Ch. Didelot ระยะเวลาของโครงการใช้เวลาเจ็ดปี มีการกำหนดหลักการของการรับเข้าเรียนการฝึกเต้น (การจำกัดอายุคงที่ในการรับเข้าเรียนและข้อกำหนดของความสามารถตามธรรมชาติพิเศษ) และการรับรองนักเรียน (การโอนย้ายการแข่งขันประจำปีจากชั้นเรียนหนึ่งไปอีกชั้นเรียนหนึ่ง) ผู้ประกาศยุคโรแมนติกในบัลเล่ต์รัสเซียคือ Maria Taglioni ซึ่งเป็น La Sylphide คนแรกที่มาเยือนเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี 1837 บัลเล่ต์ La Sylphide สร้างชื่อเสียงไปทั่วโลกให้กับเธอ อิสโตมินา เอ.ไอ.

10 สไลด์

คำอธิบายสไลด์:

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ บัลเลต์ในศาลเปิดประตูสู่นักเต้นมืออาชีพ และค่อยๆ เปิดให้บุคคลทั่วไปเข้าถึงได้ ในเวลานี้เทคนิคการเต้นได้รับการเสริมสมรรถนะและสร้างระบบการบันทึกขึ้นมา ยังไม่ทราบแน่ชัดว่าใครเป็นผู้เขียนระบบบันทึกการเต้นรำ เป็นที่ทราบกันดีว่ามันถูกท้าทายโดยนักออกแบบท่าเต้นและนักทฤษฎีการเต้นรำชาวฝรั่งเศส P. Beauchamp และนักเต้นและนักออกแบบท่าเต้น R.o. เฟย์. งานของ Beauchamp ยังคงไม่ได้รับการตีพิมพ์ และหนังสือของ Feuillet เรื่อง "การออกแบบท่าเต้นหรือศิลปะแห่งการบันทึกการเต้นรำ" ก็ตีพิมพ์ในปี 1701 แล้วในช่วงน้ำท่วมครั้งแรกของศตวรรษที่ 18 ในอังกฤษ ดี. ลีเวอร์ นักออกแบบท่าเต้นและนักทฤษฎีการละครบัลเล่ต์ได้สร้างการแสดงละครใบ้ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของบัลเล่ต์องค์รวมที่มีความหมาย ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 แนวคิดเรื่องการเปลี่ยนแปลงทางศิลปะได้รับการแสดงโดยนักเขียน นักแต่งเพลง ศิลปิน และนักออกแบบท่าเต้นหลายคน ตัวอย่างเช่น คำว่า "การเต้นรำที่มีประสิทธิภาพ" ได้รับการกล่าวถึงครั้งแรกโดยนักทฤษฎีการเต้นรำ นักเขียน Louis de Cahuzac ในปี 1754 แนวคิดในการปฏิรูปยังเกี่ยวข้องกับดนตรีด้วย การปฏิรูปแสดงให้เห็นในดนตรีของ K. V. Gluck ผู้ซึ่งรับบทเรียนจาก Boguslav Chernogorsky แต่ Zh.Zh กลายเป็นบุคคลในตำนาน Noverre (1727-1788) เขาเริ่มการปฏิรูปบัลเล่ต์บนพื้นที่ที่เตรียมไว้อย่างดี ผลลัพธ์ของการทำงานหลายปีคือสิ่งพิมพ์ปี 1760 เรื่อง Letters on Dance and Ballets L. Dupre ครูของศิลปินที่ได้รับการยอมรับในปัจจุบัน มีอิทธิพลอย่างมากต่อบุคลิกภาพของนักปฏิรูปในอนาคต เค.วี. กลัค ​​เจ.เจ. Noverre l' arrivée du grandré formateur การมาของนักปฏิรูปที่เก่งกาจ

11 สไลด์

คำอธิบายสไลด์:

ในปี ค.ศ. 1758 Jean Georges Noverre ได้แสดงบัลเล่ต์ครั้งแรกในเมืองลียงและเขียนทฤษฎีเกี่ยวกับการเต้นรำ ในปี ค.ศ. 1760 เขาได้ตีพิมพ์หนังสือของเขา Lettres sur la danse et les ballets (Letters on Dance and Ballets) ซึ่งมุ่งเน้นไปที่การพัฒนาบัลเล่ต์แอ็คชั่นซึ่งการเคลื่อนไหวของนักเต้นได้รับการออกแบบเพื่อแสดงความหมายและถ่ายทอดเรื่องราว หนังสือสำคัญเล่มนี้มีความสำคัญในการสถาปนาศตวรรษที่ 18 ให้เป็นช่วงเวลาแห่งการปรับปรุงมาตรฐานทางเทคนิคของบัลเล่ต์ และช่วงเวลาที่บัลเล่ต์กลายเป็นรูปแบบศิลปะการละครที่จริงจังควบคู่ไปกับโอเปร่า เพื่อให้ทุกสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีเป็นจริงที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ Noverre เลือกละครใบ้เป็นวิธีการหลักของเขา ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ศาลที่มีกษัตริย์นิยมหลายแห่งในยุโรปพยายามเป็นเหมือนแวร์ซายส์ โรงโอเปร่าเปิดในสถานที่ต่าง ๆ นักเต้นและครูหางานได้ง่าย ในช่วงเวลานี้ ผู้หญิงมีบทบาทสนับสนุนในฐานะนักเต้นบัลเล่ต์ โดยพวกเธอสวมกระโปรงผายก้น คอร์เซต วิกผม และ รองเท้าส้นสูง- ในชุดที่นักบัลเล่ต์ในยุคนั้นสวมใส่ มันเป็นเรื่องยากสำหรับพวกเขาที่จะเต้น และเนื่องจากพวกเขาสวมหน้ากากหนัง มันจึงเป็นเรื่องยากสำหรับพวกเขาในการแสดง Noverre มีส่วนร่วมในการเปลี่ยนเครื่องแต่งกายแบบดั้งเดิมของนักบัลเล่ต์ และในปี 1763 เขาได้แสดง Jason และ Medea โดยไม่สวมหน้ากาก มองเห็นสีหน้าของนักเต้นได้ และการแสดงออกอย่างมหาศาลของการแสดงบางครั้งก็สร้างความประทับใจให้กับผู้ชมบัลเล่ต์เป็นอย่างมาก เครื่องแต่งกายจำเป็นต้องเปลี่ยน วิสัยทัศน์และทัศนคติต่อการเต้นรำกำลังรอการเปลี่ยนแปลง... โลกกำลังรอครอบครัว Taglioni... Liberté de Circulation เสรีภาพในการเคลื่อนไหว

12 สไลด์

คำอธิบายสไลด์:

นักออกแบบท่าเต้นคนนี้เช่น Dauberval ยังคงอยู่ในประวัติศาสตร์ในฐานะผู้แต่งบัลเล่ต์เรื่องหนึ่ง - La Sylphide แม้ว่าเขาจะจัดแสดงหลายครั้งก็ตาม แต่ยิ่งกว่าท่าเต้นของเขา เขายังมีชื่อเสียงจากการเป็นพ่อของนักบัลเล่ต์ชื่อดัง Maria Taglioni Philip Taglioni เกิดที่เมืองมิลานในปี พ.ศ. 2320 เขาเป็นลูกชายคนโตของนักเต้น Piedmontese Carlo Taglioni เขาเริ่มอาชีพนักเต้นในเนเปิลส์ และในปี พ.ศ. 2338-2341 เขาได้กลายเป็นนักเต้นคนแรกในโรงละครที่ลิวอร์โน ฟลอเรนซ์ เวนิส ตูริน และมิลาน ในปี พ.ศ. 2342 เขามาที่ปารีสและได้เต้นรำที่นั่น แต่ก็อยู่ได้ไม่นาน เขาได้รับเชิญไปสตอกโฮล์มเพื่อเต้นรำที่ Royal Opera และที่นั่นเขาใช้เวลาสามปี ในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2374 Louis Veron กลายเป็นผู้อำนวยการโรงละครโอเปร่า เขาเข้าใจรสนิยมของสาธารณชนซึ่งเรียกร้องให้มีการอัปเดตละครอยู่ตลอดเวลาและเขามองเห็นได้อย่างสมบูรณ์แบบว่าความโรแมนติกกับตัวละครที่ยอดเยี่ยมของมัน - ผี, ซิลฟ์, วิญญาณชั่วร้ายและวิญญาณที่ดี - กำลังเข้ามาสู่แฟชั่นได้อย่างไร สิ่งนี้จะต้องนำมาพิจารณา - และในวันที่ 21 พฤศจิกายน พ.ศ. 2374 มีการฉายรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่าเรื่อง Robert the Devil ของ Meyerbeer ซึ่งมีพล็อตเรื่องปีศาจอันมืดมิดเกิดขึ้น ตัวละครหลักอัศวินโรเบิร์ตเข้าไปในอารามร้างในเวลากลางคืนเพื่อรับเครื่องรางเวทย์มนตร์ ที่นั่นเขาถูกรายล้อมไปด้วยผีของแม่ชีบาปที่ฟื้นขึ้นมาจากหลุมศพของพวกเขา ส่วนหนึ่งของผู้นำของพวกเขา Abbess Helena เต้นรำโดย Maria Taglioni ทาลีโอนีผู้จัดฉากนี้แสดงตนว่าเป็นคนโรแมนติกอย่างแท้จริง - ท่ามกลางซากปรักหักพังในป่าภายใต้แสงจันทร์อันลึกลับ เงาสีขาวบริสุทธิ์ปรากฏขึ้นให้ผู้ชมเห็น และเต้นรำเป็นวงกลมเหมือนผีไปรอบๆ โรเบิร์ต การเต้นรำนี้ถูกสังเกตจากเบื้องหลังโดยนักเต้นหนุ่ม Jules Perrot - และความทรงจำของ "Robert the Devil" ก็มีชีวิตขึ้นมาในสิบปีต่อมาในบัลเล่ต์ "Giselle" การเต้นรำของแม่ชีเป็นหนึ่งในภาพร่างแรกของ "บัลเล่ต์สีขาว" ในการออกแบบท่าเต้นระดับโลก Père et fille Taglioni พ่อและลูกสาว Taglioni

สไลด์ 13

คำอธิบายสไลด์:

Maria Taglioni (อิตาลี: Maria Taglioni; 23 เมษายน พ.ศ. 2347 สตอกโฮล์ม - 22 เมษายน พ.ศ. 2427 มาร์เซย์) เป็นนักบัลเล่ต์ชาวอิตาลีผู้โด่งดังซึ่งเป็นบุคคลสำคัญในบัลเล่ต์ในยุคโรแมนติก มาเรียเกิดในครอบครัวของนักออกแบบท่าเต้นและนักออกแบบท่าเต้น Philippe Taglioni หญิงสาวไม่มีหุ่นบัลเล่ต์หรือมีรูปร่างหน้าตาพิเศษ อย่างไรก็ตามเรื่องนี้ พ่อของเธอตัดสินใจให้เธอเป็นนักบัลเล่ต์ มาเรียศึกษาที่เวียนนา สตอกโฮล์ม และปารีสกับฟรองซัวส์ คูลง ต่อมาพ่อของเธอทำงานร่วมกับมาเรียเอง ในปี พ.ศ. 2365 เขาแสดงบัลเล่ต์เรื่อง "The Entrance of a Young Nymph at the Palace of Terpsichore" ซึ่งมาเรียเปิดตัวในเวียนนา นักเต้นละทิ้งเสื้อผ้าหนัก ๆ วิกผมและการแต่งหน้าที่มีอยู่ในบัลเล่ต์โดยเต้นรำในชุดเดรสสีเรียบๆเท่านั้น มาเรียสร้างความประทับใจให้กับชาวปารีสในปี 1827 ในงานเวนิสคาร์นิวัล และตั้งแต่นั้นมาเธอก็มักจะเต้นรำที่ Paris Grand Opera ที่นั่นในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2375 มีการแสดงบัลเล่ต์ La Sylphide รอบปฐมทัศน์ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของยุคแห่งความโรแมนติกของบัลเล่ต์ เธอเป็นคนที่แนะนำรองเท้าบัลเล่ต์และรองเท้าปวงต์ให้กับบัลเล่ต์ ใน คืนเดือนหงายในฤดูหนาวปี 1835 รถม้าของ Marie Taglioni ถูกโจรรัสเซียหยุดไว้ Taglioni ถูกบังคับให้เต้นรำเพื่อพวกเขาบนผิวหนังของเสือดำที่กางออกท่ามกลางหิมะใต้แสงดาว จากเหตุการณ์จริงนี้ ตำนานก็ได้เกิดขึ้น... เพื่อรักษาความทรงจำของการผจญภัย Taglioni จึงมีนิสัยชอบวางชิ้นส่วนต่างๆ น้ำแข็งเทียมในกล่องของเธอบนโต๊ะพร้อมกระจกที่เธอแต่งตัวอยู่ตรงหน้า... ที่ซึ่งละลายท่ามกลางก้อนหินที่ส่องแสง บรรยากาศของท้องฟ้าที่เต็มไปด้วยดวงดาวตื่นขึ้นเหนือภูมิประเทศที่ปกคลุมไปด้วยน้ำแข็ง Le Première Sylphide à Pointe Sylphide รุ่นแรกในรองเท้า Pointe

สไลด์ 14

คำอธิบายสไลด์:

ในอีกสิบห้าปีข้างหน้า Maria Taglioni ไปเที่ยวทั่วยุโรป: จากลอนดอนถึงเบอร์ลินและจากมิลานถึงเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ปริมาณมาก Marius Petipa เขียนบัลเล่ต์ให้เธอ ตามที่ผู้เห็นเหตุการณ์กล่าวว่าการเต้นรำของ Taglioni นั้นเป็นศูนย์รวมของความสง่างามและความสง่างาม บทบาทที่ดีที่สุดของเธออยู่ในบัลเล่ต์: "The Sleeping Beauty", "God and the Bayadère", "La Sylphide", "Zephyr and Flora", "Cinderella", "Vain Precaution" การมีส่วนร่วมของมาเรียในชีวิตบัลเล่ต์นั้นมีค่ายิ่ง Taglioni ยกระดับบัลเล่ต์ขึ้นไปอีกระดับหนึ่ง ต่อหน้าเธอมีนักบัลเล่ต์ที่สวมรองเท้าปวงต์โดยเฉพาะ Istomin ในรัสเซีย แต่ Taglioni เองที่เรียนรู้ไม่เพียงแค่การขึ้นลงจากนิ้วของเธอเท่านั้น แต่ยังได้เรียนรู้การเต้นบนรองเท้าปวงต์อย่างง่ายดาย เป็นธรรมชาติ ในขณะที่ยังคงความสง่างามและว่องไว พ่อของเธอบอกเธอระหว่างเรียนว่าเขาจะตายด้วยความอับอาย! ส่วนที่เหลือของนักบัลเล่ต์ (1968) วาดโดย Nadya Rusheva ศิลปินสาวผู้เก่งกาจที่เสียชีวิตเมื่ออายุ 17 ปี นักบัลเล่ต์โซโล (1968) ภาพวาดโดยหลุมศพของ Nadya Rusheva Taglioni

15 สไลด์

คำอธิบายสไลด์:

อย่างไรก็ตาม ศิลปะโรแมนติกได้รับอิทธิพลอย่างมากต่อโรงเรียนบัลเล่ต์ของรัสเซียในช่วงเวลาทำงานในรัสเซียโดยนักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส Jules Perrault (ตั้งแต่ปี 1848 ถึง 1859) เขามาถึงเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กตามคำเชิญของ Directorate of Imperial Theatres ในยุคที่ผู้หญิงครองตำแหน่งสูงสุดในบัลเล่ต์โรแมนติก Perrault เป็นหนึ่งในข้อยกเว้นที่หายากในฐานะนักเต้นชาย เขาแสดงการแสดงสำหรับนักบัลเล่ต์โดยเฉพาะเขาเข้าร่วม (ร่วมกับ J. Coralli) ในงานบัลเล่ต์ Giselle (ดนตรีโดย A. Adam, 1841) ที่ Paris Opera ซึ่งรับบทโดยนักเรียนและภรรยาของเขา Carlotta Grisi (แปร์โรลท์แสดงการเต้นรำทั้งหมดของเธอ) .

16 สไลด์

คำอธิบายสไลด์:

En prévision d'un Français de Saint-Pétersbourg Perrault แสดงผลงานชิ้นสำคัญครั้งแรกของเขาในกรุงเวียนนาในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 1830 แต่ชื่อเสียงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเขากลับนำมาสู่เขาด้วยบัลเล่ต์ที่สร้างขึ้นบนเวที Royal Theatre ในลอนดอน: Ondine, หรือ Naiad (ดนตรีโดย C. Puni, 1843 ), Esmeralda (ดนตรีโดยเขา, 1844) และ Pas de Quatre (ดนตรีโดยเขา, 1845) โดยมีนักบัลเล่ต์โรแมนติกผู้ยิ่งใหญ่สี่คนเข้าร่วมพร้อมกัน: Maria Taglioni, Carlotta Grisi, Fanny Cerrito และ Lucille Gran; บัลเล่ต์ Catarina, the Robber's Daughter (ดนตรีโดย Pugni); และบัลเล่ต์ Faust จัดแสดงเป็นครั้งแรกในมิลาน (ดนตรีโดย G. Panizza, M. Costa และ G. Baieti, 1849) พ.ศ. 2391-2402 (ค.ศ. 1848-1859) แปร์โรลท์เป็นนักเต้นและหัวหน้านักออกแบบท่าเต้นที่โรงละครบอลชอยในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก บัลเล่ต์ที่เขาจัดแสดง Jules Perrault (1810-1892) แปร์โรลท์ถือเป็นนักออกแบบท่าเต้นที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคโรแมนติก ละครทางสังคมและความรัก Perrault มักหันไปหาโครงเรื่องวรรณกรรมชื่อดัง (Esmeralda, Faust ฯลฯ ) ศิลปินเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการเต้นรำคลาสสิกเดี่ยว ซึ่งมักจะทำหน้าที่แสดงออกถึงสภาพภายในของตัวละคร และในขณะเดียวกันก็ประสบความสำเร็จในการแสดงฉากฝูงชนและวงดนตรี บัลเล่ต์ของแปร์โรลท์หลายชิ้นยังคงอยู่ในละคร โรงละครสมัยใหม่แต่ตามกฎแล้วในการเปลี่ยนแปลงในภายหลัง ในเวลาเดียวกันควรสังเกตว่ากิจกรรมการสอนของแปร์โรลท์ได้รับการศึกษาน้อยมาก นักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นชาวสวีเดน Per Christian Johannson ซึ่งมาถึงเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี พ.ศ. 2384 มีส่วนช่วยอย่างมากในการพัฒนาการสอนบัลเล่ต์ของรัสเซีย กำลังรอชาวฝรั่งเศสจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

สไลด์ 17

คำอธิบายสไลด์:

แม้ว่า Saint-Leon จะเปลี่ยนไปมากในเทพนิยายของ P.P. Ershov แทนที่ซาร์รัสเซียด้วยข่านและยังแนะนำฉาก "ภักดี" ซึ่งทุกชาติยกย่อง Ivanushka ซึ่งกลายเป็นซาร์ (ซึ่งทำให้เกิดการวิพากษ์วิจารณ์จากนักวิจารณ์ที่ก้าวหน้า) บัลเล่ต์มีข้อได้เปรียบหลายประการ โดยหลักแล้วความมีชีวิตชีวาในการเต้นเช่น ตลอดจนโอกาสที่ภาพของเขาจะเปิดกว้างให้กับนักแสดง ไม่เพียงแต่นักแสดงคลาสสิก (ซาร์ ไมเดน นักเต้นในฉากมหัศจรรย์ที่ก้นทะเลและบนเกาะนางเงือก) แต่โดยเฉพาะนักแสดงตัวละคร (การเต้นรำพื้นบ้าน) และการแสดงละครใบ้ ( บทบาทของ Ivanushka, Khan ฯลฯ ) ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่การแสดงได้รับการฟื้นฟูหลายครั้งและยังคงอยู่ในละครของโรงละครเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (ต่อมาคือเลนินกราด) และมอสโก โรงละครบอลชอยตั้งแต่ทศวรรษที่ 1860 ถึง 1930 ได้มีการแสดงในโรงละครอื่นๆ อีกหลายแห่งทั่วประเทศ บัลเลต์ของ Saint-Leon ซึ่งเอฟเฟกต์อันน่าหลงใหลภายนอกมักปรากฏให้เห็นโดยสูญเสียแรงจูงใจที่มีความหมาย ถือเป็นการเสื่อมถอยของบัลเลต์โรแมนติก ซึ่งเป็นยุครุ่งเรืองที่เกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1830-1850 ก่อนหน้านี้ ในเวลาเดียวกัน พวกเขาค้นพบการออกแบบท่าเต้นที่หลากหลายซึ่งช่วยเสริมคำศัพท์ของการเต้นบัลเล่ต์และมีส่วนช่วยในการพัฒนาเทคนิคของมัน ดังนั้นพวกเขากำลังเตรียมการโจมตี ยุคใหม่- "แกรนด์บัลเล่ต์" ของ Marius Petipa ซึ่งในทางของตัวเองมีความสำคัญไม่น้อยและทำให้บัลเล่ต์รัสเซียได้รับการยอมรับจากทั่วโลก น่าเสียดายที่บทบาทของ Saint-Leon ในการพัฒนาการสอนบัลเล่ต์ของรัสเซียยังไม่ได้รับการศึกษาในทางปฏิบัติ อย่างไรก็ตามอิทธิพลชี้ขาดต่อการพัฒนาวิธีการของโรงเรียนนั้นกระทำโดยนักออกแบบท่าเต้นและกิจกรรมการสอนของ Marius Petipa ซึ่งมาที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี พ.ศ. 2390 ตามคำเชิญของผู้อำนวยการโรงละครอิมพีเรียล ตลอดครึ่งหลัง ศตวรรษที่สิบเก้า– นี่คือยุคของ M. Petipa นักออกแบบท่าเต้นผู้ยิ่งใหญ่ได้สร้างการแสดงดั้งเดิมมากมาย อนุรักษ์และเสริมสร้างบัลเล่ต์ของรุ่นก่อน อาเธอร์ แซงต์-เลออน

18 สไลด์

คำอธิบายสไลด์:

1.http://ru.wikipedia.org/wiki/Gluck,_Christoph_Willibald 2.http://ru.wikipedia.org/wiki/Nover,_Jean_Georges 3.http://belcanto.ru/taglioni_filippo.html 4.http 5.http://ru.wikipedia.org/wiki/Taglioni,_Maria 6.http://www.arcadja.com/auctions/en/haytley_edward/artist/ 31481/ 7.http://www.vaganova.ru/page.php?id=7&pid=6 8.http://balet-v-teatre.ru/balerina.html รายการบรรณานุกรม

ประวัติศาสตร์ ต้นกำเนิดของบัลเล่ต์ บัลเล่ต์มีต้นกำเนิดในอิตาลีในช่วงยุคเรอเนซองส์ (ศตวรรษที่ 16) โดยเริ่มแรกเป็นฉากเต้นรำที่รวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยการกระทำหรืออารมณ์เดียว เป็นตอนหนึ่งของการแสดงดนตรีหรือโอเปร่า บัลเลต์ในราชสำนักยืมมาจากอิตาลีและรุ่งเรืองเฟื่องฟูในฝรั่งเศสในฐานะการแสดงพิธีการอันงดงาม พื้นฐานทางดนตรีบัลเล่ต์ชุดแรก (The Queen's Comedy Ballet, 1581) ประกอบด้วยการเต้นรำพื้นบ้านและการเต้นรำในราชสำนักซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของชุดโบราณ ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 มีการแสดงละครแนวใหม่เกิดขึ้น เช่น คอมเมดี้-บัลเล่ต์ โอเปร่า-บัลเลต์ ซึ่งมีการมอบสถานที่สำคัญให้กับดนตรีบัลเล่ต์และมีความพยายามที่จะแสดงละคร แต่บัลเล่ต์กลายเป็นรูปแบบศิลปะบนเวทีที่เป็นอิสระในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เท่านั้นด้วยการปฏิรูปที่ดำเนินการโดยนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส J. J. Nover บัลเล่ต์มีพื้นฐานมาจากสุนทรียศาสตร์แบบฝรั่งเศส มีต้นกำเนิดในอิตาลีในช่วงยุคเรอเนซองส์ (ศตวรรษที่ 16) โดยเริ่มแรกเป็นฉากเต้นรำที่รวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยการกระทำหรืออารมณ์เดียว การแสดงดนตรี หรือโอเปร่า บัลเลต์ในราชสำนักยืมมาจากอิตาลีและรุ่งเรืองเฟื่องฟูในฝรั่งเศสในฐานะการแสดงพิธีการอันงดงาม พื้นฐานทางดนตรีของบัลเล่ต์ชุดแรก (The Queen's Comedy Ballet, 1581) คือการเต้นรำพื้นบ้านและราชสำนักซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของชุดโบราณ ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 มีการแสดงละครแนวใหม่เกิดขึ้น เช่น คอมเมดี้-บัลเล่ต์ โอเปร่า-บัลเลต์ ซึ่งมีการมอบสถานที่สำคัญให้กับดนตรีบัลเล่ต์และมีความพยายามที่จะแสดงละคร แต่บัลเล่ต์กลายเป็นรูปแบบศิลปะบนเวทีที่เป็นอิสระในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เท่านั้นด้วยการปฏิรูปที่ดำเนินการโดยนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส J. J. Nover ขึ้นอยู่กับสุนทรียศาสตร์ของโอเปร่าฝรั่งเศส - อิตาลีเรอเนซองส์ XVIII 1581 ชุด XVII ตลก - บัลเล่ต์ - โอเปร่า - บัลเล่ต์ละครโดย XVIII นักออกแบบท่าเต้น J. Noveromestheticsอิตาลีเรอเนซองส์XVIโอเปร่า1581ชุดXVIIตลก-บัลเล่ต์-บัลเล่ต์ละครXVIIIนักออกแบบท่าเต้นJ. ใหม่สำหรับสุนทรียะแห่งการตรัสรู้ เขาสร้างการแสดงที่เปิดเผยเนื้อหาด้วยการแสดงออกอย่างน่าทึ่ง ภาพพลาสติกยืนยันถึงบทบาทที่แข็งขันของดนตรีในฐานะ “โปรแกรมที่กำหนดการเคลื่อนไหวและการกระทำของนักเต้น” x ผู้รู้แจ้ง เขาสร้างการแสดงโดยเปิดเผยเนื้อหาในภาพพลาสติกที่แสดงออกอย่างน่าทึ่ง และอนุมัติบทบาทที่กระตือรือร้นของดนตรีว่าเป็น "โปรแกรมที่กำหนดการเคลื่อนไหวและการกระทำของนักเต้น"

การพัฒนาบัลเล่ต์เพิ่มเติมโดย Edgar Degas การซ้อมบัลเล่ต์ของเอ็ดการ์ เดอกาส์ การซ้อมบัลเล่ต์ การพัฒนาและการออกดอกของบัลเล่ต์เพิ่มเติมเกิดขึ้นในยุคของแนวโรแมนติก การพัฒนาและการออกดอกของบัลเล่ต์เพิ่มเติมเกิดขึ้นในยุคแห่งความโรแมนติก ย้อนกลับไปในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 18 นักบัลเล่ต์ชาวฝรั่งเศส Camargo ย่อกระโปรง (ตูตู) ของเธอให้สั้นลงและสวมส้นเท้าที่ทิ้งไป ซึ่งทำให้เธอสามารถนำความลื่นไถลมาสู่การเต้นรำของเธอได้ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ชุดบัลเล่ต์จะเบาและอิสระมากขึ้นซึ่งเข้า ในระดับใหญ่มีส่วนช่วยในการพัฒนาเทคนิคการเต้นอย่างรวดเร็ว พยายามทำให้การเต้นรำดูโปร่งมากขึ้น นักแสดงพยายามยืนด้วยปลายนิ้ว ซึ่งนำไปสู่การประดิษฐ์รองเท้าปวงต์ ในอนาคตเทคนิคการเต้นรำของผู้หญิงกำลังพัฒนาอย่างแข็งขัน คนแรกที่ใช้การเต้นรำปวงต์เป็นวิธีการแสดงออกคือ Maria Taglioni ย้อนกลับไปในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 18 นักบัลเล่ต์ชาวฝรั่งเศส Camargo ย่อกระโปรง (ตูตู) ของเธอให้สั้นลงและสวมส้นเท้าที่ทิ้งไป ซึ่งทำให้เธอสามารถนำความลื่นไถลมาสู่การเต้นรำของเธอได้ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ชุดบัลเล่ต์มีน้ำหนักเบาและอิสระมากขึ้นซึ่งมีส่วนช่วยในการพัฒนาเทคนิคการเต้นอย่างรวดเร็ว พยายามทำให้การเต้นรำดูโปร่งมากขึ้น นักแสดงพยายามยืนด้วยปลายนิ้ว ซึ่งนำไปสู่การประดิษฐ์รองเท้าปวงต์ ในอนาคตเทคนิคการเต้นรำของผู้หญิงกำลังพัฒนาอย่างแข็งขัน คนแรกที่ใช้การเต้นรำบนรองเท้าปวงต์เป็นวิธีการแสดงออกคือ Maria Taglioni XVIIICamargopachkuzanoskipointeMaria TaglioniXVIIICamargopachkuzanoskipointeMaria Taglioni การแสดงบัลเล่ต์จำเป็นต้องมีการพัฒนาดนตรีบัลเล่ต์ เบโธเฟนในบัลเล่ต์ของเขาเรื่อง "The Works of Prometheus" (1801) ได้พยายามครั้งแรกในการประสานเสียงบัลเล่ต์ ทิศทางที่โรแมนติกถูกกำหนดไว้ในบัลเล่ต์ของอดัม Giselle (1841) และ Corsair (1856) บัลเล่ต์ของ Delibes Coppelia (1870) และ Sylvia (1876) ถือเป็นบัลเล่ต์ซิมโฟนีชุดแรก ในเวลาเดียวกันแนวทางดนตรีบัลเล่ต์ที่เรียบง่ายก็เกิดขึ้น (ในบัลเล่ต์ของ C. Pugna, L. Minkus, R. Drigo ฯลฯ ) เป็นดนตรีที่ไพเราะมีจังหวะชัดเจนทำหน้าที่เป็นดนตรีประกอบการเต้นรำเท่านั้น Beethoven 1801Adana Delibes 1876 Beethoven 1801 Adana Delibes 1876 บัลเล่ต์ในรัสเซีย บัลเล่ต์ในรัสเซีย

ในรัสเซีย การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรกเกิดขึ้นเมื่อวันที่ 8 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1673 ที่ราชสำนักของซาร์อเล็กซี่ มิคาอิโลวิช ในหมู่บ้าน Preobrazhenskoye ใกล้กรุงมอสโก เอกลักษณ์ประจำชาติบัลเล่ต์รัสเซียเริ่มเป็นรูปเป็นร่าง ต้น XIXศตวรรษต้องขอบคุณผลงานของนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส S.-L. ดิดโล. Didelot เสริมสร้างบทบาทของคณะบัลเล่ต์ ความเชื่อมโยงระหว่างการเต้นรำและละครใบ้ และให้ความสำคัญกับการเต้นรำของผู้หญิงเป็นอันดับแรก ในรัสเซีย การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรกเกิดขึ้นเมื่อวันที่ 8 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1673 ที่ราชสำนักของซาร์อเล็กซี่ มิคาอิโลวิช ในหมู่บ้าน Preobrazhenskoye ใกล้กรุงมอสโก เอกลักษณ์ประจำชาติของบัลเล่ต์รัสเซียเริ่มเป็นรูปเป็นร่างเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ด้วยผลงานของนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส S.-L. ดิดโล. Didelot เสริมสร้างบทบาทของคณะบัลเล่ต์การเชื่อมโยงระหว่างการเต้นรำและละครใบ้และยืนยันลำดับความสำคัญของการเต้นรำของผู้หญิง รัสเซีย 8 กุมภาพันธ์ 1673 Alexei MikhailovichXIXSH.-L. Didlo แห่งคณะบัลเล่ต์แห่งรัสเซีย 8 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1673 โดย Alexei MikhailovichXIXSH.-L. Didlo of the corps de ballet การปฏิวัติดนตรีบัลเล่ต์ที่แท้จริงเกิดขึ้นโดย Tchaikovsky ซึ่งนำการพัฒนาซิมโฟนิกอย่างต่อเนื่องเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างที่ลึกซึ้งและการแสดงออกที่น่าทึ่งมาใช้ ดนตรีบัลเล่ต์ของเขา "Swan Lake" (1877), "Sleeping Beauty" (1890) และ "The Nutcracker" (1892) ได้รับพร้อมกับดนตรีไพเราะ ความสามารถในการเปิดเผยกระแสภายในของการกระทำ เพื่อรวบรวม ตัวละครในการปฏิสัมพันธ์ การพัฒนา และการต่อสู้ของพวกเขา การปฏิวัติดนตรีบัลเล่ต์อย่างแท้จริงเกิดขึ้นโดยไชคอฟสกี้ ผู้ซึ่งนำการพัฒนาซิมโฟนิกอย่างต่อเนื่อง เนื้อหาเชิงอุปมาอุปไมยที่ลึกซึ้ง และการแสดงออกทางอารมณ์มาใช้ ดนตรีบัลเล่ต์ของเขา "Swan Lake" (1877), "The Sleeping Beauty" (1890), "The Nutcracker" (1892) ได้มาพร้อมกับดนตรีไพเราะความสามารถในการเปิดเผยกระแสภายในของการกระทำเพื่อรวบรวม ตัวละครของตัวละครในการโต้ตอบ การพัฒนา และการต่อสู้ Tchaikovsky 2433 The Nutcracker 2435 Tchaikovsky 2433 The Nutcracker 2435 จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 20 ถูกทำเครื่องหมายด้วยการค้นหาที่สร้างสรรค์ความปรารถนาที่จะเอาชนะแบบแผนและแบบแผนของบัลเล่ต์เชิงวิชาการของศตวรรษที่ 19 จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 20 โดดเด่นด้วยการค้นหาเชิงสร้างสรรค์ ความปรารถนาที่จะเอาชนะแบบเหมารวมและแบบแผนของบัลเล่ต์เชิงวิชาการแห่งศตวรรษที่ 19

การเต้นรำสมัยใหม่ การเต้นรำสมัยใหม่ การเต้นรำสมัยใหม่เป็นทิศทางในศิลปะการเต้นรำที่ปรากฏเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 อันเป็นผลมาจากการละทิ้งบรรทัดฐานที่เข้มงวดของบัลเล่ต์เพื่อสนับสนุนเสรีภาพในการสร้างสรรค์ของนักออกแบบท่าเต้น การเต้นรำสมัยใหม่เป็นทิศทางในศิลปะการเต้นรำที่ปรากฏเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 อันเป็นผลมาจากการออกจากบรรทัดฐานที่เข้มงวดของบัลเล่ต์เพื่อสนับสนุนเสรีภาพในการสร้างสรรค์ของนักออกแบบท่าเต้น การเต้นรำสมัยใหม่ของศตวรรษที่ 20 การเต้นรำสมัยใหม่ของบัลเล่ต์ในศตวรรษที่ 20 มีพื้นฐานมาจากการเต้นรำแบบฟรีซึ่งผู้สร้างไม่สนใจมากนัก เทคโนโลยีใหม่การเต้นรำหรือท่าเต้นพอ ๆ กับการเต้นรำเป็นปรัชญาพิเศษที่สามารถเปลี่ยนแปลงชีวิตได้ การเคลื่อนไหวนี้ซึ่งเกิดขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 (Isadora Duncan ถือเป็นผู้ก่อตั้ง) ทำหน้าที่เป็นแหล่งที่มาของแนวโน้มมากมาย การเต้นรำสมัยใหม่และเป็นแรงผลักดันให้เกิดการปฏิรูปบัลเล่ต์นั่นเอง บัลเลต์ได้รับแรงบันดาลใจจากการเต้นรำแบบฟรี ซึ่งผู้สร้างไม่สนใจเทคนิคการเต้นหรือท่าเต้นใหม่ๆ มากนัก แต่สนใจในการเต้นในฐานะปรัชญาพิเศษที่สามารถเปลี่ยนแปลงชีวิตได้ การเคลื่อนไหวนี้ซึ่งเกิดขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 (อิซาโดรา ดันแคน ถือเป็นผู้ก่อตั้ง) ทำหน้าที่เป็นแหล่งที่มาของกระแสมากมายในการเต้นรำสมัยใหม่และเป็นแรงผลักดันให้เกิดการปฏิรูปบัลเล่ต์ฟรี Isadora Duncan การเต้นรำฟรี Isadora Duncan

บัลเล่ต์BALET
บัลเล่ต์มีพื้นฐานมาจากพล็อตเรื่องดราม่า
แนวคิด,
บทเพลงเป็นพื้นฐานทางวรรณกรรมของเสียงร้องที่ยอดเยี่ยม (ไม่ใช่
เท่านั้น) งานเขียนทางโลกหรือทางจิตวิญญาณ เช่น
โอเปร่า, บัลเล่ต์, โอเปเรตต้า, ออราโตริโอ, แคนทาทา, ละครเพลง; รวบรัด
เนื้อหาของเนื้อเรื่องของละคร
แต่ยังมีบัลเล่ต์ที่ไร้การวางแผนด้วย
การเต้นรำประเภทหลักในบัลเล่ต์คือการเต้นรำแบบคลาสสิก
และท่าเต้นอันเป็นเอกลักษณ์ มีบทบาทสำคัญในที่นี่
ละครใบ้,
โขนเป็นศิลปะบนเวทีประเภทหนึ่งซึ่งมีเนื้อหาหลัก
วิธีการสร้าง ภาพศิลปะเป็นพลาสติก
ร่างกายของมนุษย์โดยไม่ต้องใช้คำพูด ด้วยซึ่ง
นักแสดงถ่ายทอดความรู้สึกของตัวละคร "บทสนทนา" ของพวกเขาต่อกันซึ่งเป็นแก่นแท้
เกิดอะไรขึ้น ในบัลเลต์สมัยใหม่มีการใช้กันอย่างแพร่หลาย
องค์ประกอบของยิมนาสติกและกายกรรมด้วย

ประวัติความเป็นมาของต้นกำเนิดบัลเล่ต์

ประวัติความเป็นมาของบัลเล่ต์
บัลเล่ต์มีต้นกำเนิดในอิตาลีในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (ศตวรรษที่ 16)
ในตอนแรกเป็นอันหนึ่งอันเดียวกันโดยการกระทำเดียวหรือ
อารมณ์เต้นเสียดสีตอนใน
การแสดงดนตรีโอเปร่า ยืมมาจาก
อิตาลีและฝรั่งเศส ราชบัลเลต์เจริญรุ่งเรืองเช่นกัน
เป็นพิธีการอันวิจิตรงดงาม พื้นฐานทางดนตรี
บัลเล่ต์ชุดแรก (The Queen's Comedy Ballet, 1581)
แต่งรำพื้นบ้านและรำราชสำนักที่เป็นส่วนหนึ่งของ
ชุดเก่า ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 ก็ปรากฏตัวขึ้น
แนวละครใหม่ๆ เช่น คอมเมดี้-บัลเลต์
โอเปร่าบัลเล่ต์ซึ่งได้รับสถานที่สำคัญ
ดนตรีบัลเล่ต์และความพยายามกำลังเกิดขึ้น
ละคร แต่ในทางที่เป็นอิสระ
บัลเล่ต์กลายเป็นศิลปะบนเวทีเฉพาะใน
ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ต้องขอบคุณการปฏิรูป
ดำเนินการโดยนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส J.J.
โนเวรม. ขึ้นอยู่กับสุนทรียภาพของชาวฝรั่งเศส x
อาจารย์ท่านได้สร้างสรรค์การแสดงซึ่ง
เนื้อหาถูกเปิดเผยอย่างมาก
ภาพพลาสติกที่แสดงออกได้รับการอนุมัติการใช้งาน
บทบาทของดนตรีในฐานะ “โปรแกรมที่กำหนดการเคลื่อนไหวและ
การกระทำของนักเต้น”

บัลเล่ต์รัสเซีย

บัลเลต์รัสเซีย
ในรัสเซีย การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรกเกิดขึ้นในวันที่ 8
กุมภาพันธ์ 1673 ที่ราชสำนักของซาร์อเล็กซี่
มิคาอิโลวิชในหมู่บ้านใกล้กรุงมอสโก
พรีโอบราเชนสโคย. เอกลักษณ์ประจำชาติ
บัลเล่ต์รัสเซียเริ่มเป็นรูปเป็นร่าง
ต้นศตวรรษที่ 19 ต้องขอบคุณกิจกรรมต่างๆ
นักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส Charles-Louis Didelot
Didelot เสริมสร้างบทบาทของคณะบัลเล่ต์ ความเชื่อมโยงระหว่างการเต้นรำและ
ละครใบ้ยืนยันความสำคัญของผู้หญิง
เต้นรำ. การปฏิวัติดนตรีบัลเล่ต์อย่างแท้จริง
ผลิตโดย Pyotr Ilyich Tchaikovsky ซึ่งเป็นผู้มีส่วนร่วม
การพัฒนาด้านซิมโฟนิกอย่างต่อเนื่องของเธอ
เนื้อหาเป็นรูปเป็นร่างเชิงลึก ดราม่า
การแสดงออก เพลงบัลเลต์ของเขา "หงส์"
ทะเลสาบ", "เจ้าหญิงนิทรา", "แคร็กเกอร์"
ได้มาพร้อมกับโอกาสอันไพเราะ
เผยกระแสแห่งการกระทำภายใน
รวบรวมตัวละครของตัวละครไว้ในนั้น
ปฏิสัมพันธ์ การพัฒนา การต่อสู้ เริ่ม XX
ศตวรรษถูกทำเครื่องหมายด้วยการค้นหาเชิงนวัตกรรม
ความปรารถนาที่จะเอาชนะแบบแผน
การประชุมบัลเลต์วิชาการแห่งศตวรรษที่ 19

การเต้นรำสมัยใหม่

การเต้นรำสมัยใหม่
การเต้นรำสมัยใหม่เป็นหนึ่งในพื้นที่ของความทันสมัย
ท่าเต้นต่างประเทศซึ่งมีต้นกำเนิดในท้ายที่สุด สิบเก้า -
จุดเริ่มต้น ศตวรรษที่ XX ในสหรัฐอเมริกาและเยอรมนี คำว่า “โมเดิร์นแดนซ์”
ปรากฏตัวในสหรัฐอเมริกาเพื่ออ้างถึงการแสดงบนเวที
การออกแบบท่าเต้นที่ปฏิเสธบัลเล่ต์แบบดั้งเดิม
แบบฟอร์ม เมื่อนำมาใช้จึงเข้ามาแทนที่คำอื่น
(การเต้นรำแบบอิสระ Duncanism การเต้นรำแบบ Sandal
การเต้นรำเป็นจังหวะ, การแสดงออก,
การแสดงออก, แน่นอน, ใหม่
ศิลปะ) ที่เกิดขึ้นในกระบวนการพัฒนา
ทิศทางนี้ ทั่วไปเพื่อเป็นตัวแทนการเต้นรำ
ทันสมัยไม่ว่าจะอยู่ในการเคลื่อนไหวใดก็ตาม
เป็นของตนและได้ประกาศในสมัยใด
โปรแกรมสุนทรียภาพมีความตั้งใจที่จะสร้าง
การออกแบบท่าเต้นใหม่ซึ่งตามความเห็นของพวกเขาตอบ
ความต้องการทางจิตวิญญาณของมนุษย์ในศตวรรษที่ 20 หลักของมัน
หลักการ: การปฏิเสธศีล การใช้ธีมใหม่และ
เรื่องราวพร้อมการเต้นรำและพลาสติกดั้งเดิม
วิธี. ในความพยายามที่จะบรรลุความเป็นอิสระอย่างสมบูรณ์จาก
ตัวแทนประเพณีของต.ม. ในที่สุดก็มาถึง
การนำวิธีการทางเทคนิคบางอย่างมาใช้ใน
การเผชิญหน้ากับสิ่งใหม่
ทิศทาง. การติดตั้งเพื่อการออกเดินทางที่สมบูรณ์จาก
ฉันไม่สามารถฝึกบัลเลต์แบบดั้งเดิมได้
ได้รับการตระหนักอย่างเต็มที่

บัลเล่ต์เป็นศิลปะ

บัลเล่ต์เป็นศิลปะ
ในวิวัฒนาการของมัน บัลเล่ต์เริ่มเข้าใกล้กีฬามากขึ้นเรื่อยๆ โดยสูญเสียไป
ระหว่างทาง บทบาทอันน่าทึ่งของบทบาทบางครั้งก็อยู่ข้างหน้า
เทคโนโลยีแต่ล้าหลังในด้านเนื้อหา
ในการฝึกอบรมศิลปินมืออาชีพอย่างครอบคลุมจึงมีความจำเป็น
ความรู้เกี่ยวกับวัฒนธรรมดนตรี ประวัติศาสตร์ วรรณกรรม และบทประพันธ์
ละคร ในเวลาเดียวกันตั้งแต่อายุเจ็ดขวบเด็ก ๆ ก็ผ่านไปได้
การฝึกยิมนาสติกเพราะบัลเล่ต์ในอดีต
อยู่รอดมาจนถึงทุกวันนี้ มีการปรับปรุงทางเทคนิค
และบัลเล่ต์สมัยใหม่บนพื้นฐานคลาสสิก เช่น บัลเล่ต์
Forsythe จำเป็นต้องได้รับการฝึกฝนทางกายภาพอย่างจริงจัง
นักบัลเล่ต์ Sylvie Guillem เริ่มต้นเธอ เส้นทางที่สร้างสรรค์ตรงกับ
ยิมนาสติก
บัลเลต์โบราณมีสุนทรีย์อันงดงามและบางครั้งก็มีการจัดฉากด้วย
ในหัวข้อโบราณ เช่น ผลงานของ Charles Didelot เรื่อง “Zephyr and
ฟลอร่า".

คลื่นลูกใหม่แนวโรแมนติกปรากฏในบัลเล่ต์ตั้งแต่แรก
ศตวรรษที่ XX ผู้ประกาศคือนักออกแบบท่าเต้น
มิคาอิล โฟคิน
ในรัสเซียจนถึงศตวรรษที่ 20 การฝึกออกแบบท่าเต้น
ดนตรี ละคร และอื่นๆ
วิชาชีพละครประยุกต์ได้จัดขึ้นในที่เดียว
สถาบันการศึกษา - โรงละครอิมพีเรียล
โรงเรียน. ขึ้นอยู่กับความสำเร็จของเด็กๆ
โอนไปยังแผนกที่เหมาะสม หลังจาก
การปฏิวัติโรงเรียนถูกแบ่งแยกในปี พ.ศ. 2460 และบัลเล่ต์
การศึกษาเริ่มดำรงอยู่อย่างอิสระ ในเวลาเดียวกัน
เวลาผสมยังคงอยู่ในโรงภาพยนตร์หลายแห่ง
ละคร: การแสดงละคร
สลับกับละครและบัลเล่ต์
ความหลากหลาย เช่น นอกเหนือจากการผลิตใน
Bolshoi, Kasyan Goleizovsky จัดแสดงบัลเล่ต์
การแสดงที่ The Bat และที่โรงละคร Mamontovsky
เพชรประดับ" ซึ่งหนึ่งในนั้นมีการผลิต "Les
Tableaux vivants” ซึ่งแปลว่า “ภาพมีชีวิตขึ้นมา” นั่นเอง
ก่อนอื่น Goleizovsky เป็นศิลปินอย่างไร
ปรากฏการณ์นี้กำลังพัฒนาในบัลเล่ต์ยุคใหม่เช่น
“รูปภาพมีชีวิตขึ้นมา” “ภาพถ่ายมีชีวิตขึ้นมา” และ “มีชีวิตขึ้นมา”
ประติมากรรม"

ข้อกำหนดการออกแบบท่าเต้น

เงื่อนไขบัลเล่ต์
คำศัพท์การออกแบบท่าเต้น - ระบบชื่อพิเศษ
มีวัตถุประสงค์เพื่อแสดงแบบฝึกหัดหรือแนวคิดที่อธิบายโดยย่อ
หรืออธิบายได้ยาก
ในศตวรรษที่ 17 ปี 1701 ชาวฝรั่งเศส ราอูล เฟยเลต์ ได้สร้างระบบสำหรับบันทึกองค์ประกอบดนตรีคลาสสิก
เต้นรำ. ข้อกำหนดเหล่านี้ได้รับการยอมรับจากผู้เชี่ยวชาญในสาขาการออกแบบท่าเต้นระดับโลกและ
เวลาปัจจุบัน
“ตำแหน่งหมุนขา” และนี่เป็นเงื่อนไขที่จำเป็นและบังคับ
เทคนิคการแสดงนาฏศิลป์คลาสสิก
“ บอลลูน” - ความสามารถในการจัดท่าขณะกระโดด
“แรง” คือการเตรียมการที่จำเป็นของแขนเพื่อทำท่าหมุน
“ ความมั่นใจในตนเอง” - ตำแหน่งที่มั่นคงของนักเรียน
“ระดับความสูง” คือความสามารถของนักเต้นในการแสดงระยะสูงสุดของการบินในการกระโดด
“ Priporation” - ออกกำลังกายด้วยมือหรือเท้าก่อนเริ่ม
การดำเนินการองค์ประกอบ
“ Cross” - องค์ประกอบการแสดงในทิศทางต่อไปนี้: ไปข้างหน้า, ด้านข้าง, ข้างหลัง,
ไปทางด้านข้างหรือในทิศทางตรงกันข้าม
นี้ ภาษาสากลการเต้นโอกาสในการสื่อสารกับนักออกแบบท่าเต้นความเข้าใจ
วรรณกรรมพิเศษ คำศัพท์เฉพาะทางถูกสร้างขึ้นตามกฎเกณฑ์เสมอ
การสร้างคำ
ข้อได้เปรียบหลักของคำนี้คือความกะทัดรัด

ผู้แต่งเพลง “SWAN LAKE”: Pyotr Ilyich TCHAIKOVSKY

"สวอนเลค"
ผู้แต่ง: ปีเตอร์ อิลยิช ไชคอฟสกี
คุณไม่สามารถละเลยผลงานชิ้นเอกที่มีชื่อเสียงนี้ได้
นักแต่งเพลงชาวรัสเซียในสี่องก์ขอบคุณ
ซึ่งตำนานชาวเยอรมันเกี่ยวกับความสวยงาม
หงส์สาวกลายเป็นอมตะในสายตาของนักเลง
ศิลปะ. ในเรื่องเจ้าชายผู้หลงรัก
ราชินีหงส์ทรยศเธอแต่ทว่า
การตระหนักถึงความผิดพลาดไม่ได้ช่วยเขาหรือเขา
เป็นที่รักจากองค์ประกอบที่บ้าคลั่ง ภาพ
ตัวละครหลัก - Odette - ดูเหมือนจะเสริม
แกลเลอรี่สัญลักษณ์หญิงที่สร้างขึ้น
นักแต่งเพลงในช่วงชีวิตของเขา เป็นที่น่าสังเกตว่า
ผู้เขียนพล็อตเรื่องบัลเล่ต์ยังคงอยู่
ไม่รู้จัก และไม่เคยอยู่บนโปสเตอร์ใดๆ เลย
รายชื่อนักประพันธ์ถูกระบุไว้ เป็นครั้งแรกที่มีบัลเล่ต์
นำเสนอย้อนกลับไปในปี พ.ศ. 2420 บนเวทีบอลชอย
โรงละคร แต่ตัวเลือกแรกได้รับการยอมรับ
ไม่ประสบความสำเร็จ

ปีเตอร์ อิลิช ไชคอฟสกี 7 พฤษภาคม พ.ศ. 2383 - 6 พฤศจิกายน พ.ศ. 2436

ปีเตอร์ อิลยิช ไชคอฟสกี้7
พฤษภาคม 1840 - 6 พฤศจิกายน 1893
นักแต่งเพลงชาวรัสเซีย
นักแต่งเพลง ครู ผู้ควบคุมวง และชาวรัสเซีย
นักวิจารณ์เพลง ในฐานะนักแต่งเพลงมืออาชีพ ไชคอฟสกี
ก่อตั้งในปี พ.ศ. 2403-2413
โดดเด่นจากการเพิ่มขึ้นอย่างมาก
ชีวิตทางสังคมและวัฒนธรรม
จักรวรรดิรัสเซีย: หลายแง่มุม
การพัฒนาดนตรี วรรณกรรมและวรรณกรรมรัสเซีย
จิตรกรรมความเจริญรุ่งเรืองของบ้านเมือง
วิทยาศาสตร์ธรรมชาติ ชัยชนะที่สดใส
สาขาปรัชญาและสุนทรียศาสตร์

ผู้แต่งเพลง “THE NUTCRACKER”: Pyotr Ilyich Tchaikovsky

"นัทแคร็กเกอร์"
ผู้แต่ง: ปีเตอร์ อิลยิช ไชคอฟสกี
“เดอะนัทแคร็กเกอร์” ถูกนำเสนอเป็นครั้งแรก
สู่สาธารณะในปี พ.ศ. 2435 บนเวทีอันโด่งดัง
โรงละคร Mariinsky โครงเรื่องของมันมีพื้นฐานมาจาก
โกหกเทพนิยายของฮอฟฟ์มันน์เรื่อง The Nutcracker and
ราชาหนู” การต่อสู้ของรุ่น
การเผชิญหน้าระหว่างความดีและความชั่ว
ภูมิปัญญาหลังหน้ากาก -
ความหมายเชิงปรัชญาอันลึกซึ้งของนิทาน
แต่งกายด้วยภาพดนตรีที่สดใส
เข้าใจได้สำหรับผู้ชมที่อายุน้อยที่สุด การกระทำ
เกิดขึ้นในฤดูหนาวในวันคริสต์มาสอีฟ
เมื่อความปรารถนาทั้งหมดเป็นจริงได้ - และ
มันให้เสน่ห์พิเศษ
เรื่องราวมหัศจรรย์ ในเทพนิยายนี้
ทุกสิ่งเป็นไปได้: ความปรารถนาอันเป็นที่รักจะกลายเป็น
ความเป็นจริง หน้ากากแห่งความหน้าซื่อใจคดจะพังทลายลง และ
ย่อมมีความอยุติธรรมอย่างแน่นอน
พ่ายแพ้